¿Una imagen vale más que mil palabras? Según investigadores de Harvard, no. Vale muchas más. Algunas hasta 500.000 millones. La cifra no importa: está claro que las imágenes son más poderosas que nunca, y este blog pretende ser un inventario visual de libros de fotografía, arte o diseño, ilustraciones, visualizaciones de datos, infografías…
Virginia Collera es periodista y traductora. Colabora intermitentemente con El País desde 2006 y es compradora confesa de libros por la cubierta y/o las fotografías interiores.
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¿Sería posible crear un cómic para personas ciegas? Esa fue la pregunta que se hizo Philipp Meyer, un estudiante de diseño de interacción. “Los cómics son un medio visual y pensé que sería interesante hacerlo accesible a todo el mundo. Además, casi todos mis amigos me dijeron que era imposible, así que eso me motivó todavía más”, explica por correo electrónico desde Copenhague.
Estamos instalados en la cultura de lo desechable y sí, quizás convenga tirar menos y arreglar más, pero la pretensión del fotógrafo canadiense Todd McLellan no es que reflexionemos sobre el tema. A él, desde luego, le molesta y así lo escribe en el texto que acompaña el libro Things come apart (Thames & Hudson): “Los objetos nuevos se convierten en objetos viejos más rápido que nunca. El despilfarro de tener que sustituir todo en tu vida tras solo unos años de uso es exasperante”.
Pero con su trabajo no pretender abrir un debate. Todo es mucho más sencillo: desde pequeño, si un juguete le intrigaba, lo abría en canal. Y la obsesión infantil fue a peor: cuando tuvo edad para conducir desmontó su coche, un Hyundai Pony de 1985.
En definitiva, no puede evitarlo.
Para Things come apart ha desmontado cincuenta objetos, clásicos y
modernos: un reloj digital (2010), una linterna (2002), una Blackberry
(2007), un iPad 2 (2011), un tocadiscos (década de 1980), un acordeón (años sesenta), etc. “Quería
meterme dentro de estos objetos, antaño codiciados, hoy rechazados, y
enseñar al mundo su calidad y belleza”, explica.
McLellan es
metódico: “Primero, coloco el componente principal, normalmente la
carcasa exterior. Después, las distintas partes de una forma atractiva,
como en un puzzle. Le doy vueltas y vueltas a la disposición hasta que
cada pieza encuentra su lugar”. Invierte entre uno y tres días en la creación de sus bodegones, cuyos componentes se presentan minuciosamente colocados o en caída libre.
Y, por supuesto, esta historia de desmontaje no termina aquí.
"Things come apart ha sido un ejercicio de descubrimiento y no sé dónde terminará o qué exploraré en el futuro".
Things come apart. Todd McLellan. Thames & Hudson. Todas las imágenes son cortesía de la editorial.
Basta pasar cuatro hojas para que Sirish Rao y Gita Wolf relaten cómo Londres se convirtió en una selva: “Hoy en día nadie se va de viaje con la idea de emprender una gran aventura hacia lo desconocido. Visitar otros lugares se ha convertido en algo cotidiano y el ingrediente de peligro que podía hacer dudar de la vuelta del viajero ya no da sabor a nuestros periplos. La inmensidad de lo desconocido se ha reducido enormemente y, con ella, nuestra capacidad de asombro”.
Pero la del pintor Bhajju Shyam seguía intacta cuando en 2002 le invitaron a que viajara a Londres para pintar los murales de un lujoso restaurante. Shyam pertenece a la comunidad tribal gond, una de las más pobres y marginadas de la India, así que él nunca debería haber estado allí. Para él, un viaje era algo con lo que ni siquiera se habría atrevido a fantasear.
Pasó dos meses en la capital británica: pintando y observando un mundo que le era totalmente ajeno. Aproximadamente un año después, Rao y Wolf se encontraron con él y le pidieron que pintase su aventura londinense. "Lo que nos llamó la atención no fue sólo la originalidad de su visión, sino también la facilidad con la que hacía observaciones muy profundas. Quedamos convencidos de que detrás de todo aquello había un magnífico relato visual de su viaje".
Así empieza El libro de la Selva de Londres.
El milagro del vuelo
El animal más pesado que he visto en la vida es el elefante, así que, al ponerme a pintar el avión, fue el que me vino a la cabeza. El despegue de un avión es un milagro comparable con el vuelo de un elefante. He puesto los árboles en el cielo boca abajo y las nubes debajo porque volar volvió mi mundo del revés.
Inglaterra es un sari de color esmeralda
He decidido mostrar mi primera visión de Inglaterra desde el aire como una tela. Para la parte central he utilizado el mismo dibujo que para representar la tierra según el estilo gond, pero lo he coloreado como un sari. Luego, para que se viera que Inglaterra es una isla, he dibujado alrededor criaturas del mar (peces y tortugas), que es como se simboliza el agua en la tradición gond.
