El magnate Eli Broad revela sus compras de arte

Por: | 20 de abril de 2014

Eli Broad
Eli Broad atesora la mayor colección de obras de Jeff Koons del mundo. Con este punto de partida resulta fácil intuir qué tipo de artistas le interesan. Por si hiciera falta cerciorarse, hace escasos días se daban a conocer las piezas que ha adquirido en los dos últimos años para la Broad Foundation y la Eli and Edythe L. Broad Collection. Estas dos colecciones separadas serán las que aporten los fondos a The Broad, el nuevo museo de arte contemporáneo que este filántropo y magnate inmobiliario de 81 años está construyendo en Los Ángeles (Estados Unidos) y que abrirá durante 2015.

Es interesante repasar esas adquisiciones, pues representa un gusto mayoritario compartido por infinidad de coleccionistas. Hay nombres indiscutibles en estas compras, como William Kentridge o Yayoi Kusama, pero todas juntas no dejan de dar una sensación de catálogo de casa de subastas. Como si las adquisiciones se hubieran encargado a expertos de Sotheby’s o Christie’s. Mercado al cuadrado.

Kousama
'Infinity Mirrored Room', una instalación con LEDs y espejos de la artista japonesa Yayoi Kusama.

Convertido Eli Broad en uno de los coleccionistas más famosos de Estados Unidos y con mayor peso en Los Ángeles, la prensa de su país no deja de mirarle con cierta desconfianza. No solo por lo que compra, sino por cómo lo hace. “Le gusta pagar menos que nadie, y se siente legitimado a pagar menos porque tiene la intención de ofrecer su colección al público”, relataba en una reciente conferencia en Barcelona Michael Findaly, director de la célebre galería Acquavella. Primero prometió que donaría su colección al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, que le construyó un espacio particular, pero una vez instaladas las obras decidió que solo las cedería en préstamo, y hoy en día el estudio Diller Scofidio + Renfro construye para él su propio museo: The Broad.

Broad_Museum

Imagen virtual de The Broad, el museo de arte contemporáneo que albergará en 2015 la colección de Eli Broad en Los Ángeles (Estados Unidos). Foto: cortesía Diller Scofidio + Renfro.

Allí llevará las 89 piezas que ha adquirido en los dos últimos años. En este tiempo ha dado un giro a la forma en la que colecciona. Se centra en grandes instalaciones y en obras monumentales, como si hubiera una relación entre superficie y calidad. Una de las piezas nuevas más interesantes que incorpora a The Broad es Infinity Mirrored Room. Se trata de una enorme instalación construida con LEDs por la artista japonesa Yayoi Kusama. Esta impactante propuesta se pudo contemplar hace unos meses en la galería David Zwiner en Manhattan (Nueva York), con tal éxito, por cierto, que provocó colas de seis horas para verla.

Ragnar
'The Visitors', videoinstalación del creador afincando en Islandia Ragnar Kjartansson.

Otra compra reciente es la instalación de nueve pantallas que refleja un trabajo sobre música experimental filmado por el joven artista islandés Ragnar Kjartansson. Eli Broad adquirió The Visitors en la galería Luhring Augustine. Y no muy lejos de allí, en Marian Goodman, se hizo con un lienzo de gran formato de Julie Mehretu, uno de los nombres fuertes del mercado del arte estos días. La tela Beloved (Cairo), 2013, traza el bullicio de la capital de Egipto a través de una intrincada estructura de planos y mapas elaborada con tinta y acrílico. En la misma galería neoyorkina incorporó a su colección la videoinstalación de cinco canales The Refusal of Time, del creador sudafricano William Kentridge.

Mehretu Beloved

Un visitante observa en la galería Marian Goodman de Nueva York la tela de gran formato de Julie Mehretu 'Beloved' (2013). Foto: cortesía Marian Goodman, la artista y Tom Powel.

