¿Qué sensaciones te despierta el 'Guernica', de Picasso?

Por Rocío Huerta y Ángeles García

Un día como hoy, hace 75 años, Pablo Picasso dio la primera pincelada al cuadro que habría de convertirse en una de las obras de arte más emblemáticas del siglo XX: el Guernica. Por eso los invitamos a rendir homenaje a este cuadro y todo lo que él encierra y representa, tanto para las artes como para la vida misma, contestando a la pregunta del título del post ¿Qué sensaciones te despierta el Guernica de Picasso? Una manera de ir más allá de la mera opinión artística e introducirnos en el plano personal, el de las sensaciones y emociones que nos puede despertar, provocar o evocar una obra de arte de esta naturaleza.

El pie de este homenaje lo hemos dado hoy en la sección de Cultura de EL PAÍS. Un artículo en el que una docena de artistas, escritores e intelectuales evocan el impacto que les produjo la primera vez que vieron la obra. Puedes ver aquí el artículo.

Además, dentro de ese especial, en la edición on-line publicamos una entrevista con el periodista de investigación y escritor Baltasar Magro que hoy presenta la novela La luz del Guernica (Roca Editorial). Un libro en el cual recrea una de las influencias clave de Picasso para pintar el cuadro, así como su proceso de gestación. Se trata de ese primer fogonazo que tuvo el pintor malagueño en 1917 cuando, en Florencia (Italia), contempló por primera vez el cuadro Los desastres de la guerra, de Rubens (imagen al final del post). Veinte años después, esa imagen y sus sensaciones lo acompañarían durante la creación del Guernica.

Ahora, pasamos la voz a ustedes. Los invitamos a que compartan con todos nosotros esas impresiones que les despierta esta obra de Picasso. Aunque muchos no han podido estar frente a ella, seguro que la han visto y apreciado a través de libros, documentales o, incluso, postales enviadas por algún buen amigo o familiar, y, claro, en Internet y en este mismo post.

Los desastres de la guerra (1637-1640), de Rubens.

También lo puedes contar en twitter, pinchando aquí.

Si quieres puedes leer a continuación el artículo publicado hoy en EL PAÍS:

La pasión por el dibujo y Leonardo da Vinci

No es ningún secreto que en estos últimos tiempos muchos artistas han vuelto la mirada hacia el dibujo no como el complemento a la pintura que solía ser hace tiempo, sino como medio autónomo, capaz de comunicar con  sus propias reglas. El dibujo se ha convertido, así, en un territorio dúctil que puede llegar a los trabajos en video, como en el caso de William Kentridge, o a construir mundos inesperados como los de Marcel Dzama, cuyos dibujos con aspecto inocente guardan los más maravillosos e inconfensables secretos. No sólo. Siguiendo este renovado interés por la obra sobre papel, se han empezado a apreciar de forma más sistemática los dibujos de artistas como Elena Asins o Helena Almeida, por no hablar de los extraordinarios trabajos en papel de Louise Bourgeois o Andy Warhol.
Siguiendo estos caminos luminosos muchos  artistas jóvenes usan el dibujo, parten del dibujo y sólo dibujan, quién sabe si como una estrategia de recuperación de las partes más personales y más fracturadas del sujeto, las que exigen de los espectadores  también una actitud específica y más íntima, menos espectacular: cosas pequeñas y especiales que uno quiere llevarse a casa.

