Solita Mishaan, coleccionista: “Los museos venezolanos se han ido a pique”

Por: | 29 de enero de 2015

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El avatar del correo electrónico de la venezolana Solita Mishaan es una imagen de Mafalda. El personaje contestatario, inquieto y lúcido que dibujó Quino es una buena fotografía reflejada en el espejo de esta licenciada en Derecho que posee una de las mejores colecciones de arte latinoamericano del mundo.

Solita compró su primera obra en 1985. Era una pintura, La cruz del sur, del artista argentino Guillermo Kuitca. Desde entonces su pasión por el arte ha permanecido sin fisuras. Intensa. En el camino de 30 años, los fondos de su colección se han ido completando con Iñaki Bonillas, Mateo López, Carlos Garaicoa, Alfredo Jaar, Nicolás París, Miler Lagos, Barbarita Cardozo, Elías Crespin, Ivan do Espirito Santo… Decenas de nombres que construyen una colección respetada, que le ha permitido sentarse en los comités de adquisiciones del MoMA o de la Tate Modern de Londres.

Inquieta como es, el año pasado lanzaba su último proyecto: la fundación Misol. Con sede en Colombia, persigue promover el arte latinoamericano, apoyar a sus artistas y darles las facilidades para producir su trabajo; algo que muchas veces no encuentran.

Con una agenda medida, contesta a Con arte y sonante a través del correo electrónico mientras se acerca Arco.

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Borja-Villel: “En el Reina Sofía hay pocas exposiciones de masas”

Por: | 19 de enero de 2015

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Hay que reconocer a Manuel Borja Borja-Villel (Burriana, Castellón, 1957) el don de la palabra larga, reposada y extendida.
Un tanto faulkneriana. Aunque también tiene otros méritos. En siete años ha situado al museo entre los mejores del mundo. Cuando él se hizo cargo del Reina Sofía, la institución iba tan extraviada como un marinero sin estrellas. Hoy es el museo más visitado de España y su programa resulta tan sólido que las críticas iniciales se diluyen. Aunque también vive sus sobresaltos. La Asociación Española de Abogados Cristianos presentaba una querella en noviembre pasado “por incitación al odio y a la violencia” debido a varias piezas que formaban parte de la exposición Un saber realmente útil. En el incendio, una en particular…

Pregunta. ¿Pensaba que una caja de cerrillas con una iglesia quemada iba a generar tanto fuego?
Respuesta. No lo esperaba, por dos razones. Primero porque si lo esperas es que tienes una voluntad de herir a la gente, y si me conoce —que así es— y analiza la programación, no ha habido nunca nada; más bien al contrario. Segundo. Porque si lo esperas también quiere decir que pretendes provocar. Podría haber ahí un elemento oportunista, que se da en algunos casos que todos conocemos y no vale la pena mencionar. Y eso tampoco se da en la programación. No lo esperaba porque la pieza tampoco tiene nada de provocación. Si no se hubiera interpretado en algún medio, a mi manera de ver de una manera bastante confusa, no se habría llegado a lo sucedido. La obra se ha mostrado en otros lugares y nunca ha habido ningún problema.

Caja Cerillas'Cajita de fósforos' (2005), un montaje del colectivo argentino feminista Mujeres Públicas, dentro de la exposición 'Un saber realmente útil' (Museo Reina Sofía).

P. Pero a pesar de todo, la Asociación Española de Abogados Cristianos se ha querellado contra usted y ahí está, viva, la denuncia.
R. Sé que fueron a ponerla, pero veremos qué sucede.

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Dos telas de Cézanne y Monet se juegan 54 millones de euros

Por: | 12 de enero de 2015

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Dos grandes maestros salen a escena. Paul Cézanne (Aix-en-Provence 1839-1906) y Claude Monet (1840-1926). Ambos pondrán a prueba la fortaleza del mercado impresionista y moderno con dos telas de gran nivel.

