¿Sueñan los artistas con paraísos fiscales?

Georg Baselitz pasea ante una de las pinturas de 'La señora Lenin y el ruiseñor'./Luis Alberto García.

Hace unos pocos días, la policía entraba por sorpresa en la villa que el artista alemán Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Sajonia, 1938) tiene en Ammersee, un lago cercano a Munich, que es conocido, sobre todo, por albergar una nutrida colonia de millonarios. Buscaba pruebas de un presunto delito fiscal cometido por uno de los grandes pintores europeos de nuestro tiempo. Las fuerzas de seguridad requisaron varias cajas de documentación.

El creador germano (que figura entre los artistas más ricos del Viejo Continente) estaba en el punto de mira de los investigadores desde que su nombre apareció en un CD que contenía datos de cuentas secretas abiertas, entre otras instituciones, en el banco suizo UBS, y que el estado alemán de Renania del Norte-Westfalia compró el verano pasado. Todo dentro de esta corriente de lucha contra la evasión fiscal que estos días recorre la Unión Europea, y que Alemania se ha tomado muy en serio. Por ejemplo, Uli Hoeness, presidente del club de fútbol Bayern de Munich, admitía, ante las evidentes pruebas en manos de la investigación, en abril pasado, que había evadido impuestos. Por el contrario, Baselitz niega la mayor. Ni siquiera prestó atención a las advertencias del propio UBS cuando pidió a sus clientes “resolver activamente sus problemas fiscales” si fuera necesario. En un lenguaje para muchos entre cínico y sonrojante.

George Baselitz, uno de los artistas más ricos de Europa, está siendo investigado por presunta evasión fiscal por la Hacienda alemana. En la imagen, trabajando en su estudio de Ammersee, cerca de Munich (Alemania).

El arte contemporáneo, ¿a punto de explotar?

La Plaza del Duomo (1968) de Gerhard Richter es la obra más cara de una artista vivo adjudicada nunca en una subasta. Se acaba de rematar por 28,85 millones de euros.

“Es repugnante que una pintura mía se venda por 15 millones de euros”. La frase reverbera en las paredes acristaladas y sobre los muros de hormigón de la racionalista National Galerie de Berlín. Quienes escuchan, callan. Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) es un mito en vida de la pintura contemporánea. Tiene 80 años y una de las carreras más sólidas del mundo de arte. Al igual que Bob Dylan, que tuvo una etapa acústica y otra eléctrica, la trayectoria del creador alemán ha dejado dos grandes momentos: el realista y el abstracto. En los dos ha innovado. En los dos ha creado escuela.

 

Pero Gerhard Richter, que continúa manteniendo su célebre genio, se pelea con el insensible mercado del arte. Los 37,1 millones de dólares (28,85 millones de euros) que acaba de pagar en Sotheby’s el financiero neoyorkino Donald Bryant por el lienzo realista La Plaza del Duomo de Milán, pintado en 1968, le han convertido en el artista vivo más caro del mundo. Y también en uno de los más enfadados. Quienes le conocen saben que ver sus obras rematadas por esas cifras le produce una sincera aversión. “El arte es ajeno al mercado”, repite, como una letanía.

Dustheads se ha convertido en la obra más cara de Basquiat vendida en subasta al rematarse por 38 millones de euros la semana pasada en Christie's Nueva York. © 2013 The Estate of Jean-Michel Basquiat/ADPAP, París/Ars, Nueva York.

Sin embargo, el mercado ignora todas las opiniones. Incluso las de un maestro como Gerhard Richter. Tiene sus propias leyes de atracción. Su propia gravedad. Los precios que suben no siempre bajan. Aun así, nadie esperaba lo ocurrido en los últimos días. En la subasta del pasado 15 de mayo, Christie’s recaudaba 495 millones de dólares (385 millones de euros). Nunca antes, en la historia, se había alcanzado semejante cifra en un solo día y en una sola sesión. Incluso el todopoderoso Larry Gagosian, el marchante más rico del mundo, se frota los ojos. “Es asombroso que Christie’s haya vendido arte por valor de 500 millones de dólares”. Y hace una comparación reveladora en un país como Estados Unidos. “Pocas películas recaudan esa cifra a lo largo de toda su vida comercial. Y la venta duró casi lo que dura una proyección. Es una muestra del poder del mercado”. ¿Pero no será también el comienzo de la burbuja? ¿Está el mercado del arte a punto de explotar?