Quien sabe si coincidiendo con esa pasión actual por el dibujo, en este momento se exponen en el Palacio de Buckingham algunos de los apuntes anatómicos de Leonardo, más concretamente en la muestra Leonardo da Vinci: anatomista en la Galería de la Reina  , que podrá verse hasta octubre. Las maravillosas piezas, algunos de los tesoros mejor guardados de las colecciones reales británicas adquiridos por Carlos II de Inglaterra en el siglo XVII, dan una idea bastante clara de la fabulosa habilidad de Leonardo como científico y, sobre todo, de su increíble capacidad para el dibujo, su elegancia y mimo al describir el cuerpo humano que, como sucede con los dibujos de Cajal, es una bella muestra visual más allá de los descubrimientos médicos, que en el caso de ambos fueron esenciales.
El cuerpo humano, la más sofisticada de las máquinas llena de analogías con la naturaleza, ocuparía una buena parte de ese interés de Leonardo nunca completamente satisfecho por el origen de las cosas. Los estudios de anatomía serían para el artista parte de un concepto mucho más amplio inscrito en la estructura de las cosas y su mecanismo. Por eso no resultan extrañas las analogías visuales o estructurales entre las válvulas de corazón y el interior de un edificio con columnas. Leonardo será, además, el primero en enfrentar el tema como tal y no sólo en relación con su arte.
En su afán por saber,  Leonardo no se limita sólo a conocer las partes que conforman el todo o sus efectos,  sino las causas. La prueba más convincente a este respecto es uno de sus dibujos canónicos para las teorías circulatorias,  el del "centenario", un viejo que murió plácidamente en un  hospital de Florencia. Junto al dibujo se pueden leer las siguientes anotaciones: "Este hombre, pocas horas antes de su muerte, me dijo que había superado los cien años  y que no era consciente de ninguna deficiencia en su persona salvo la debilidad. Y de este modo,  en el hospital de Santa María Nuova en Florencia, sin ningún movimiento o signo de desasosiego,  abandonó la vida. Y yo hice una anatomía para conocer la causa de una muerte tan dulce ".  A partir de esa disección desarrolla una teoría circulatoria:  las venas de las personas ancianas no suministran suficiente sangre a las partes del cuerpo, contrariamente a las de las personas jóvenes que irrigan con vigor cada una de esas partes.
Y es justo en este punto prodigioso donde surge la pregunta que al hilo de este muestra ocupa buena parte de la discusión: ¿es Leonardo más un científico que no logró publicar sus descubrimientos, descubrimientos que hubieran cambiado el devenir de la medicina quizás, o es el pintor que otros le consideran?
Personalmente no me parece que se trate de lo relevante de la cuestión y no sólo porque la vieja teoría del Leonardo hombre del Renacimiento. ¿No son al fin sus dibujos anatómicos delicadas  obras de arte más allá de las aportaciones científicas? Quién sabe si nuestra nueva forma de mirar al dibujo nos permite acercarnos a Leonardo con una mirada renovada.

 

Arte a larga distancia

SCREEN 2012.The Wanderer (Betty Drunk)

BOCETOS /Apuntes de actualidad

Hay muchas noticias y acontecimientos en la escena del arte internacional. En Bocetos seleccionaremos semanalmente algunos de los que nos parecen más interesantes y, quizá, menos difundidos. Entre ellos hay ferias y cursos online de arte contemporáneo, talleres, exposiciones y noticias.

Festivales de video.  Lo malo de los videos de arte es que pocas veces tienes tiempo (y capacidad mental) de verlos todos cuando se trata de un festival, una feria o una exposición en la que hay más de cinco. Lo bueno es que el video es fácilmente transportable y, como en el caso de REGIÓN 0, el Festival de Vídeo Arte Latino de Nueva York, puede itinerar a varias ciudades. REGIÓN 0 tuvo lugar en marzo de 2011 en el Centro King Juan Carlos I de la Universidad de Nueva York, comisariado por Eva Mendoza Chandas. Se presentaron cuarenta vídeos monocanal  de artistas como Momu & No Es, Txuspo Poyo, Antonio Savinelli, José Vicente Navarro López,  Marcos Calvari, Juanma Carrillo, Félix Fernández, Jorge Catoni, Gianfranco Foschino, Albert Merino Gómez, Lois Patiño, Caroline Conejero, Manuel Molina Martagon, Estíbaliz Sádaba, Suso33 o Laura F. Gibellini, entre otros. La itinerancia de REGIÓN 0 es Galería de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias. El Tragaluz Digital. Santa Cruz de Tenerife, España. Del 11 de mayo al 24 de junio. Y una segunda sesión del 6 de julio al 2 de septiembre. MARCO.Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, España. Del 3 de julio al 2 de septiembre 2012. Centro Metropolitano de Diseño. Buenos Aires, Argentina. Del 15 al 21 octubre.

Cumplir diez ediciones de una feria es también un logro. Las ferias LOOP (del 31 de mayo al 2 de junio) y SCREEN (del 17 de mayo al 2 de junio) de Barcelona lo celebran este año. En LOOP participan 46 galerías con piezas de 55 artistas, de las cuales 23 son estrenos. SCREEN anuncia proyectar más de mil obras de videoarte de 500 artistas de 40 países. Las sedes estarán repartidas por toda la ciudad. La novedad de este año será un foro profesional (Foro Pro) bajo el título What about production? (del 30 de mayo al 2 de junio).