El rey de las profundidades
Según las creencias de los gonds hay otro mundo debajo de éste. En Londres también descubrí un mundo así, aunque distinto. En las historias de los gonds decimos que una lombriz gobierna el mundo subterráneo. Por eso, al pensar en el metro como el mundo subterráneo de Londres, me pareció que los trenes eran la lombriz que lo gobernaba. [...]
El 30, un fiel amigo
Esta pintura no requiere muchas explicaciones. He transformado un autobús de la línea 30 en un perro porque eso fue para mí: un amigo fiel y leal. Además, los autobuses londinenses te acogen con mucha cordialidad, lo que encaja con el buen carácter del perro fiel.
Las parejas
Una pareja se abraza en plena calle. Los he transformado en criaturas extrañas y de vivos colores por la ropa que llevan y la libertad que tienen para convertirse en lo que les apetezca. Ella es un pez y él, un pájaro. Para que contraste con lo que conozco, al fondo he puesto una pareja india que se abraza a escondidas detrás de un árbol, bajo la atenta mirada de dos tórtolos.
La diosa de Londres
La impresión que tuve de las mujeres de Londres fue que hacían muchas cosas a la vez y de buena gana. Por eso he convertido a la inglesa de la pintura en una diosa india de cuatro brazos. Para nosotros, todos esos brazos quieren decir que la diosa está en todas partes al mismo tiempo, que es capaz de hacer muchas tareas. Normalmente, las cosas que sostiene son símbolos de sus poderes, por lo que la mujer de mi pintura coge la carta de un restaurante con una mano, ofrece una taza de té con otra, aguanta un cigarrillo con la tercera y contesta al teléfono con la cuarta. El cigarrillo es lo único que no tiene que ver con el trabajo, pero me gusta que las inglesas fumen, beban y se lo pasen bien, así que lo he incluido.
El libro de la Selva de Londres de Bhajju Shyam está editado por Sexto Piso. Traducción de Carlos Mayor. Todas las imágenes son cortesía de la editorial.
Poema 12
Para mi corazón basta tu pecho,
para tu libertad bastan mis alas.
Desde mi boca llegará hasta el cielo
lo que estaba dormido sobre tu alma.
Es en ti la ilusión de cada día.
Llegas como el rocío a las corolas.
Socavas el horizonte con tu ausencia.
Eternamente en fuga como la ola.
He dicho que cantabas en el viento
como los pinos y como los mástiles.
Como ellos eres alta y taciturna.
Y entristeces de pronto, como un viaje.
Acogedora como un viejo camino.
Te pueblan ecos y voces nostálgicas.
Yo desperté y a veces emigran y huyen
pájaros que dormían en tu alma.
Soneto XLIV
Sabrás que no te amo y que te amo
puesto que de dos modos es la vida,
la palabra es un ala del silencio,
el fuego tiene una mitad de frío.
Yo te amo para comenzar a amarte,
para recomenzar el infinito
y para no dejar de amarte nunca:
por eso no te amo todavía.
Te amo y no te amo como si tuviera
en mis manos las llaves de la dicha
y un incierto destino desdichado.
Mi amor tiene dos vidas para amarte.
Por eso te amo cuando no te amo
y por eso te amo cuanto te amo.
Oda al tiempo
Dentro de ti tu edad
creciendo,
dentro de mí mi edad
andando.
El tiempo es decidido,
no suena su campana,
se acrecienta, camina,
pero dentro de nosotros,
aparece
como un agua profunda
en la mirada
y junto a las castañas
quemadas de tus ojos
una brizna, la huella
de un minúsculo río,
una estrellita seca
ascendiendo en tu boca.
[...]
La piel extensa (antología) de Pablo Neruda. Selección de Gerardo Beltrán y Abel Murcia. Ilustraciones de Adolfo Serra. Todas las imágenes son cortesía de Edelvives.
El ilustrador James Gulliver Hancock se marcó un reto cuando desembarcó en Nueva York en abril de 2010: dibujar todos los edificios de la ciudad. Hay más de 900.000. Hancock ya ha superado los 500. Pero suma y, sobre todo, sigue.
El artista Jason Dolan se propuso una hazaña similar: dibujar a todas las personas de Nueva York (los retratos pueden verse en el blog Every person in New York). El músico Sufjan Stevens también se enroló en el ambicioso proyecto de dedicar un disco a cada uno de los 50 estados americanos, pero se detuvo tras dos: Michigan e Illinois. Ambos desistieron. Ambas premisas, reconocerían, eran insostenibles. Pero Hancock no concibe pasar un día sin dibujar, así que, mientras viva en Nueva York –en Brooklyn–, le parece factible seguir catalogando sus edificios en el blog All the Buildings in New York.