El próximo 4 de febrero Christie’s busca en Londres comprador para Vue sur l’Estaque et le Château d’If (1883-1885), un óleo de Cézanne que se espera pueda conseguir entre ocho y 12 millones de libras (de 10,2 a 15,3 millones de euros). Aunque podría superar con cierta facilidad ese límite máximo. El lienzo proviene del coleccionista británico Samuel Courtauld y ha permanecido en préstamo desde 1985 hasta 2014 en el Museo Fitzwilliam de Cambridge (Inglaterra). El cuadro muestra un paisaje mediterráneo. Un mar azul turquesa. Unos pinos en primer plano y, al fondo, un horizonte de tejados de color rojo arcilla trenzado con bloques cubistas.

Cezanne
'Los jugadores de cartas' es la obra más cara de la historia del arte. La familia Real catarí compró el cuadro en 2011 por 191 millones de euros.

Pocos creadores tienen el prestigio del pintor francés, quien incluso se ganó la admiración de Picasso. La tela que subasta Christie’s fue una de las que adquirió el marchante Ambroise Vollard cuando en 1897 se hizo con el contenido de todo el estudio del pintor. Desde entonces, la especulación sobre las obras de Cézanne no ha cesado. En 1907 un bodegón del artista se vendía por 760 libras de la época, la misma tela se remataba solo seis años después por 2.180 libras. De ahí hasta hoy. La familia Real catarí desembolsaba (en una transacción privada) en 2011 unos 250 millones de dólares (191 millones de euros, según el cambio de ese año) por una de las cinco versiones que existen de Los jugadores de cartas. Esa cantidad es la más alta pagada nunca por una obra de arte. El cuadro procedía del millonario coleccionista y armador griego George Embricos. Además en diciembre pasado el museo-fundación Edsel y Eleanor Ford House de Detroit (Estados Unidos) vendía, también de Cézanne, el paisaje fechado en 1904 La Montagne Saint-Victoire du bosquet du Château Noir por 100 millones de dólares (84,4 millones de euros) a un coleccionista privado.

Cezanne Detroit
'La Montagne Saint-Victoire du bosquet du Château Noir' (1904), de Paul Cézanne, se vendió en diciembre pasado a un coleccionista privado por 100 millones de dólares (84,4 milllones de euros). Foto: Museo-fundación Edsel y Eleanor Ford House de Detroit (Estados Unidos).

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El primer ‘caravaggio’ sale a subasta

Por: | 09 de enero de 2015

Caravaggio NIño Pelando Fruta
Ver un caravaggio en una subasta es una verdadera rareza. Ver un caravaggio en una subasta del que no existen dudas sobre su atribución es una rareza todavía mayor.
El 28 de enero Christie’s vende Niño pelando una fruta (1591), la obra más temprana que se conoce del genio lombardo. La tela (65 x 53 centímetros), de la que existen diez versiones —aunque esta se considera una de las dos mejores—, fue pintada durante los primeros meses de la llegada del pintor a Roma, mientras vivía en la casa de monseñor Pandolfo Pucci, a quien, por cierto, el artista colocó el mote de “monseñor ensalada” por su ahorrativa costumbre de darle esa comida como único plato.

El lienzo, que la casa de subastas ha valorado entre tres y cinco millones de dólares (de 2,5 a 4,2 millones de euros), muestra a un niño pelando, en actitud concentrada, una bergamota con una pequeña navaja. La obra se presta a muchas interpretaciones, que van de lo complejo a lo simple. El cuadro puede leerse como una alegoría del gusto pero también del otoño, en línea con la tradición holandesa. A su vez se puede intuir una intención moralizante. El chico elige la fruta amarga en vez de las dulces peras, las uvas o las manzanas. Pero también puede ser solo una pintura de género más que Caravaggio (1571-1610) pensó que podría venderse bien en el mercado romano. El dinero siempre fue una urgencia en su vida.