Fotografía. Este año el Concurso Fotolibro Latinoamericano de la editorial RM, que se celebra por tercer vez, amplia su ámbito geográfico a España y Portugal y pasa a llamarse “Iberoamericano”. El premio es la publicación del trabajo escogido en español e inglés y la distribución mundial pero además, el jurado revisará los trabajos seleccionados y para muchos fotógrafos será la oportunidad de dar a conocer su trabajo a personalidades reconocidas del mundo de la fotografía. El jurado está compuesto por Iata Cannabrava, Iñaki Domingo, Horacio Fernández, Martin Parr, Marcelo Brodsky, Claudi Carreras, Julien Frydman, Jeffrey Ladd, Pablo Ortiz Monasterio y Alec Soth. En las anteriores convocatorias los premios fueron para Quieta, de Guadalupe Gaona y el de este año, Uniformados, de Santiago Hafford.
    Por otro lado, Historia del fotolibro en Latinoamérica (RM)  editado hace unos meses, es producto de una amplia investigación coordinada por el historiador del arte Horacio Fernández, que ha reunido una amplia selección de fotolibros publicados desde 1920 a la actualidad en once países latinoamericanos. La galería Ivorypress de Madrid acogerá a partir del 5 de junio una exposición en la que se verán muchos de estos volúmenes descatalogados, que apenas habían tenido difusión pública hasta el momento.

A quienes les interese participar en talleres con fotógrafos destacados, el programa Eyes in Progress puede resultarles una buena opción. A lo largo de este año se han programado nueve talleres que se desarrollan entre París y Barcelona. Cada uno aborda un género distinto (el retrato, el paisaje urbano, la fotografía narrativa, el reportaje documental, el deporte, el hombre y su entorno, el viaje personal, el surrealismo, la street photography). Ya han dirigido tallares Richard Dumas, Juan Manuel Castro Prieto, Jane Evelyn Atwood y Mark Power, Los próximos estarán a cargo de Eddie Keogh sobre fotografía deportiva (en la foto de la izquierda: Thierry Henry), Patrick Zachmann (reportaje), Pascal Maître (el hombre y su entorno) y Joan Fontcuberta (fotografía conspirativa). Una vez terminado el taller, los portafolios de los participantes serán publicados en la página web.

Otras opciones de próximos talleres de fotografía son los que ofrecen Es Baluard con Toni Catany (Llucmajor, Mallorca, 1942), titulado Naturaleza muerta o La construcción de una imagen, en Palma de Mallorca los días 28, 29 y 30 de junio con motivo de PalmaPhoto 2012.

Por último, y para salvar cualquier tipo de distancia, también se pueden seguir unos talleres online de arte multimedia en Visions of Art: Contemporary Art e-learning platform. Visions of Art es una programa de estudios a distancia establecido en Berlín en 2009, con el objetivo de desarrollar una plataforma adicional de aprendizaje para artistas en formación. Próximos cursos a distancia: 1. La Construcción del espacio acústico: Taller de Arte Sonoro. 2. Video instalación: Medios Audiovisuales y exploraciones narrativas. 3. VJ & Live Cinema: Aplicaciones artísticas del video en vivo . Plazo para reservar la matrícula: 17 de Mayo de 2012. Fechas del programa: del 18 de Mayo al 21 de Junio de 2012

Ferias.  La feria de arte contemporáneo online que más prestigio está alcanzando por la selección de galerías, el nivel de los artistas y obras y, sobre todo, por la mejora de su plataforma respecto a la primera edición es VIP ART FAIR, con base en Nueva York. A principios de este año, en su segunda edición, participaron 135 galerías de 35 países. Para los próximos meses tienen previstas otras tres feries especializadas y un concurso online, el VIP MFA (del 1 al 8 de junio) para artistas que se estén iniciando. El jurado seleccionará 200 participantes que podrán presentar entre 5 a 10 obras a la feria, que estarán a la venta. Entre los miembros del jurado estarán Diana Al-Hadid (artista), Jens Hoffmann (Wattis Institute), Kate Fowle (ICI), Joachim Pissarro (Hunter College), Matthew Higgs (White Columns) y O Zhang (artista). Los premios son de 15.000 dólares al ganador, 10.000 dólares al segundo puesto y 5.000 dólares al tercero. Las siguiente convocatorias son VIP PHOTO (días 12 y 13 de julio), VIP VERNISSAGE (del 20 al 22 de septiembre) y VIP CONTEMPORARY (del 6 al 10 de febrero de 2013)