Hancock reconoce que después de haber vivido en numerosas ciudades ha desarrollado una “peculiar” relación con ellas. En París dibujó obsesivamente sus tejados; en Londres, la lluvia; en Los Ángeles, los (indispensables) coches; en Berlín, las bicicletas. De Nueva York eligió los edificios porque cuando se mudó le parecía estar viviendo en un gran set de rodaje. Dibujarlos era una forma de conocer la ciudad, de interaccionar con ella. De detenerse, prestar atención a lo que había a su alrededor y entender cómo se había formado la geografía de la ciudad.
De hecho, así empieza todo. Hancock ve un edificio que le llama la atención, se detiene frente a él, hace un boceto rápido y se encamina hacia su estudio donde lo termina recurriendo a Google Maps para pulir los detalles. El ilustrador intenta hacer un dibujo al día, pero todo depende de sus encargos -colabora y ha colaborado con The New York Times, Warner, Simon & Schuster...-.
Al principio All the Buildings in New York era simplemente un diario. El proyecto personal de un australiano que quería conocer mejor su nueva ciudad. Pero la popularidad del blog ha traído a Hancock un libro que acaba de editar Rizzoli y numerosos encargos. Ahora son los neoyorquinos quienes le piden que dibuje los edificios que tienen un significado especial para ellos -una pareja le pidió que plasmase todos los lugares en los que habían vivido juntos- y Hancock ya ha dejado de sentirse como un expatriado. Al contrario, se siente, cada vez más, un ilustrador local.
Todas las imágenes son cortesía de James Gulliver Hancock. El libro All the Buildings in New York: That I've Drawn So Far está editado por Rizzoli.
En unas horas comienza la segunda edición de Masquelibros, la Feria del libro de artista de Madrid, donde podrán verse obras de Ai Weiwei, Miquel Barceló, Luis Gordillo, Clara Janés, Isidoro Valcárcel, Pilar Lara o Antón Llamazares, entre otros. Sus obras de papel solo piden atención, en cambio Región de Pedro Nuñez pide acción: el chileno, que lleva casi 30 años dedicado a la producción de livres d’artiste, propondrá a los visitantes asomarse al proceso de creación con un proyecto de colonización de espacios con equiláteros de origami. Región reutiliza materiales sobrantes de la pasada edición de Masquelibros -catálogos, folletos y tarjetones- y Nuñez, que a partir de ahora toma la palabra, ha enumerado diez consejos útiles para aquellos que deseen confeccionar sus propios libros de artista:
1. Escucha y pon atención a todos, pero no sigas consejos de nadie.
2. ¿Es realmente necesario el libro que piensas hacer?
3. Mira con lupa. Incorpora a tu dieta los libros que hacen e hicieron otros, muy en especial los de los Grandes Maestros.
4. No utilices materiales que degraden el medio ambiente… O sí.
5. Atención a los detalles para que el resultado sea impecable. Suponiendo que lo que deseas es un resultado impecable.
6. Ser leído. No te alejes demasiado del concepto “libro”. Por muy de artista que sea, un libro siempre es un libro.
7. Atiende a los Consejos ya existentes: si quieres hacer un libro sobre la violencia, atención a los Consejos de Guerra; si deseas tratar sobre economía y mercados, busca un Consejo de Administración; si vas a reflexionar sobre el desmantelamiento de la sociedad de bienestar, lo mejor será un Consejo de Ministros, etc, etc…
8. Copia copias copiosamente. Si necesitas usar imágenes o palabras o ideas de otros no te olvides de citarlos como es debido.
9. Pon especial cuidado en la elección de colaboradores, desde coautores hasta el impresor y el encuadernador. Un especialista siempre hará lo suyo mejor que tú.
10. Y nunca, nunca te agobies por causa de un libro de artista que se resiste, recuerda que lo más importante es disfrutar haciéndolo.
Masquelibros. Feria del libro de artista de Madrid puede visitarse hasta el domingo en la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM).
Art Books for Less, un outlet especializado en libros de arte, existe desde el pasado 1 de febrero por dos razones, explica José María Carrasco, uno de sus fundadores:
1. "Porque los libros que cuestan 50 o 60 euros son los que más nos gustan, pero no llegamos. Y menos ahora, cuando la gente tiene menos dinero para destinar a cultura".
2. "Porque vi una promoción de Taschen en Privalia entre campañas de bragas y sartenes. Y me dije: 'ya está bien'. Hay que buscar un plan B para los libros de arte".
Carrasco, periodista de 37 años, se alió con Xavi Forné (31) y Ramón Aused (35), ambos diseñadores gráficos, para crear "un sitio donde comprar libros de arte, diseño, arquitectura y fotografía que ya no se venden" con descuentos de hasta el 60%.