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Richter y Sigmar Polke juntos por primera vez en 50 años

Por: | 16 de abril de 2014

Sigmar Polke and Gerhard Richter - In the bathtub 1966. Image courtesy Gerhard Richter Archive 2014
Es la primera exposición conjunta en casi 50 años de dos grandes de la pintura: Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) y Sigmar Polke (1941-2010).
Juntos ocupan bastantes páginas en el libro de la historia del arte de las últimas tres décadas. La muestra reúne 65 obras procedentes de 30 colecciones. Hasta aquí podría parecer una excelente propuesta de un museo o de un centro de arte. Sin embargo, lo singular es que la organización y el comisariado corren a cargo de una sala de subastas. En este caso, Christie’s. Y nos pone frente a una dura evidencia: el mercado del arte quiere hacer de museo, de comisario y de crítico. Es una forma de validar sus propuestas, de aportar pedigrí a las obras y, claro, rematarlas a mejor precio. En nuestros días, existe una corriente intensa que lleva a profesionales que trabajan en casas de pujas o coleccionistas a dar sustento teórico a muchas exposiciones. Y el movimiento inquieta. Nunca los críticos de arte fueron tan necesarios como estos días y nunca tuvieron tan poco peso e importancia.

Gerhard Richter - Vierwaldstätter 1969
Gerhard Richter, 'Vierwaldstätter See' ('El lago de Vierwaldstatt') . 1969. Óleo sobre lienzo. 120 x 150 centímetros. Cortesía: Christie's.

Con estas ideas transportadas en el aire, el próximo 24 de abril Christie’s Mayfair (Londres) presenta Polke/Richter-Richter/Polke. Combinando obras a la venta y en préstamo de colecciones privadas, la casa de pujas rememora la célebre exposición conjunta de ambos pintores en la galería h de Hanover (Alemania) en 1966. Incluso hay dos cuadros de aquella muestra: Flämische Krone (Richter) y Bavarian (Polke) junto a trabajos de otros periodos. Reunidos bajo una única mirada narran la evolución tan dispar de los dos creadores hasta la muerte en 2010 de Polke. También son el reflejo de una relación que en principio fue muy cercana pero que con el tiempo se fue transformando en una fuerte rivalidad. Como sucedió con Lucian Freud y Francis Bacon. O Matisse y Picasso. De hecho, Gerhard Richter contaba con sinceridad, hace algunos años, este desencuentro: “Me acuerdo de lo profunda que era nuestra amistad, pero también de lo dura que resultaba a veces. En perspectiva me asombra su brutalidad. Estábamos muy inseguros de nosotros mismos, y cada uno trataba de enmascararlo a su manera. Solo puedo decir que fue así. Polke derivó hacia una dirección sicodélica y yo hacia una clásica”.

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Warhol y la silla eléctrica de 18 millones de euros

Por: | 13 de abril de 2014

Warhol Chair

El mercado del arte sigue probando sus límites. Hasta dónde puede llegar. Si Christie’s ha puesto a la venta un bacon de 80 millones de dólares, su gran rival, Sotheby’s, contraataca con un wharhol de 25 millones. Convertido el arte estos tiempos en una indecente catarata de dinero, el próximo 14 de mayo Sotheby’s subasta en Nueva York una de las famosas sillas eléctricas de Andy Warhol. Big Electric Chair (imagen de apertura), fechado entre 1967 y 1968, es un lienzo serigrafiado de gran formato (1,37 x 1,80 metros) por el que la casa de pujas piensa conseguir entre 18 y 25 millones de dólares (de 13 a 18 millones de euros).

Perteneciente al gestor de fondos de alto riesgo David Ganek, es uno de los solo 14 cuadros de gran tamaño que tienen esta temática. Para crear la obra, Warhol recurre a una fotografía en blanco y negro que obtiene de la prensa de la época. La imagen —con una aproximación fría y distante— fue tomada en la célebre prisión de Sing Sing en Nueva York.

El espantoso aparato aparece solo. En medio de una sala vacía. A la espera de un desdichado visitante. El cuadro es un lienzo sobre el que Warhol aplica la técnica de la serigrafía. Un método que había usado en infinidad de ocasiones anteriores. Lo interesante es esa banda vertical tricolor que emplea. Es como una bandera. O, tal vez, semeje el efecto de una televisión en color que no acaba de ajustar bien la imagen. Quizá porque lo que pronto contemplará el espectador no debería tener una visión nítida. No debería existir.

Warhol Little Electric Chair
'Little Electric Chair' (1964) se subastó en 2007 en Christie's por 5.541.000 dólares. El precio, hasta ahora, más elevado para una tela de la serie de 'sillas eléctricas' de Andy Warhol. © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / ARS, New York.