Swab, la quinta edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo reunirá en Barcelona del 23 al 26 de Mayo de 2012 en el Pabellón 2 de Fira Barcelona, una selección de 60 galerías de 18 países. Swab Barcelona contará con un espacio especialmente creado para American Galleries, con especial énfasis en las galerías latinoamericanas. Además habrá un espacio asiático, Asian Galleries, una sección para Art Projects y el Programa General. Una de las iniciativas de esta feria es la del espacio MYFAF (My First Art Fair), un espacio en el que podrán exponer sin coste, cuatro galerías con menos de dos años de experiencia y que serán seleccionadas por el comité de la feria.

 

  

 

 

 

Cuestión de tallas

Vista de la entrada de la galería OMR y de la obra Ilegítimo # 1, del colectivo Assum Vivid Astro Focus, 2011

RONDA DE GALERÍAS / MÉXICO DF

Por María Minera

Atrás han quedado los años en que la escena del arte contemporáneo mexicano se improvisaba en casas y garajes vueltos sedes provisionales de una diversidad de “proyectos alternativos” –como se llamaba entonces, por ahí del final de los ochenta, a todo esfuerzo no subvencionado– con los que se buscaba abrir camino, en medio del desierto de la indiferencia institucional, a zonas inéditas de práctica artística. Lejos estamos, pues, de ese cándido y bullicioso primer hervor del que cuesta trabajo creer que provenga el asentado paisaje de galerías que actualmente ofrece la ciudad. Ya es parte de la leyenda aquello de que Kurimanzutto surgió como una suerte de anti-galería, dispuesta a romper los moldes de la gestión tradicional, empezando por aquel del lugar fijo: las exposiciones de la joven galería se llevaban a cabo en sitios cuya especificidad resultaba por lo menos estrafalaria: un mercado, la sala de un apartamento en uso, Xochimilco (nuestra pequeña Venecia). Bueno, pues si uno viaja hoy a la ciudad de México, verá que tanto este modelo de galería experimental como el formato clásico de vitrina están en vías de extinción, y que es en cambio el estilo americano de las galerías monstruo –Gagosian o Pace, digamos– el que empieza a colmar el escenario. Se deba esto o no al largo vacío institucional (que solo muy lentamente ha comenzado a cubrirse en años recientes) la cuestión es que las galerías del D.F. tienden a parecerse cada vez más a los museos –y los museos, ay, no dejan de tener algo de pequeñas galerías.

Empezando por Kurimanzutto, que un buen día abandonó sus ánimos radicales para volverse exactamente aquello de lo que al principio rehuía: una máquina bien aceitada de promoción y venta de arte, y con un espacio en absoluta tierra firme: un antiguo cobertizo convertido en flamante sala de exposiciones, cuyas dimensiones de hangar e imponente estructura de madera parecen poner constantemente a prueba la capacidad de los artistas para no dejarse apabullar por el entorno. Hasta ahora, solo gestos grandilocuentes, como el del dúo Allora y Calzadilla (que redujo la altura del espacio a la mitad con un “sub-techo” gigantesco -como se ven en la foto-, sobre el cual se bailaba por turnos tap y danza contemporánea), han conseguido salvar el escollo.

Otra galería que ha optado por la expansión es la veterana OMR que en vez de mudarse ha decidido crecer hacia los lados. A la vieja casona que alberga la galería desde hace 30 años, se han sumado las tres plantas del edificio modernista contiguo, donde se ha decidido concentrar los proyectos de corte más experimental, como el del artista hipertecnologizado Rafael Lozano-Hemmer, que estos días presenta una selección de sus famosas instalaciones interactivas (en la foto de la izquierda su pieza Espiral de corazonadas, una serie de bombillas que se encienden y se apagan en consonancia con los latidos del corazón del espectador o una pantalla espejo que hace que al que se mire en él le salga humo de los ojos). Obras de factura impecable que sin embargo pecan de tomarse demasiado al pie de la letra aquello de que la obra necesita del espectador para activarse plenamente. Al final, uno tiene la sensación de que más que exploraciones artísticas está parado frente a esos juegos de videoconsola.