La primera monografía dedicada al fotógrafo Harry Peccinotti, editada en 2009 por Damiani, o Common Interest: Documents (2011) de Index Book son dos de los títulos en oferta esta semana. "Siempre es la editorial la que selecciona los libros que puede ofrecer a precio rebajado. Ellos fijan también el precio y se encargan de realizar el envío", asegura Carrasco. Por su parte, en Art Books for Less promocionan los títulos en su plataforma y su comunidad de Twitter y Facebook para tratar de darle una segunda vida digital a libros que "siguen teniendo validez. Una monografía de un artista editada en 2003 sigue despertando interés, aunque quizás ya no valga 60 euros".
¿Los principales obstáculos?
"Hay editoriales que no quieren que los libros bajen de precio por imagen, otras que simplemente no creen en la idea y en el caso de las instituciones públicas está el problema de la burocracia".
Con todo, por Art Books for Less han pasado -y seguirán haciéndolo- libros editados por la Fundació Joan Miró, Polígrafa, Index Book, Damiani y ya ultiman acuerdos con muchas otras "de primera división" para ampliar su oferta. "Los que vivimos en Madrid o Barcelona tenemos muy fácil acercanos a cualquier librería o museo para comprar libros especializados pero, ¿y si vives en Torrelavega? Nuestros títulos Art Books for Less llegan a todos las rincones de España y los gastos de envío están incluidos en el precio para evitar sorpresas".
Los que viven en Argentina o México, relata Carrasco, les han escrito preguntándoles si tienen planes de expansión internacional, pero insiste en que no es el caso. "Esta es una actividad complementaria que nos hace felices a nosotros y a mucha gente. Sabemos que ahora y en el futuro los márgenes serán escasos. Estamos muy contentos con lo conseguido en estos meses pero simplemente somos tres tipos a los que nos gusta el arte".
Paul Newman y Joanne Woodward vistos por Ana Bustelo.
Advierte Daniel Krauze en el prólogo de Pequeño diccionario de cinema para mitómanos amateurs: "Hay libros enciclopédicos que no son más que un juguete. Todos los hemos visto alguna vez, decorando anaqueles de aeropuertos, secciones de los más vendidos en librerías y hasta tiendas de ropa para hipsters: ejemplares de edición lujosa que solo pretenden entretener, brincando de la A a la Z con el único propósito de hacernos perder el tiempo de manera amena, sin que tengamos que leerlos durante más que unos minutos. A pesar de que este diccionario es, sin duda, algo divertido, claramente no es un juguete".
Es el "devocionario" particular de Miguel Cane, en el que repasa -como si de una compilación de "vidas de santos" se tratase- a mitos cinematográficos como los que siguen:
David Lynch (1946)
Magnífico chico americano rubio y ojiazul, que ayudaba a mamá con las labores del hogar y se iba de pesca con papá; Eagle Scout con sueños muy extraños que a veces transforma en películas y otras, en dibujos. De donde él es, los pájaros cantan una bonita y siempre hay música en el aire. Es vecino de Mulholland Drive, en Los Ángeles, y ha visto El crepúsculo de los dioses (1950) más de cien veces y El mago de Oz (1939) doscientas.
Mia Farrow (1945)
A esta criatura extraordinaria su linaje no solo la hace Hollywood Royalty (su padre, el australiano John Farrow, fue cineasta y guionista ganador de un Oscar), también la emparenta con el reino salvaje (su madre, la estrella irlandesa Maureen O'Sullivan, fue célebre compañera de Tarzán de los monos). Son pocas las figuras que pueden presumir de haber hecho historia antes de los veinticinco años: su plumaje es de esos.
Wes Anderson (1969)
Creador de hermosas fábulas fracturadas (véase Moonrise Kingdom como ejemplo de esto) que por su estilo tan coherente y personal se ha ganado, pese a su prodigiosa juventud, el título de auteur. Nativo de Texas, de un particular y exquisito sentido de la composición de escenas (y de la moda), ha generado un notable seguimiento de culto mediante una filmografía más bien compacta, pero plena de personajes, momentos y set-pieces que lo justifican con creces.
Angela Lansbury (1925)
Esta leyenda del teatro cuenta con toda una galería de creaciones en las tablas, principalmente en el género musical, y en TV siempre será la gran Jessica Fletcher de Se ha escrito un crimen, que entró en los hogares de todo el mundo a resolver asesinatos durante doce temporadas ininterrumpidas. En celuloide tiene (entre muchas muy notables) dos interpretaciones mitológicas: la primera, en El mensajero del miedo (John Frankenheimer, 1962), es como Mrs. Eleanor Iselin, mujer elegante, perfecta anfitriona de Washington D.C. [...] La segunda, menos glamurosa pero adorada por muchos, es como Miss Eglantine Price, protagonista de La bruja novata (1971).