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El acero monumental de Richard Serra fragua en el desierto catarí

Por: | 09 de abril de 2014

Richard Serra III

Hace falta usar el GPS para encontrar la última instalación del escultor estadounidense Richard Serra. En concreto hay que introducir las siguientes coordenadas en el navegador: N25º31.019’E050º51.948’. En ese momento, el viajero se hallará en el desierto. A más de 45 grados centígrados. En la reserva natural de Brouq. Entre antiguos vestigios arqueológicos. A unos 65 kilómetros a las afueras de Doha (Catar). Pero el trayecto merece la pena. Le espera un horizonte único. Cuatro monolitos de acero tranzan una nueva silueta en el paisaje. Alienadas, como soldados en el frente, y con sus 15 metros de altura media, las planchas se disponen a lo largo de un corredor que enlaza dos mares de 800 metros. Pero también se pueden leer aisladas. Al igual que estelas solitarias. Sin embargo, todas juntas, como una única imagen, son la reivindicación del enorme talento de Serra cuando pone a prueba sus obras en espacios tan complejos.

Richard Serra II
Las planchas de acero tienen una altura media de 15 metros. Foto: Sally Crane/Doha News.

La instalación se llama East-West/West-East y es un encargo de la hermana del emir de Catar Sheikha al-Mayassa bint Hamad al-Thami,
quien, con 28 años, preside la Autoridad de Museo de Catar (QMA, por sus siglas en inglés), responsable, a su vez, de los megalómanos museos de Arte Islámico y también de Arte Moderno.

Serra Apertura
La instalación se integra con el paisaje, una reserva natural a 65 kilómetros de Doha. Foto: Rik Van Lent.

“Cuando viene por primera vez aquí —entonces se estaba construyendo el Museo Islámico— y Sheikha al-Mayassa me preguntó sí quería crear una obra en este paisaje”, relata Richard Serra en el periódico The Gulf-Times. “Le contesté: ‘¿Qué paisaje?’
Y ella dijo: ‘el desierto’. Para ser sincero, no sabía que el desierto en Catar estaba por todas partes”.

Serra
Vista de la obra 'East-West/West-East' en el ocaso catarí. Foto: Victoria Baux/AFP.

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Otro ‘bacon’ quiere ser la obra más cara de la historia

Por: | 08 de abril de 2014

Bacon Tríptico

Vuelve Bacon. Una vez más. Y lo hace con fuerza. Christie's subastará el próximo 13 de mayo en Nueva York otro tríptico del artista irlandés. Parece que sus obras manaran de una fuente inagotable. Después de que Three Studies of Lucian Freud (Tres estudios de Lucian Freud) se convirtiera en la pintura más cara vendida nunca en subasta, al rematarse por 142,4 millones de dólares (unos 104 millones de euros), ahora la casa de pujas busca repetir el truco con el mismo mago e idéntica chistera.

En esta ocasión se subasta (imagen superior) el tríptico de 1984 Three Studies for a Portrait of John Edwards (Tres estudios para un retrato de John Edwards), que espera rematarse por 80 millones de dólares (58,3 millones de euros). Las tres telas muestran a John Edwards, propietario de un pub en Londres y gran amigo del pintor durante sus últimos años de vida. Hasta tal punto esa amistad era cercana, que a su muerte fue su único heredero.

Pierre Cheng
El coleccionista y empresario Pierre Chen saca a la venta 'Three Studies for a Portrait of John Edwards', de Bacon. Foto: Sotheby's.

La pieza la pone en el mercado Pierre Chen (de quien hemos hablado en este blog), uno de los principales coleccionistas asiáticos, el cual tiene acreditada fama de vender tan rápido como compra. Chen compró la pieza (en transacción privada) en Sotheby's en 2005 por unos 15 millones de dólares (casi 11 millones de euros) y nueve años después se deshace del tríptico. La casa de subastas ha situado un precio objetivo cinco millones de dólares por debajo del que partió el ya famoso Three Studies of Lucian Freud. Lo que no está muy claro es si esta obra despertará tanto interés. Primero, porque es una pieza mucho más reposada, sin esa violencia que tanto persiguen los coleccionistas en su trabajo. Y, además, el retrato de Lucian Freud era una rareza mientras que John Edwards posó para los pinceles de Bacon en infinidad de ocasiones. Hay unas 20 telas con su imagen. Por si fuera poco, de fondo, surge una pregunta doble. ¿Se habrá cansado el mercado de Francis Bacon? ¿O todavía hay deseo por sus obras?