Lo que resulta interesante es su origen. En 1795 se atribuyó el cuadro a Murillo, lo cual puede ser una pista que indica que en cierto momento perteneció a alguna colección española. Sea como fuere, durante años ha estado en los fondos de Sir Joshua Reynolds (1723-1791) y de ahí ha ido pasando por diversas manos hasta que en 1976 lo subastó en Londres la casa Sotheby’s. Llevaba, pues, 40 años fuera del mercado, pero no de la presencia pública. En 1985 formó parte de la mítica exposición La era de Caravaggio (Metropolitan de Nueva York) y durante 2001 participó en El genio de Roma (Royal Academy de Londres).

Veremos qué precio alcanza. Pocas ocasiones como esta se presentan en la vida de un coleccionista de pintura antigua.

 

Actualización: la puja quedó desierta. No se adjudicó la obra.

¿El 'lord sith' del arte?

Por: | 02 de enero de 2015

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El crítico estadounidense Jerry Saltz ha dicho de él, en un tono áspero, que es el “lord sith” del mundo del arte y también le ha llamado el flautista de Hamelín del “nuevo cinismo”. Nadie, ni quiera el coleccionista británico Charles Saatchi, había escuchado unas palabras tan críticas en el siempre contenido mundo del arte. Pero con Stefan Simchowitz no existen espacios intermedios. Para unos, sobre todo sus clientes, es un revolucionario; otros solo ven al mayor especulador en décadas.

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El coleccionista británico Charles Saatchi.

Una vez más en el principio y el fin de todo se halla el dinero. Simchowitz amasó su particular fortuna al vender en 2007 por 200 millones de dólares a Getty Images su agencia de fotografía (MediaVast) especializada en moda y famosos. Antes, entre 1996 y 2007, había producido, con escaso éxito, cerca de 13 películas independientes. Sin embargo Simchowitz lo vio claro tras desprenderse del negocio: era el momento del arte. Los precios ya eran altos y había trazado sus cálculos. Podría conseguir, como ha reconocido, cientos de millones de dólares en tres décadas invirtiendo en artistas emergentes. Convirtiendo a corto plazo 10.000 dólares (su gasto medio en una obra) en un millón. En el camino sacudiría el obsoleto mundo del arte dominado por el circuito que enlaza poderosas galerías, comisarios e instituciones.

Su principal arma es la tecnología. Redes sociales como Instagram (tiene 70.000 seguidores), que utiliza para promocionar los artistas que descubre. La idea es sacar el mayor provecho al mundo de la imagen. Un espacio que conoce muy bien. A fin de cuentas se ve como el Mark Zuckerberg del arte. Por eso su objetivo es revolucionarlo. Fracturar su statu quo.

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Varias obras del colombiano Óscar Murillo. Foto: Rex.

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El turista como expoliador moderno

Por: | 28 de diciembre de 2014

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Hasta hace poco tiempo era un expolio silencioso. Quedo. Ahora llega con un enorme ruido. Los turistas, al menos algunos de ellos, están comprometiendo el patrimonio artístico de muchas ciudades y países. Aunque, quizá, en ningún lugar como Italia el problema se revela tan grave. El Coliseo, Pompeya, Herculano, la Vía Apia… el turismo vandálico no respeta nada.

Cada vez es más frecuente en aeropuertos romanos como el de Fiumicino o Ciampino que las autoridades requisen pequeñas teselas, trozos de pavés de calzadas romanas, mojones, pedazos de cerámicas o partes de frescos arrancados de sus lugares de origen. “Es un tipo de ladrón que hasta hace poco era raro pero ahora sucede más y más a menudo”, relataba a la prensa italiana en abril pasado el jefe de policía Antonio Del Greco. Muchas de estas piezas ni siquiera tienen valor monetario, simplemente se sustraen del patrimonio cultural. Como si fueran un souvenir. Tal es la rapiña que en las mochilas de algunos viajeros se han llegado a encontrar incluso grandes mojones de mármol que directamente habían arrancado de la Vía Apia.

Pompeya apertura
Cientos de piezas han podido desaparecer del recinto arqueológico de Pompeya (Italia).