Jacques Tati (1907-1982)
Excepcional comediante que muchos consideran heredero directo de Harold Lloyd y Buster Keaton. Procedente del music-hall, alcanzó la fama con la creación de su célebre personaje Monsieur Hulot y su primera cinta: Las vacaciones del Sr. Hulot (1953), en la que con humor mordaz satirizaba los hábitos de los veraneantes en una idílica localidad costera (Saint-Marc-Sur-Mer). Pronto encontró su filón en hacer parodia del hombre sencillo atrapado en las "modernidades" de la civilización urbana -elementos como la arquitectura modernista, la tecnología y la despersonalización opuestos a la candidez de su personaje- en la aclamada Mon oncle (1958), su primera película en color que recibió premios en Francia y el extranjero, incluyendo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Pequeño diccionario de cinema para mitómanos amateurs de Miguel Cane, con ilustraciones de Ana Bustelo, está editado por Impedimenta.
Al estudio Chermayeff & Geismar le habían encargado que diseñase una nueva identidad visual para el MoMA de Nueva York. Y esta es la conclusión a la que llegaron en un informe con fecha de noviembre de 1963: “Al investigar las posibilidades de un símbolo, hemos tratado de explorar distintos caminos pero ninguno nos ha llevado a soluciones satisfactorias. Quizás porque no hay un único símbolo para el arte moderno o para las diversas actividades del museo. Por tanto, hemos concluido que es imposible que el museo de arte moderno tenga un logotipo cargado de significado. También creemos que al museo no le corresponde establecer un símbolo, tanto si tiene significado como si no”. Desde los años sesenta, explica la diseñadora gráfica Anna Sinofzik en el prólogo de Introducing: Culture Identities. Design for Museums, Theaters and Cultural Institutions, ha cambiado mucho y a mejor nuestra percepción del arte y la cultura, pero la dificultad de manifestar la identidad de una institución cultural mediante un logo o sistema gráfico sigue intacta. En parte, por algo que el diseñador James Goggin, ex director de diseño, publicaciones y nuevos medios del Museum of Contemporary Art de Chicago ha resumido así: no vale atar al museo o centro cultural a "una única estética", hay que trabajar para proporcionarle "un espíritu" gráfico unitario.
Introducing: Culture Identities, que acaba de editar Gestalten, se centra en la vez más estrecha relación entre arte y diseño porque, según Sinofzik, en estos momentos "la industria cultural es el caldo de cultivo del diseño gráfico más innovador".
El libro analiza la comunicación visual de instituciones como el MoMA, el Barbican de Londres o Documenta y reúne los trabajos de los mejores diseñadores del panorama cultural del momento. En la interesante -y breve- charla que Julia Hoffman, ex-directora creativa del MoMA's Design Studio, mantuvo con Gestalten TV (solo en inglés), la alemana explica que, si bien el campo cultural es ideal para un diseñador, este tiene que tener cuidado: "La línea entre el arte y el diseño se está difuminando, pero en un museo tenemos que mantenerlos separados, tan lejos como podamos, porque no queremos que la gente confunda nuestros diseños con el arte en exposición. En un museo el diseño está al servicio del arte y en el MoMA ha habido casos en los que fuimos demasiado lejos y desconcertamos al visitante. ¿Es esto una instalación? ¿Dónde está la cartela?, se preguntaban. En alguna ocasión hemos tenido que retirar nuestros diseños".
Introducing: Culture Identities. Design for Museums, Theaters and Cultural Institutions de Robert Klanten, Anna Sinofzik y Floyd Schulze (ed.) está editado por Gestalten. Todas las imágenes son cortesía de la editorial.
"La primera vez que pensé en rodar un cortometraje compuesto enteramente por logotipos fue después de que hiciera The Child para el artista francés Alex Gopher. Este vídeo, que hice en 1999 con Antoine Bardou-Jacquet, ilustraba nuestro entorno urbano con el uso exlusivo de palabras. Al representar Manhattan meramente como una masa de rótulos como 'edificio', 'puente', etcétera, la ciudad y sus habitantes se transformaron en un gran paisaje tipográfico", escribe Ludodic Houplain. The Child y posteriormente el vídeo de Brainwashed de George Harrison están en los orígenes de Logorama, el cortometraje de animación con el que Houplain se hizo con el Oscar en 2010.
A Houplain, director del estudio multidisciplinar H5, los logotipos le habían fascinado desde pequeño. Su padre era piloto de carreras y ya por los años setenta, recuerda, éstas estaban saturadas de patrocinadores y todo, todo -coches, uniformes, anuncios- estaba cubierto por un manto corporativo. El francés trabajó durante dos años en la creación de una base de datos que rebasó los 50.000 símbolos y marcas comerciales. Solo algunos tuvieron cabida en Logorama y solo 7.000 forman parte del libro Logobook, una "monumental recopilación de logotipos" que acaba de editar Taschen.