Y es que en el D.F. hasta las galerías jóvenes intentan apegarse al modelo de gran Kunsthalle de sus predecesoras. Ahí están, por ejemplo, Labor, que acaba de inaugurar su nueva sede –una espaciosa sala a la mitad de un jardín– con una individual del artista Pedro Reyes, o Proyectos Monclova, que está a punto de cambiar su pequeña azotea por tremendo galerón. La nave industrial parece imponerse incluso en la preferencia de galerías venidas de fuera, como la filial de Luis Adelantado, que ha elegido una superficie en la que sin duda podría caber un par de veces la sucursal valenciana. Y ni qué decir de la Fundación Jumex, que actualmente presenta la que posiblemente sea la última exposición en la ya mítica fábrica de jugos de Ecatepec (por cierto, una elegante reunión de piezas a las que une más un estado de ánimo que un tema o asunto), ya que se prepara para estrenar un nuevo edificio en el corazón de la ciudad, obra del talentoso arquitecto londinense David Chipperfield.

No es de extrañar, entonces, que la llegada de dos galerías europeas que se han inclinado por un formato discreto haya resultado en comparación de lo más refrescante. Hablo de la nueva sede de la galería Jan Mot, instalada en un par de cuartos de una casa antigua en la que, al igual que en Bruselas, se presentan, más que cúmulos de obras, proyectos únicos, como los dos que se exhiben en este momento: una instalación de 1967 de David Lamelas (dos proyectores que a un tiempo arrojan luz, uno hacia la pared, el otro hacia la ventana) y la reconstrucción del Pabellón de plata (1999) de Dominique Gonzalez-Foerster. La misma sensación de experiencia concentrada que se tiene en el Proyecto Paralelo de La Caja Negra de Madrid, que en unos cuantos metros cuadrados muestra de momento una cuidada selección de obras de Ignasi Aballí.

A veces uno no quiere saturarse la retina y prefiere la contemplación de una sola imagen poderosa. Quizá por eso, los proyectos más relevantes de la temporada (época de especial alboroto debido a ZONA MACO) sean precisamente los más silenciosos: por un lado, Intemperie (foto superior), de Pablo Vargas Lugo, una deslumbrante instalación que puede verse, solo mientras dure, en el Museo Experimental el Eco, conformada por una delicada alfombra persa hecha a base de polvo de mármol y pigmentos –a la manera de los mándalas tibetanos– y una gran cortina de líneas verticales que, colocada sobre un gran ventanal, no hace sino acentuar la presencia del tercer elemento en juego: el viento. De una delicadeza similar son las piezas que la artista inglesa Sarah Lucas llevó a cabo expresamente para el Museo Anahuacalli –como El Eco, un espacio claramente al margen del barullo–, una delirante edificación en piedra volcánica proyectada por Diego Rivera para albergar tanto su estudio como su impresionante colección de arte prehispánico. La muestra está compuesta por una serie de nudos, como llama ella a las esculturas (una mezcla entre títeres y masas abstractas) que desde hace años realiza con algodón y medias de nailon, con las que en esta ocasión se aventuró a adentrarse en los terrenos de la figuración, para entablar un armonioso diálogo con las piezas prehispánicas del pintor.

 

Hoppé, explorador formal

Geroge Burchett tatuando la españda de una mujer, Londres 1931. Foto de E. O. Hoppé

 

Por Alberto Martín

El enorme prestigio y difusión que tuvo en su tiempo el trabajo fotográfico de Emil Otto Hoppé (Munich, 1878 – Londres, 1972), que firmaba públicamente sus trabajos como E. O. Hoppé, no se corresponde en absoluto con el lugar que ocupa en las historias de la fotografía, donde apenas se encuentra alguna mención a su figura o su obra. No cabe duda que la extensa exposición que ahora se le dedica en la Fundación Mapfre, procedente de la National Portrait Gallery de Londres, es una interesante iniciativa que ayudará a subsanar esa carencia, permitiendo además acercarse a la trayectoria de un autor que ejemplifica perfectamente algunas cuestiones relativas a la importante transformación del medio fotográfico durante el primer tercio del siglo XX.