El talento pop de Elizabeth Peyton

Klara. 2012. Óleo sobre aluminio. 36 x 43,5 cm. Colección privada.

Elizabeth Peyton (Connecticut, Estados Unidos, 1965) quizá sea, junto con Julie Mehrethu, la pintora viva contemporánea más influyente del mundo. Su trabajo –imprescindible– tiene un riesgo. Centrarse en lo obvio y perderse lo fundamental. Lo obvio, muchas veces, son los personajes que representa en sus cuadros. Iconos de la música pop y rock, estrellas de cine, cantantes, reyes, príncipes, diseñadores. Piensen en Kurt Cobain, Peter Doherty, Keith Richards, Jarvi Cocker (cantante de Pulp), Leonardo DiCaprio, Marc Jacobs… Imágenes que traslada a la tela o al papel (acuarela y grafito) procedentes de revistas como Rolling Stone, Hello! o Vogue. Para alimentar esa parte de papel cuché, las crónicas narran que una vez estuvo casada con el siempre singular artista Rirkrit Tiravanija y que fue pareja de Jake Chapman (uno de los miembros del movimiento Young British Artist (YBA) promovido por el publicista británico Charles Saatchi).

Exponer en el Hotel Chelsea
Pero todo esto es bastante accesorio, pues, aunque ayuda a situar su trabajo, lo muestra de una forma incompleta. Lo fundamental de las pinturas de Peyton es que a partir de una escala muy pequeña (sus telas rara vez superan los 70 centímetros) y de unos trazos (en apariencia) sencillos revela los detalles más íntimos de los personajes y motivos a los que se enfrenta. Ya se percibía ese talento hace más de veinte años, cuando su galerista (aún lo es), Gavin Brown, mostró su trabajo por primera vez. Lo hizo en la habitación 828 del tétrico Chelsea Hotel (Nueva York), por donde en su día pasaron Sid Vicious, Leonard Cohen o Patti Smith. El lugar donde Jack Kerouac escribió En el camino. En este caso, los visitantes debían pedir la llave en el mostrador del hotel e ir a la habitación para poder ver las obras. Esa intimidad resultaba un excelente acompañamiento para sus pinturas.

Irises and Klara, Commerce St. 2012. Óleo sobre tabla. 61 x 45,5 cm. Colección de Emmanuel Roman con el compromiso de ser donado a la Tate Gallery.

Ahora, 20 años después, Elizabeth Peyton expone (19 abril al 15 de junio) su último trabajo en la galería neoyorkina Michael Werner. Muchas cosas han cambiado desde los tiempos del Chelsea Hotel. Ella misma se ha convertido en famosa. Sus cuadros forman parte de los grandes museos del planeta. Sus obras tienen lista de espera. Y los coleccionistas están dispuestos a pagar 400.000 dólares (305.000 euros), o más, por esos pequeños óleos. Esta es la pintora que hoy nos concede una breve (da muy pocas) entrevista para hablar de su trabajo. Escuchémosla.

Flowers, Berlin. 2010. Óleo sobre cartón. 25,5 x 20,5 cm. Colección de Harm Múeller-Spreer.

Pregunta. ¿Porqué sus pinturas son tan pequeñas? ¿Hay alguna razón en especial?
Respuesta. Es el tamaño en el que me siento cómoda. Una obra con fuerza tiene que tener economía en todos los sentidos. Tienen todo lo que necesitan y nada más. Me gusta la intimidad de ese formato. Últimamente he estado trabajando en algunas pinturas algo más grandes. Bueno, ¡unas pocas pulgadas en ambas direcciones!