Entre los objetivos de Logorama estaba, explica Houplain, jugar a la imposición. "Puesto que estas marcas se nos imponen cada día a través de cualquier medio de comunicación, decidimos que había llegado nuestro turno de imponer al mundo la visión que teníamos de ellos". Según sociólogo Gilles Lipovetsky, que toma la palabra en Logobook tras Houplain, se calcula que estamos expuestos a unos 1.200 logotipos al día -advertencia: spoiler-. "Al final de Logorama, incluso un cataclismo natural no logra pulverizar el poder del logotipo: mientras Hollywood es engullido por un terremoto, los logotipos siguen centelleando desde los pocos trozos de tierra que quedan en pie. Cuando finalmente la Tierra es destruida, ellos continúan con su imparable expansión hacia el espacio, la última frontera. El mensaje es claro. Si ya no hay más planeta Tierra, hay miles de otros mundos que los logotipos pueden colonizar y aprender a explotar de nuevo. Puede que nuestro planeta esté bajo amenaza de extinción, pero la marca, ese símbolo tan intrínseco de nuestra época hipermoderna, saldrá triunfante del desastre".
Logobook de Ludovic Houplain (H5) está editado por Taschen. Todas las imágenes son cortesía de la editorial.
Al veterano ilustrador Jordi Bernet Nick Corey, el sheriff de Potts County, el pueblo del sur de Estados Unidos donde malviven las 1280 almas que dan título a la novela de Jim Thompson, le recuerda a Luca Torelli, el desalmado asesino a sueldo protagonista de Torpedo 36, el legendario cómic que creó junto a Enrique Sánchez Abulí. “Nosotros no lo arrepentíamos de nada ni lo matábamos. Siempre se salía con la suya. Y el Corey de Thompson parece que sea tonto, pero es un perla. Y ya se sabe que los tontos son los peores".
El catalán conocía de sobra la novela de Thompson, pero la releyó "un par de veces" para hacerla suya y "regurgitar los dibujos. Porque hay que utilizar un poco la imaginación y no ceñirse únicamente al texto”.
En total dedicó unos ocho meses -"fui poco a poco"- a las más de 30 ilustraciones de 1280 almas que, como es habitual en Bernet, son en riguroso blanco y negro. “Uso mucha tinta china para acentuar el dramatismo. Me gusta el dibujo en blanco y negro por su inmediatez y su fuerza. A veces he coloreado, pero creo que los colorines no funcionan en este género”.
Tinta china, pluma, pincel, lápiz, goma y papel. Eso es todo lo que ha utilizado para 1280 almas . Lo de siempre. "Sé que muchos ya dibujan con ordenador y que se pueden hacer auténticas virguerías, pero yo sigo haciéndolo en plan antiguo”, reconoce. Le gusta mancharse las manos de tinta y utilizar unas plumillas al borde de la extinción.
A Bernet le alegra que el libro ilustrado esté viviendo una época de esplendor en España. “Es muy interesante porque se había perdido. Yo tengo libros viejos en ediciones ilustradas que vi con decepción como en sucesivas reediciones se desprendían de los dibujos. Y lo cierto es que si estos tienen entidad y calidad son un valor añadido para el libro”.
Esta es su primera colaboración con Libros del Zorro Rojo, editorial especializada en ediciones ilustradas. "La verdad es que yo era algo así como una apuesta segura porque con 1280 almas no me he salido de mi trayectoria. Encajo perfectamente con Jim Thompson y el género negro siempre ha estado entre mis preferencias".
Ha disfrutado mucho del tiempo pasado en la América profunda recreada por Thompson, asegura, pero hay algo que sigue sin explicarse: "¿Por qué 1280 almas no ha sido adaptada al cine?". La eficacia cinematográfica de Thompson está probada. "Ahí están La huida de Sam Peckinpah, adaptación de otra de sus novelas, y los guiones que escribió para Stanley Kubrick, que son dos joyas. Un buen
director podría hacer maravillas con 1280 almas".
1280 almas de Jim Thompson. Ilustraciones de Jordi Bernet. Todas las imágenes son cortesía de la editorial Libros del Zorro Rojo. Aquí puede verse el booktrailer de la novela.
Es, entre otras cosas, un “evangelista” de la nueva era digital. Por eso, por pura coherencia, Javier Celaya tenía que proponer algo distinto con su nuevo libro. Había advertido a su editor –Roger Domingo, del Grupo Planeta- que esta sería su última obra en papel. “Tenía la idea. Sabía lo que quería contar pero no sabía cómo. Y necesitaba apoyarme en la tecnología porque el texto se me quedaba corto. Quería utilizar vídeos, juegos interactivos, porque me parecía que me explicaría mejor así”, relata.
