Rothko y Sugimoto ante el horizonte

Por: | 02 de noviembre de 2012

Rothko2,sin titulo 1969.Pace Gallery Londres
Sin título (1969), pintura de Mark Rothko

La línea del horizonte es el corte entre el todo y la nada. El abismo tumbado. La rendija hacia lo desconocido.  Así  han parecido intuirlo labradores y vagabundos, marinos, enfermos, filósofos, artistas, mujeres de pescadores, poetas y todos los que han sido capaces de detenerse y observar esa línea tan clara e irrefutable como inexistente.  ¿Qué hay allá lejos, en ese lugar al que por más que se avance jamás se llega?

Mark Rothko (1903-1970) tuvo de alguna manera esa obsesión. Las pinturas  que lo han hecho famoso se formulan como campos de batalla en los que compiten, en general, dos colores.  A veces es un toma y daca, o una cópula, una fusión o una búsqueda de afinidades y contrastes. Dos bloques de una intensidad que solo consigue la pincelada que se aplica con la sabiduría del dolor y la precisión del oficio. A lo largo de 1969, el último año antes de su suicidio, Rothko pintó una serie de cuadros oscuros en los que solo utilizó el gris y el negro en diferentes matices. Un cambio radical respecto a la gama de colores que venía enfrentando las dos décadas anteriores. En la recta final de su carrera se limitó a trabajar sobre dos rectángulos superpuestos, uno más oscuro que el otro. Había trabajado con el negro antes en sus exploraciones de la oscuridad –sobre todo en las pinturas para su célebre capilla de Houston o la serie Seagram, diez años antes-- , pero en esta etapa postrera limitó su paleta a los tonos de la penumbra y la noche que llegan hasta los marrones y azules, enmarcados en ocasiones por un borde blancuzco como el marco de una borrosa ventana.

HS_482_Bay of Sagami, 1997
Bahía de Sagami, Atami (1997), de Hiroshi Sugimoto

Ocho de esas pinturas (el mítico número de lo eterno y lo nocturno) se exponen estos días en la Pace Gallery de Londres junto a la misma cantidad de fotografías de Hiroshi Sugimoto (Tokio, 1948). Este exquisito artista pasó años captando imágenes en blanco y negro de la línea del horizonte en lugares tan distantes como el Canal de la Mancha, las costas de Jamaica o desde las orillas del Mar Báltico y las islas de Japón. Su serie Seascapes (1980) está compuesta por paisajes marinos en los que los límites entre el mar y el cielo son difusas zonas con juegos en los que la luz traiciona a la lejanía. “Misterio de los misterios, el agua y el aire están directamente frente a nosotros en el océano. Cada vez que veo  el mar tengo una calmada sensación de seguridad, como si visitara la morada de mis ancestros; me embarco en el viaje de la mirada”, explica Sugimoto al referirse a esta serie de imágenes.

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Imagen de la exposición Rothko/Sugimoto: Dark Paintings and Seascapes, en la Pace Gallery de Londres

Y, pese a la deducción lógica que puede hacer pensar en los trágicos pensamientos de quien acaricia la idea de poner fin a su vida,  Rothko no tenía en mente solo esas ideas al realizar sus últimos cuadros.  El crítico Brian O’Doherty, experto en esa etapa de su obra, señala que lo que plasmaba Rothko en esos lienzos tenía que ver más con pensamientos metafísicos que con sus dilemas personales. Richard Schiff escribe en el catálogo de la exposición que “Rothko y Sugimoto piensan en términos de eras de la historia y eones de la vida orgánica, no en décadas de sus propias vidas”.

El caso es que al situar estas pinturas y fotografías juntas no se da un diálogo –sería humanizarlo y lo que se ve no es humano-- sino un solo e indecible hallazgo. La percepción de la esencia de las formas y a la vez la de su negación.

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