Desde luego el turismo, al menos cierto tipo, es una amenaza para algunos patrimonios. Aseguran las autoridades italianas que la mayoría de las personas que detienen en el aeropuerto son ciudadanos británicos o del norte de Europa. Una vez pillados con las manos en la masa, relatan los Carabinieri, sienten la enorme vergüenza de ver, frente a sus compañeros de pasaje, cómo se extraen las piezas robadas de sus mochilas. Muchos se enfrentarán al cargo de robo del patrimonio artístico.

El tema es serio y preocupante. Massimo Osana, director del sitio arqueológico de Pompeya —la ciudad italiana sepultada por las cenizas del volcán Vesubio en el 79 d.C.—, sostiene que en los últimos años han sido devueltos cientos de fragmentos de todo tipo (teselas, yesos, ladrillos, piedras) al museo por parte de turistas que en su día los sustrajeron. En ocasiones llegan acompañados de una carta de disculpa. “Finalmente puedo dormir en paz. Me he liberado de un peso que a medida que me hacía mayor era más y más difícil de soportar para mi conciencia”. Esa fue la explicación que dio Lisa (no ha trascendido más acerca de su nombre), una turista canadiense que en junio de 1964, durante su luna de miel, robó una pieza de terracota que adornaba uno de los techos de una domus (casa) pompeyana. Lisa viajó desde Montreal para devolver lo sustraído y achacó su comportamiento a la “impetuosidad de la juventud”.

Fresco antes del robo

Fresco robado

Fragmento de fresco arrancado con cincel y escoplo de la Domus di Nettuno (Pompeya). Antes y después del robo.

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Siria: cuatro años de destrucción vía satélite

Por: | 19 de diciembre de 2014

Siria apertura
Son 39 páginas que demuestran que la destrucción y el saqueo de Siria no se detienen.
Desde hace cuatro años, su patrimonio artístico va, poco a poco, desapareciendo. Es una pérdida constante. Lo pone en evidencia un completo trabajo de la Asociación Estadounidense para el Avance de la Ciencia (AAAS, por sus siglas en inglés). El informe ha estudiado a través de imágenes vía satélite en alta resolución los seis espacios sirios calificados como patrimonio de la Humanidad. A través de esas fotografías, solo la ciudad antigua de Damasco parece estar libre de daños. Peor suerte están viviendo Alepo, Bosra o Palmira, espacios donde el ser humano pasó del estar al ser.

Alepo es una ciudad que llevaba habitada desde la noche de los tiempos. Dos mil años antes de Cristo ya era un centro neurálgico del comercio de la zona y en ella han dejado su historia y su cultura el mundo romano, helénico y bizantino, entre otros. Tal vez su gran edificio sea la Gran Mezquita. Fundada en el periodo Umayyad y reconstruida, con su singular minarete, en el siglo XII. Cerca destaca una catedral de tiempos bizantinos, que más tarde se convertiría en una escuela coránica (Halawyah Madrassa). La Unesco declaró la ciudad de Alepo patrimonio de la Humanidad en 1986.

Desde el 19 de julio de 2014, la violencia alrededor de la ciudad ha sido constante. Y habitual el uso de tanques y artillería pesada. Arrinconado su patrimonio tan cerca del riesgo, el resultado ha sido muy duro para esas gastadas piedras.

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Unas plantas ‘falsas’ ponen en duda una obra maestra de Da Vinci

Por: | 10 de diciembre de 2014

Virgen de las RocasLeonardo da Vinci era un genio incluso para dar problemas. Pocas cosas hay más difíciles en pintura antigua que probar la autoría de sus obras. Desde hace cinco décadas, dos tablas se han unido al debate. Una está en Louvre, la otra la alberga la National Gallery de Londres. Ambas cuentan una apasionante historia, que tiene como centro dos versiones distintas de La Virgen de las rocas.

La que atesora la pinacoteca francesa está considerada la primera versión que pintó el maestro, la segunda sería una réplica de su propia mano. A esta conclusión llegó la National Gallery en 2010 tras un trabajo de restauración. Hasta esa fecha se consideraba que podría ser obra de alguno de sus ayudantes.