En octubre de 2011 asistió al congreso StoryWorld Conference y eureka. Allí encontró lo que buscaba. “Transmedia: contar la misma historia de formas distintas para distintos soportes”.
El pasado martes presentó la primera parte de la historia: el libro de artista -creado por la editorial La seiscuatro- de Cultura compartida, “un ensayo sobre cómo internet lo ha cambiado todo articulado en torno a 50 palabras con contenidos y lenguajes distintos en función del soporte”, explica Celaya. “Quería presentarlo en Sant Jordi como un homenaje a ese día que me encanta. Se trata de una obra para coleccionistas porque quería enterrar mi último libro en papel con honores de jefe de estado”.
¿Por qué abandonar definitivamente el papel?
“Quería imponerme un libro que no fuera solo de papel para así obligarme a refundarme como escritor. Me quería obligar a contarlo todo para la pantalla de una forma más dinámica y visual porque, en el futuro, mis libros -y los de muchos otros- serán solo digitales".
En el ensayo, Celaya reflexiona sobre el anonimato, las redes sociales o la inteligencia colectiva, tres de las 50 palabras clave en torno a las que ha ordenado la obra, cuya segunda fase tendrá lugar en noviembre, cuando la editorial Gestión 2000 publique el libro-objeto de Cultura compartida. “Se trata de una obra para tocar y tener encima de la mesa. Creo que, después de mucho tiempo, vuelve la experiencia sensorial porque el libro se había industrializado demasiado. Cultura compartida propone una experiencia distinta porque al abrirlo el lector no encontrará páginas numeradas sino sueltas, entrará al libro por una de esas 50 palabras –como cuando busca en internet- y sacará la página que más le interese, en la que yo explicaré mi postura desde un punto de vista crítico”.
El punto final de la historia se pondrá en diciembre, cuando se editará el libro electrónico de Cultura compartida. “Será muy interactivo, el lector podrá decir si está de acuerdo o no con lo que propongo y tendrá enlaces para ampliar información sobre el tema”. Porque se trata de no ponerlo fácil. “En la versión digital, cada vez que agitas el dispositivo el libro se recompone. Hay quienes me han dicho que hago difícil la lectura pero es que esa facilidad que te da Google debería cuestionarse. En la escuela siempre te enseñaban a leer entre líneas y aunque en internet todo parezca fácil hay detrás una serie de componentes –comerciales, privacidad, etc.- que deberíamos tener en cuenta. Yo con mi libro obligo a entender, no lo pongo tan fácil”.
* Recomendaciones para el Día del libro
La pareja de ilustradoras It's raining elephants -Evelyne Laube y Nina Wehrle- ganó el Premio Internacional de Ilustración Feria de Bolonia-Fundación SM en 2012 por el álbum ¿Quién es Guillermo Tell? (SM) que se interroga sobre la personalidad del legendario héroe de la independencia suiza -y compatriota de Laube y Wehrle- . Como ellas mismas cuentan en este mini-documental sobre el libro, al principio buscaron un texto sobre el tema, pero no encontraron ninguno que les inspirase, así que resolvieron que lo mejor que podían hacer era contar la historia a través de imágenes y con un texto mínimo. Hicieron una lista con todas las características que asociaban a la figura de Tell -héroe, padre de familia, tirador- y las plasmaron en sus excepcionales dibujos en blanco y negro inspirados en Albert Robida o Karel Thole para que fuese el lector quien sacase sus propias conclusiones sobre quién fue realmente Guillermo Tell.
Henri viaja a París es el único libro para niños ilustrado por el diseñador gráfico estadounidense Saul Bass -la próxima semana se cumplen 17 años de su fallecimiento-, célebre por los carteles y títulos de crédito que realizó para un sinfín de películas como Vértigo, Anatomía de un asesinato, El resplandor o Casino (este vídeo repasa sus mejores trabajos). En 1962 Bass colaboró con Leonore Klein, autora del texto, en un libro que estuvo descatalogado durante décadas y se había convertido en objeto de deseo para los coleccionistas. El año pasado la editorial Rizzoli lo reimprimió y Gustavo Gili se hizo con los derechos para integrarlo en su colección Los cuentos de la cometa, que cuenta con obras infantiles de otros artistas ilustres como Andy Warhol, Keith Haring o Sonia Delaunay.
El libro cuenta la historia de Henri, un niño que vive en un pueblecito de Francia y que sueña con visitar París. Un día, después de leer un libro sobre la ciudad -"París es maravillosa. París es diversión. París es gotas de lluvia"-, Henri se arma de valor, coge un poco de queso, una zanahoria, un trozo de pan y emprende el viaje...