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'Three Studies of Lucian Freud'. La obra de arte más cara vendida en subasta. Se remató por 142 millones de dólares. Foto: AFP.

 

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Daniel Canogar: "Un artista crece equivocándose"

Por: | 06 de abril de 2014

Daniel Canogar

Como un moderno Lázaro, las obras de la última exposición de Daniel Canogar se levantan de entre los muertos. En su propuesta Small Data, el artista madrileño da vida a desvencijados teléfonos móviles, teclados de ordenadores, calculadoras, discos duros, impresoras, escáneres, circuitos electrónicos… Sobre ellos cala un orvallo tamizado a través de una proyección digital que les otorga una nueva existencia. Los aparatos han sido rescatados de la basura. Antes fueron abandonados por la implacable celeridad de la obsolescencia tecnológica de nuestro tiempo. Son nueve obras que Canogar plantea como bodegones contemporáneos. Al igual que un sánchez cotán del siglo XXI. Piezas que nos recuerdan, inmisericordes, nuestro propio proceso de envejecimiento y nuestro tiempo finito. Tic-Tac. Tic-Tac.

 
Esta es la carpintería de su segunda exposición en la galería neoyorkina Bitforms. Una reivindicación de Canogar como un arqueólogo, que busca —y encuentra— los mimbres de su trabajo entre montones de desecho de chatarrerías y centros de reciclaje (aunténticos cementerios para los cadáveres de la electrónica de consumo). Obras que después organiza en estanterías individuales. Sin duda, frágiles restos de una época pasada.

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La exposición 'Small Data' explora la vida y la muerte de la electrónica de consumo.

Pero esta muestra también es algo más. Supone una enseñanza. Es el ejemplo de que la visibilidad de un artista español ahí fuera depende, en primer lugar, de él mismo. Ni de las instituciones, ni de las galerías, ni siquiera, si me apuran, de los comisarios. Al final es un trabajo solitario, que uno tiene que hacer por sí mismo. No se puede delegar. Daniel Canogar ha tardado años en tener representación en Nueva York. Ahora lo ha conseguido. Orgulloso, directo y sincero lo cuenta en el vuelo que le lleva desde México DF a Nueva York. Escuchémosle.

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'Small Data' cuenta que cuando desechamos nuestros dipositivos tecnológicos estamos tirando algo de nosotros mismos.

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Italia lanza una 'apli' para recuperar millones de obras robadas

Por: | 04 de abril de 2014

Apli Arte

Italia tiene un grave problema con la protección de su riquísimo patrimonio artístico. El deterioro imparable (por ahora) de Pompeya es un ejemplo de libro. Lo que resulta menos conocido es el que el país transalpino maneja la mayor base de datos del mundo de objetos de arte robado, con 5,7 millones de piezas catalogadas.

Como las nuevas tecnologías llegan a todas partes, el miércoles pasado la Administración italiana presentaba una apli gratuita para localizar obras de arte sustraídas. En principio, se puede descargar tanto de la tienda AppleStore como de la de AndroidMarket.

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La aplicación permitirá resolver más rápidamente la desaparición de obras de arte, como el 'gauguin' de la fotografía. AFP.

Denominada iTPC (Italia Tutela del Patrimonio Culturale), la aplicación ofrece datos de obras de arte buscadas por los carabinieri y permite tomar una fotografía de la pieza y enviarla directamente a la policía en caso de que se sospeche de su procedencia. Los cuerpos de seguridad la comprueban en tiempo real y la cotejan con su base de datos. A su vez, el usuario puede buscar información de obras sustraídas en el archivo de la policía e incluso crear su propia colección de piezas dudosas para futuras comprobaciones.

El lanzamiento de la aplicación coincide con la ya famosa recuperación de los cuadros de Gauguin —Fruits sur une table ou nature au petit chien, valorado entre 15 y 35 millones de euros— y Pierre Bonnard —La femme aux deux fauteuils, tasado en unos 600.000 euros— que durante 40 años estuvieron presidiendo la cocina siciliana de un trabajador jubilado de la Fiat de Turín.

Es una buena iniciativa para resolver un problema muy serio que Italia tiene con su patrimonio. No estaría nada mal copiar aquí la idea.

 

Foto de apertura: Un carabinieri vigila el cuadro de Gauguin 'Fruits sur une table ou nature au petit chien' robado en los años setenta en Londres. AFP/Andreas Solaro.