Comparación Leonardo
A la izquierda. la versión de Louvre de 'La Virgen de las rocas', de Leonardo da Vinci; a la derecha, la  que atesora la National Gallery de Londres. Foto: The Guardian.

Sin embargo un informe reciente de la geóloga y experta en historia del Renacimiento Ann Pizzorusso tira por tierra, nunca mejor dicho, esa conjetura. La tabla inglesa no tiene sentido ni geológico ni botánico. “La flora de la versión del Louvre es perfecta. Muestra plantas que pueden crecer en una gruta oscura y húmeda”, relata Pizzorusso en el rotativo inglés The Guardian. “Pero las plantas de la propuesta londinense son inexactas. Algunas no existen en la naturaleza y otras están mal dibujadas con un número equivocado de pétalos”. Lo cual es impensable en Leonardo, pues exigía fidelidad máxima en todas sus representaciones. El detalle y el verismo eran señas ineludibles de la casa.

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Aníbal Jozami: "Los verdaderos coleccionistas no son ricos"

Por: | 02 de diciembre de 2014

Aníbal Jozami Aníbal Jozami (Buenos Aires, 1949) es sociólogo y empresario. Su mujer, Marlise Ilhesca, es una periodista brasileña editora de la revista Archivos del Presente. Ambos —patronos del Museo Reina Sofía— atesoran una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Latinoamérica. Son 40 años de un entusiasmo que se ha inventariado en más de 1.000 piezas. Pero la contabilidad poco importa. Lo trascendente es que la atraviesa una única mirada. El compromiso social y político. La visión de los otros.

Jozami empezó a coleccionar en 1974. Estaba en paro. Había sido despedido de la empresa argentina donde trabajaba. Eran años difíciles para un militante político implicado en su tiempo. Un día, caminando, se topó con la galería L’Atelier de Raquel Silbenam. Entró. Después de varias visitas salió con dos cuadros bajo el brazo y el compromiso de ir pagándolos —a pesar de estar desempleado— cuando pudiera. Poco a poco. Cumplió su acuerdo. Desde entonces nunca ha vendido una sola obra y es la prueba, junto a su mujer, de que coleccionar es ante todo un ejercicio de reunir pasión, no de amasar dinero.

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Multimillonarios contenedores de arte

Por: | 25 de noviembre de 2014

Fundación Louis Vuitton
No basta con ser multimillonario. No basta con tener una colección de miles de obras en la que se ha invertido una cantidad de dinero con la que vivirían generaciones de familias. Hace falta construir un contenedor de “marca”. Un museo propio en el que albergar la colección. Los grandes nombres de la arquitectura al servicio de los grandes coleccionistas. Algunas de las principales fortunas del planeta (Bernard Arnault, François Pinault, Carlos Slim Helú, Viktor Vekselberg, George Lucas o el fallecido Emilio Botín) tienen o proyectan su espacio propio.

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Con arte y sonante

Sobre el blog

En un mundo de liquidez casi ilimitada, en el que los bancos centrales dan al botón de imprimir billetes a la misma velocidad que Billy el Niño desenfundaba su revolver, los ahorradores (que hoy en día somos todos) han redescubierto el valor de los activos tangibles y limitados.
O sea, que empiezan y acaban. Metales preciosos, arte contemporáneo, antigüedades, vinos, coches de colección, diamantes. Bienes que a su escasez y potencial económico aportan su carácter material. Bienes con arte y sonantes.

Sobre el autor

Miguel Ángel García Vega

Periodista y modesto coleccionista de arte contemporáneo, Miguel Ángel García Vega lleva más de 15 años escribiendo en EL PAÍS. A veces de finanzas, a veces de sociedad, a veces de arte, pero siempre conectando la vida y los números. Este blog quiere ser una piedra de Rosetta con el que entender el universo de los bienes tangibles, que en ocasiones parece, como el mundo, ancho y ajeno.

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