P. ¿Prefiere pintar de la realidad?
R. Me gusta todo lo que hago. Trabajar con fotografías, directamente del natural o utilizando la memoria. Todos permiten resultados muy especiales. Trabajar desde la próximidad de la vida tiene un sentido más inmediato, emocionante, como en caída libre, porque todo pasa ahí mismo y ahora. Las fotografías poseen un tipo de saturación en el color y una sensación de deterioro, que no se ve en la vida real, que también me gusta mucho. 

P. ¿Cuánto tiempo trabaja en una pintura?
R. Depende. Pueden ser años o unas pocas semanas.

P. ¿En qué manera sus pinturas se basan en dibujos previos?
R. No mucho. Son cosas distintas. El único medio en el que a veces trabajo “después” es cuando hago grabados.

Se venden los latidos de Neil Armstrong

En Estados Unidos, la memorabilia es una pasión nacional. Cuando, además, los objetos están relacionados con la carrera espacial, el interés está garantizado. Pocas industrias generan un sentimiento tan patriótico como la aeroespacial. Por eso, es casi seguro que encontrará comprador un registro tan singular como es el electrocardiograma del comandante del Apollo 11, Neil Armstrong, tomado cuando pisó por primera vez la Luna. Ya saben, el de la icónica frase: “Un pequeño paso para un hombre, un gran salto para la Humanidad”. Era el 20 julio de 1969. Después se le uniría Buzz Aldrin en ese paseo lunar.

Electrocardiograma de Neil Armstrong tomado en su paseo lunar el 20 de julio de 1969. Sale a subasta por una puja mínima de 100 dólares.

Tanto Aldrin como Armstrong (con su electrocardiograma) forman parte de una más que interesante oferta de memorabilia espacial que ofrece la casa de subastas americana RR Auction. La puja, que es exclusivamente online, da la oportunidad entre el 16 y el 23 de mayo de hacerse con más de 300 objetos (cuyos precios de salida oscilan entre 20 y 10.000 dólares) relacionados con el espacio y el mundo de la aviación. En concreto, la sala pone a la venta 85 artículos alrededor del Apollo 11, quizá la misión lunar más famosa de la historia, al ser la primera tripulada que llegó a la Luna.

Joystick, perteneciente al Apollo 11, que compartían los astronautas Aldrin y Collins, y que incluso conserva su cinta adhesiva original. Precio de salida: 10.000 dólares.

Entre los objetos subastados hay aparatos tan singulares como el joystick con el que Aldrin y Collins dirigían los movimientos del módulo del Apollo 11, pero también gravitómetros, horizontes artificiales, reglas de cálculo, trozos de fuselaje, prototipos de trajes espaciales, planes de vuelo, tiques de aparcamiento en Cabo Cañaveral (Florida) de los astronautas, fotos dedicadas, monedas, sellos, dibujos… Todo un universo que no se remite únicamente al Apollo 11 sino, también, a otros proyectos como el Mercury o el Gemini. Incluso hay objetos que nos trasladan a un tiempo más actual. Pues proceden del Challenger, el Columbia o el telescopio Hubble. Una subasta para volar muy lejos.

 

¿Qué colecciona, Mr. Foster?

El arquitecto británico Norman Foster se estrena como comisario artístico en una ambiciosa exposición que revela sus gustos personales en arte contemporáneo. Fotografía: Niegel Young/Foster & Partners. Cortesía: Ivorypress.

Norman Foster (Manchester, 1935) dibuja. Todo el tiempo. Todo el rato. Compulsivamente. En el coche. En el avión. En el estudio. Mientras atiende a una reunión. El mundo, para él, es un esbozo a lápiz (del que nunca se separa) sobre un trozo de papel. Sus proyectos, desde los más grandes a los más personales, empiezan ahí. En su libreta. Tiene decenas. Algunas se han transformado en libros. Otras, aguardan su publicación. Pero junto a su mirada de arquitecto (uno de los más trascendentes del siglo XX) también posee una faceta menos conocida: la de coleccionista de arte contemporáneo. Una pasión que comparte con su mujer, Elena. Ella, además, le ha dado forma de galería, Ivorypress. Él, de exposición. Moving. Norman Foster on Art  (Carré d'Art de Nimes, del 3 de mayo al 15 de septiembre) es un viaje por una carretera de doble sentido. Es la primera vez que el arquitecto británico comisaría una exposición de arte contemporáneo y lo hace en un edificio que él mismo proyectó hace 20 años.