 

A Carabinieri stands next to one of two paintings stolen in London in the 1970s. AFP PHOTO / ANDREAS SOLARO.

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A Carabinieri stands next to one of two paintings stolen in London in the 1970s. AFP PHOTO / ANDREAS SOLARO.

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¿Cuál de estos dos ‘caravaggios’ no es auténtico?

Por: | 03 de abril de 2014

Caravaggio
A finales del siglo XVI, en los mismos años en los que Shakespeare escribía Hamlet, Caravaggio pintó un soberbio San Francisco en místico diálogo con una calavera.
La interpretación del tema fue tan revolucionaria que en vida del artista, y también tras su muerte, se crearon infinidad de copias. Más de 450 años después este éxito trae de cabeza a los estudiosos del genio toscano, que se enfrentan a uno de los dilemas pictóricos más apasionantes de los últimos tiempos.

Estos días, dos versiones, casi idénticas, de San Francisco meditando, de Caravaggio, dividen a los estudiosos. Aunque tal vez, por fin, se pueda salir de dudas. De momento, y de forma excepcional, es posible contemplarlas juntas hasta el 6 de abril en el Museo de Arte de Muscarelle en Williamsburg (Virginia, Estados Unidos). A finales de mes viajarán al Museo de Bellas Artes de Boston. Ahora bien, después de todo este tiempo las preguntas continúan ahí. ¿Cuál de estas dos pinturas se creó primero? ¿Por quién? ¿Cuál es la de Caravaggio y cuál la del admirador? ¿O es que quizá las dos proceden de los pinceles del maestro barroco? En caso contrario, ¿cómo distinguir la original de la copia? ¿Serían capaces de escoger una?

Recurramos al presente y a la historia. Las pinturas de San Francisco proceden de la iglesia de Santa María de la Concepción de los Capuchinos (Santa Maria della Concezione dei Cappuccini) en Roma (imagen de la izquierda) y del Museo Civico de la ciudad de Carpineto Romano (fotografía de la derecha). La atribución de la versión de los Capuchinos ha estado en el aire desde que en 1908, el entonces director de la galería Borghese, Giulio Cantalamessa, la señaló como obra original de Caravaggio. Pero la estudiosa Maria Vittoria Brugnoli cambió el paso en 1970. Afirmó que la auténtica era la de Carpineto Romano (que se había descubierto dos años antes) mientras que la de los Capuchinos era una copia posterior.

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'La buenaventura' (1594), de Caravaggio, se puede contemplar estos días, junto a las dos versiones de 'San Francisco meditando', en el Museo de Arte de Muscarelle en Williamsburg (Virginia, Estados Unidos).

Desde entonces, los trabajos han ido en casi todas las direcciones. En 2000, cuenta la publicación The Art Newspaper, los rayos X revelaron que la capucha del San Francisco de Carpineto había sido alterada. Tenía una modificación hecha por el pintor, un pentimento, que suele ser una evidencia de autenticidad. Pero ese cambio se había trazado con la pintura terminada y seca. Algo inusual. ¿Entonces?

Caravaggio niño
'Madonna con el niño y Santa Ana' (1605). Esta tela de Caravaggio pertenece a la colección de la galería Borghese (Roma).

Los expertos siguieron analizando la tela de Carpineto y descubrieron que tras la pintura se oculta el bosquejo de un San Francisco de la mitad del tamaño del que ahora es visible. Un proceder bastante extraño para Caravaggio
, que pocas veces daba marcha atrás en sus intenciones.

La conclusión a la que han llegado los estudiosos es que, por ahora, no hay conclusión posible. Tal vez a los lectores del blog les ayude la comparación entre las dos imágenes digitales. De momento, los visitantes de la exposición en el museo de Muscarelle han votado. El 40% prefiere la versión de Carpineto. ¿Acierta?

 

Italia prohíbe a Francesco Vezzoli desmontar una iglesia y llevarla al MoMA

Por: | 30 de marzo de 2014

Church Vezolli AFP
Piedra a piedra desmotó la iglesia. El artista italiano Francesco Vezzoli, uno de los nombres más reconocidos (trabaja con la todopoderosa galería Gagosian) del mainstream del arte de nuestros días, tenía una idea. A través de Internet compró una pequeña y bella iglesia construida a finales del siglo XIX. El templo, situado en Montergiordano, en la región de Calabria, al sur de Italia, llevaba décadas desacralizado y el empeño del artista era volverlo a montar a miles de kilómetros de allí, nada menos que en uno de los parterres del MoMA PS1, en la isla de Long Island (Nueva York).