Estamos frente a una muestra muy singular, pues la mayoría de los artistas que aparecen forman parte de la colección personal de Norman Foster y su familia. Son creadores y obras (algunas) con las que conviven casi a diario. Y evidencia la cercanía que el matrimonio tiene con las piezas, pero también con determinados artistas (por ejemplo, Olafur Eliasson o Ai Weiwei).

El museo imaginado por Norman Foster (en la  fotografía en un momento del montaje) es un viaje por el arte contemporáneo a través de creadores como Richard Serra, Juan Muñoz o Andreas Gursky. Fotografía: Niegel Young/Foster & Partners. Cortesía: Ivorypress.

De Mark Rothko a Miguel Ángel Ríos
La lista es extensa. Ambiciosa. Nombres que ponen título a algunos de los capítulos más importantes de la historia del arte. Marcel Duchamp, Alexander Calder, Dan Flavin, David Hockney, Donal Judd, Henry Moore, Gerhard Richter, Mark Rothko, Richard Serra, Alberto Giacometti, Juan Muñoz y, además, la pintura tremendamente contemporánea de un pintor del siglo XVIII como es William Turner. Pero también otros que están por imprimir, o no, su nombre en ese exclusivo libro. Olafur Eliasson, Miquel Barceló, Juan Asensio, Andreas Gursky, Callum Innes, Sol Lewitt, Miguel Ángel Ríos, Bridget Riley. Y, junto a ellos, algunos de los artistas que forman parte de la galería que dirige Elena Foster (Luisa Lambri, Íñigo Manglano-Ovalle, David Maisel, Los Carpinteros, Michal Rovner, Not Vital o Ai Weiwei). 

Esta es la vibrante muestra, mezcla de imaginación y realidad, que Norman Foster ha dibujado para su estreno como comisario y su presentación como coleccionista. Ahora es tiempo de viajar por algunas de sus mejores piezas.

 

Leonardo DiCaprio sale a subasta

Leonardo DiCaprio, Loic Gouzer (especialista de Christie's), Justin Winters, directora ejecutiva de la Fundación Leonardo DiCaprio y el pintor Walton Ford fotografiados en su estudio. Al fondo, la obra Anthroponosis, que el artista ha donado para la subasta.  Fotografía: Martin Schoeller.

Uno nunca sabe si es por motivos fiscales, de imagen pública o bien por verdadera implicación y conciencia social, pero el caso es que infinidad de deportistas, músicos, artistas o actores crean sus propias fundaciones para fines tan variados como las posibilidades que ofrece el zoo de cristal que representa la condición humana. Sea como fuere, desde 1998, la megaestrella de Hollywood Leonardo DiCaprio tiene su propia fundación (Leonardo DiCaprio Foundation) dedicada a la protección del medioambiente y la fauna salvaje. Cuenta el artista que “desde niño estaba obsesionado con los animales que el hombre había llevado hasta la extinción, como el lobo marsupial, la paloma migratoria, el moa [similar a un emú] y el cuaga [una especie de cebra hoy desaparecida]. Me acuerdo de ver sus fotografías y pensar: “No importa dónde vaya ni lo lejos que viaje, nunca veré a esos animales en la naturaleza”.

Así que nada mejor que unir esas buenas intenciones a esas máquinas de generar dinero que son las grandes casas de subasta (Sotheby’s y Christie’s registraron las mayores ventas de su historia el año pasado) y descolgar el teléfono y llamar a 33 artistas top internacionales cuyas obras, en su gran mayoría, se venden de media por lo que hoy en día, en este país, cuesta una casa. ¿El motivo de la llamada? Recaudar fondos para la fundación. ¿El lugar elegido? La sala de Christie’s en Nueva York. ¿El día? El próximo 13 mayo. ¿El nombre de la subasta? The 11th Hour. Ni que decir tiene que a la convocatoria del actor han respondido todos los creadores a una. Y no con obra, como se ve en otras propuestas de fundaciones benéficas, precisamente menor. Al contrario. Tal es el poder de reunión de Hollywood y Christie’s. Eso sí, en todas las piezas la naturaleza es el eje conductor.

El actor Leonardo DiCaprio junto al artista Walton Ford en su estudio. Fotografía: Martin Schoeller.

La lista de artistas construiría por sí sola todo un museo de arte contemporáneo. Al menos, una forma de entender un cierto tipo de museo de arte contemporáneo. Refleja la corriente principal y los nombres más reconocidos de nuestro tiempo. Ya saben. Si no están todos lo que son, sí son todos los que están. Kai Althoff, Banksy, Peter Beard, Carol Bove, Joe Bradley, Cecily Brown, Dan Colen, George Condo, John Currin, Zeng Fanzhi, Urs Fischer, Walton Ford, Mark Grotjahn, Andreas Gursky, Sergej Jensen, Anish Kapoor, Bharti Kher, Sherrie Levine, Robert Longo, Adam McEwen, Takashi Murakami, Cady Noland, Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Richard Prince, Rob Pruitt, Neo Rauch, Robert Rauschenberg, Ugo Rondinone, Sterling Ruby, Ed Ruscha, Mark Ryden, Julian Schnabel y Rudolf Stingel.

Y, claro, con estos artistas donando obra, los números que manejan los responsables de la subasta son muy potentes. De adjudicarse todos los lotes en su horquilla actual máxima se recaudarían 18.100.000 dólares (13.800.000 euros) para la protección animal. Buenas cifras para una excelente causa.

Cientos de comercios de oro corren peligro

Durante los últimos años, los negocios de compra-venta de oro y otros metales preciosos han sido tan frecuentes en nuestras calles como las panaderías. Sin embargo, el miedo y la preocupación han llegado estas últimas semanas a una de las escasas actividades que parecían impermeables a la crisis. La fortísima caída que ha sufrido el oro en los pasados días ha llevado a muchos dueños de estas casas a preguntarse si serán los próximos en cerrar. Sumando bajas económicas a una lista que no encuentra fin. “Creemos”, reflexiona Corinna Heilmann, responsable de marketing de Oro Direct, una empresa que alterna el establecimiento físico y el online, “que se producirá un pequeño descenso en el número de las casas de compra y venta que hay en el país, pero no se pondrá en riesgo todo el sector, ya que se ha convertido en un servicio necesario para los ciudadanos”.

El joyero de la abuela, vacío
O sea, mientras haya crisis y joyas de la abuela que vender parece que el negocio tiene vida, independientemente de la cotización del metal. Desde luego, de lo primero, crisis, vamos servidos; de lo segundo, joyas, parece que los recursos, después de más de cinco años de dura recesión, se agotan.

Manuel (nombre ficticio que esconde a una persona real) lleva dos años trabajando para una de estas casas. Lo hace consiguiendo clientes en la calle. Cerca de Arenal y Sol, en Madrid. Cobra un fijo muy bajo (no lo cuenta) por repartir la publicidad y una comisión por clientes que llegan al establecimiento captados por él. Y tras un tiempo de gran actividad, siente que algo ha cambiando. “Han bajado las personas que llegan a la tienda. Pero no porque no haya necesidad, se ve en la calle que la hay, sino porque la gente ya ha vendido casi todo lo que tenía. Veo muchas personas que están en las últimas”.

Compradores de oro en la Puerta del Sol, de Madrid. Foto: Bernardo Pérez.

Cuentan quienes regentan estas tiendas que hasta hace bien poco era fácil, y cotidiano, escuchar por algunas calles de barrios elegantes de Madrid un extraño tintineo metálico escondido en bolsas de plástico, generalmente de marcas de renombre. Era el sonido de cucharas de platas, bandejas, cubiertos, ensaladeras… repicando en su interior destino a la venta. Y esa es una música, y una imagen, que fotografía muy bien nuestra crisis.

La foto del millón de euros

La sala Christie's lleva a subasta la fotografía de gran formato Klitschko (1999), del fotógrafo alemán Andreas Gursky, que podría superar el millón de euros. © 2013. ARS, New York/Bildkunst, Bonn. Cortesía: Sprueth Magers Berlín/Londres.