Francesco. Vezzoli
Un operario supervisa el retorno de las piezas de la iglesia de Montegiordano (Calabria, Italia). El artista se había comprometido al devolverlas a su emplazamiento original una vez terminada la exposición en el MoMA. Foto: AFP.

En pocos días la iglesia fue desmantelada y las piedras meticulosamente ordenadas en 11 contenedores dispuestos a ser enviados a Estados Unidos. Pero una operación de este tipo no pasó desapercibida en un pueblo muy pequeño (1.900 habitantes) como es Montegiordano. “¡Se llevan la iglesia!”, exclamaron. La oposición de los lugareños llegó hasta los carabinieri, que encontraron en el puerto de Gioia Tauro (cerca del estrecho de Messina) el templo desmontado y empaquetado para su envío fuera del país. Según una nota que ha difundido la policía “no tenía ningún permiso de exportación”. Ahora las piedras han sido devueltas a su emplazamiento original a la espera de que se reconstruya.

Mapa Vezolli

Situación de Montegiordano, tal y como lo muestra Google Maps. El pueblo tiene unos 1.900 habitantes.

Francesco Vezzoli arguye que adquirió la iglesia a través de la Red y tenía todos los permisos para que la construcción formara parte su proyecto Trinity, en el que explora el arte, la religión y el glamour.
La intención del artista era proyectar sobre esos viejos muros algunos de sus vídeos. Lo que no está claro es si Vezzoli tendrá que afrontar algún cargo penal por su controvertida propuesta artística. Veremos qué ocurre.

Iglesia
La iglesia de Montegiordano en su aspecto original. Foto: AFP.

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La nieta de Picasso desnuda al genio

Por: | 27 de marzo de 2014

Le peintre et son modèle

Muy extraño. Como un océano sin orilla. Sotheby’s mostrará 50 dibujos sobre papel y algunas cerámicas procedentes de la colección privada de Marina Picasso, nieta del genio. Lo raro es que no estarán a la venta, algo inusual en una propuesta de una casa de subastas. La exposición (del 28 al 1 de abril) Picasso et le nu (Picasso y el desnudo) coincidirá con el Salon du Dessin, que se celebra en la capital parisina en unas fechas parecidas (del 26 al 31 de marzo).

Nu debout de profil
'Nu debout de profil' (1920). Grafito y pastel rojo sobre papel. 26,6 x 17,7 centímetros. © Herederos de Picasso. 2014. Un buen ejemplo del retorno al "clasicismo" de Picasso.

La muestra recorre la mirada de Picasso en un asunto central en su obra: el desnudo. De este tema hay estupendos ejemplos. Desde unos pequeños apuntes con tinta que tienen a las prostitutas barcelonesas como motivo central a la obsesión por el tema del pintor y la modelo. De hecho, durante 1963 y 1964 casi no pintará otra cosa. Compulsivamente completa álbum tras álbum reinterpretando la paradoja mítica del artista como creador.

Corps de femme de face

'Corps de femme de face' (1908). Tinta sobre papel. 62,9 x 48 centímetros. Picasso dibuja este boceto cubista de mujer un año después de haber concluido una obra maestra: 'Les Demoiselles d’Avignon'. © Herederos de Picasso. 2014.

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Con arte y sonante

Sobre el blog

En un mundo de liquidez casi ilimitada, en el que los bancos centrales dan al botón de imprimir billetes a la misma velocidad que Billy el Niño desenfundaba su revolver, los ahorradores (que hoy en día somos todos) han redescubierto el valor de los activos tangibles y limitados.
O sea, que empiezan y acaban. Metales preciosos, arte contemporáneo, antigüedades, vinos, coches de colección, diamantes. Bienes que a su escasez y potencial económico aportan su carácter material. Bienes con arte y sonantes.

Sobre el autor

Miguel Ángel García Vega

Periodista y modesto coleccionista de arte contemporáneo, Miguel Ángel García Vega lleva más de 15 años escribiendo en EL PAÍS. A veces de finanzas, a veces de sociedad, a veces de arte, pero siempre conectando la vida y los números. Este blog quiere ser una piedra de Rosetta con el que entender el universo de los bienes tangibles, que en ocasiones parece, como el mundo, ancho y ajeno.

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