Andreas Gursky (Leipzig, 1955) es el fotógrafo más caro del mundo. Su famosa imagen Rhein II se vendió en Christie’s en 2011 por 4,3 millones de dólares (3,2 millones de euros). El precio más alto jamás pagado por una fotografía. Dos años más tarde (próximo 15 de mayo) llega también a Christie’s otra de sus fotos, que bien pudiera rematarse por una cifra igual de mareante. Las estimaciones oscilan entre 1.000.000 y 1.500.000 dólares (767.000-1.150.000 euros), pero podría subir con fuerza. Además hay que añadirle la comisión de la sala, que es un 25% sobre el valor del remate cuando supera los 75.000 dólares.

La pieza, titulada Klitschko (1999), es la singular mirada sobre el boxeo del fotógrafo de los guantes de oro. Gursky se maneja con comodidad en los grandes formatos. En este caso, la obra mide 208 x 261,3 centímetros, existen seis copias (más dos pruebas de artista), y recoge el momento de celebración de la victoria del boxeador ucraniano Wladimir Klitschko en su enfrentamiento con Axel Schultz por la corona europea de los pesos pesados de 1999. La fotografía contiene un millar de detalles y revela la habilidad que posee el fotógrafo alemán para moverse en el mundo digital. Por ejemplo, las imágenes que aparecen en las pantallas situadas encima del cuadrilátero (si hacen doble clic sobre la foto se desplegará con mayor detalle y con una opción de lupa) se han añadido con el ordenador. También hay retoques de luces y colores, que confieren a la fotografía una presencia hiperrealista, como si estuviéramos sentados en uno de los graderíos.

Rhein II, de Andreas Gursky. La fotografía más cara de la historia. Vendida en 2011 por 3,3 millones de euros.

Esta alteración digital la comenzó a introducir Andreas Gursky en 1992 para resolver lo que él consideraba las limitaciones de la fotografía documental. En particular, Klitschko es una muestra del interés del artista por los grandes espacios y las multitudes. Dos temas recurrente en su trabajo. Pero también representa ese caminar sobre el alambre que separa el mundo de la abstracción y el del realismo. Espacios, siempre, fronterizos.

 

¿Cultura o despilfarro en el Parlamento Europeo?

¿Un canto a la cultura o una oda al despilfarro? La colección de arte contemporáneo del Parlamento Europeo tal vez sea una de las más desconocidas del planeta. Al menos para el gran público o para quienes no trabajamos en esa institución política. Se reparte entre los edificios de Bruselas, Estrasburgo y Luxemburgo del organismo y, básicamente, contiene pintura y escultura.  

La idea de tan singular colección parte de 1980 y de Simone Veil (fotografía de la izquierda), quien fuera el primer presidente electo del Parlamento Europeo. El objetivo era que cada vez que un país ingresara en la Unión Europea (en aquellos días Comunidad Europea) aportara piezas representativas del arte de su territorio. A día de hoy, todos los estados miembros están representados con sus pertinentes artistas. Las obras las paga cada país. O sea, sus ciudadanos. Y más de 30 años de colección han dado como resultado 387 piezas. En cuanto al valor de mercado, la colección está asegurada en 17,7 millones de euros. Y aquí empiezan los problemas.    

Por un lado, hay quien califica esta colección de una muestra del “despilfarro” europeo, algo que todavía se entiende menos en época de la sacrosanta austeridad. Y, además, para algunos, tiene cierto aire colonial. “El Parlamento trata a los estados miembros como lo haría un imperio, recogiendo objetos de arte de todos los rincones de la Unión Europea”, acertará a criticar en su día la parlamentaria conservadora Marta Andreasen. Y, por otro, surgen muchas dudas sobre la calidad de lo adquirido y si ese valor del seguro es el que, de verdad, refleja la colección. Si gastas, pensarán muchos, hazlo bien.

Bartomeu Marí: "Cultura aún no ha pagado"

Tiempo para Bartomeu Marí (Ibiza, 1966). En febrero pasado renovaba su contrato como director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) por los próximos cuatro años. Pronto completará cinco temporadas en una institución que cada vez gana más peso crítico fuera de España y dentro. Las visitas han aumentado en los dos últimos años, y también la colección, sobre todo a raíz del acuerdo para incorporar los fondos de la colección Fundación la Caixa. Lo que falla (como en tantos otros espacios) es el presupuesto. Cultura todavía no ha desembolsado 1,6 millones de euros que adeuda al centro y el tiempo, en este caso, transcurre lento y amenazante. Conversamos con Bartomeu Marí de minutos, dineros y arte. Siempre atentos al teléfono por si llama el ministerio.

Pregunta. El Macba tenía pendiente el pago, con cargo a los Presupuestos Generales del Estado del año pasado, de 1,6 millones de euros. ¿Les ha pagado el Ministerio de Cultura?

Respuesta. No nos ha pagado y no hemos recibido notificación oficial de nada; ni que se haya pagado ni que se haya demorado.

P. Comentaba en esta bitácora João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía, que “los príncipes habían vuelto al museo”. Se refería al retorno de las grandes colecciones privadas y de los coleccionistas a las instituciones públicas. ¿Qué ventajas e inconvenientes tiene ese regreso?

R. La experiencia que tenemos nosotros es que el coleccionista privado amante del arte contemporáneo ha mantenido unas relaciones muy generosas con los museos. En nuestro caso tenemos que hablar de relaciones, depósitos y también préstamos importantes. También ha representado un papel muy valioso la Fundación Macba, que además de aportar medios económicos para adquirir obras de arte –algo que en estos momentos hay que celebrarlo aún más– también nos ayuda a mantener relaciones con el ámbito privado. No estamos a la altura de Estados Unidos. No somos el Metropolitan –que acaba de recibir una colección cubista fabulosa– pero en nuestro nivel tenemos una implicación del sector privado excelente para lo que es la tradición española.

El Macba (fachada exterior) ha sido un elemento revitalizador del barrio del Raval en Barcelona. Fotografía: Marcel. Lí Saénz.

P. ¿Es partidario de los préstamos privados? Me explico. El coleccionista cede la obra temporalmente, el museo corre con todos los gastos (seguros y mantenimiento), la pone en valor y luego, el coleccionista, puede decidir, o no, venderla en subasta. Pero si lo hace, lo más habitual es que se revalorice gracias a esa presencia en el museo público.

R. No es bueno, tal y como lo explica, para el museo porque se convierte en un instrumento únicamente del mercado. Pero sí es importante pensar que ciertos modelos de relación del coleccionista con el mundo privado le permiten programar e investigar. Creo que hay que ser muy cuidadoso y pactar muy bien las condiciones en las cuales una obra de arte se deposita temporalmente en un museo. Estamos evolucionando con modelos de depósito que incluyen donaciones en parte o en todo. En Estados Unidos no existe la figura del depósito. Aceptan obras si existe una promesa de donación en un futuro.

Santa Comida de Antoni Miralda. Instalación expuesta en el Macba.

P. ¿Lo que está sucediendo en el IVAM con su programación es una muestra del desinterés hacia el arte contemporáneo del actual Gobierno?

R. No tengo por costumbre opinar públicamente de mis colegas. No mientras esté dirigiendo el Macba. Cada institución debe hacer lo posible por mantener aquellos niveles de excelencia que ha tenido, y dar el mejor servicio a sus públicos y ciudadanos.

P. Islandia ha salido de la crisis en buena medida gracias a su industria cultural. ¿Esta fórmula aquí es impensable?

R. Me gustaría pensar que es aplicable y que tenemos enseñanzas que aprender. Pero cuando se sube el IVA a los productos de cultura, dudo mucho que el Gobierno tenga confianza en el sector creativo. Las llamadas industrias creativas o culturales quizás no han generado la confianza que merecen.

P. Es amigo de Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía. ¿Qué les une y qué les separa?

R. Nos unen unas ideas comunes sobre los valores que el arte representa en la sociedad. Y nos separa, probablemente, que estamos en contextos muy diferentes.

 El número de visitantes que acude al Macba ha crecido en los dos últimos años.