Este libro se terminó de imprimir, por fin. Este libro se terminó de imprimir, que no es poco. Este libro se terminó de imprimir, qué necesidad. Ese el otro punto final de los libros de Ediciones sinPretensiones, un proyecto de autoedición de tres ilustradores -Alberto Gamón, Elisa Arguilé y Ana Lóbez-, un escritor -Daniel Nesquens-, una bibliotecaria -Chus Juste- y una librera -Julia Millán-, a quienes les une "el cierzo, las magdalenas y la pasión desmedida por los libros ilustrados". De momento, han editado tres álbumes deliciosos: Un perro, Un agujero y El sombrero volador. Que no es poco.
Tan recomendable como leerlos es darse un paseo por su canal de Youtube, repleto vídeos sinPretensiones como estos:
Y para los mayores:
- Bhimayana. Experiencias de un intocable de Srividya Natarajan y S. Anand con ilustraciones de Subhash Vyam y Durgabai Vyam.
- El fantasma de Canterville de Oscar Wilde con ilustraciones de Oski.
- Una rubia imponente de Dorothy Parker con ilustraciones de Elisa Arguilé.
En 1964 Zambia lanzó su primer programa espacial. Querían ser los terceros en discordia en la reñida carrera entre Estados Unidos y la Unión Soviética, querían superarlos y, para ello, enviarían a doce hombres y diez gatos a la luna. El ambicioso proyecto fue liderado por el profesor de secundaria Edward Makuka quien no tuvo demasiada suerte: no consiguió la financiación necesaria y Martha, una de las astronautas de la misión, se quedó embarazada. Al enterarse del experimento de Makuka, la fotógrafa Cristina de Middel decidió hacer uno propio: autoeditar un libro de fotografías que recrease “las escenas que podrían haber documentado” la frustrada aventura.
El año pasado publicó The Afronauts, que reconstruye esa loca, loca historia zambiana en los desiertos de Alicante, su tierra natal.
A De Middel le bastaron unos cuantos meses para vender la totalidad de la tirada -1.000 ejemplares- de The Afronauts, que ha sido objeto de exposiciones y finalista del premio Deutsche Börse.
Desde que se agotase, han sido muchos los que han pedido a De Middel una reedición del libro. Dicho y hecho, aunque -para variar- la fotógrafa decidió olvidarse del papel y desarrollar una nueva edición para iPad y iPhone.
Según cuenta Emma Llensa de Ubicuo Studio, el equipo encargado de traducir el libro a formato iPad/iPhone, "desde el principio Cristina De Middel nos planteó repensar el libro, realizar una narrativa diferente. Por eso ahora es necesario que el usuario interactúe con él para ser capaz de entender sus significados. Al principio de la narración lo situamos frente a un inmenso cielo que tiene que explorar... Ese es solo el primer guiño".
La edición para iPad/iPhone de The Afronauts de Cristina de Middel se presenta esta tarde a las 19:00 en el espacio Meeatings23 de Barcelona.
Hazel Morse era imponente, hermosa, de esa clase de mujeres que incitan a los hombres a mover la cabeza con picardía y a chasquear sus lenguas cuando pronuncian la palabra «rubia».
A los veintitantos, tras la larga enfermedad y muerte de una madre viuda y mentalmente ausente, había entrado a trabajar como modelo en unos almacenes de ropa: todavía se llevaban las mujeres grandes y ella tenía buen color de piel, envergadura y pechos duros y turgentes. El trabajo no era pesado, conoció a un buen puñado de hombres y pasó otras tantas veladas con ellos, riéndose de sus bromas y diciéndoles cuánto le gustaban sus corbatas.
Años después de entrar a trabajar en los almacenes conoció a Herbie Morse. Era delgado, rápido, atractivo. Alrededor de sus brillantes ojos castaños tenía unas arrugas irregulares y tenía la costumbre de morder con ferocidad la piel que rodeaba sus uñas. Bebía bastante, lo que ella encontraba entretenido.
Ella estaba encantada con la idea de convertirse en una novia: coqueteaba con ella, jugueteaba con ella. Había tenido antes otras peticiones de matrimonio —no precisamente pocas—, pero todas ellas venían de hombres corpulentos y serios que habían acudido a los almacenes como clientes: hombres que venían de Des Moines, de Houston o Chicago y, como ella decía, de lugares de broma. La idea de vivir en un sitio que no fuera Nueva York le resultaba inmensamente cómica. No podía tomar por seria ninguna propuesta que supusiera mudarse con alguien al Oeste.
Herbie ganaba bastante dinero, y alquilaron un apartamento en la parte residencial de la ciudad. Tenía un comedor amueblado al estilo colonial con una lámpara central, colgante, en forma de globo de cristal y de color marrón rojizo. En el salón había mucho mobiliario, un helecho y una reproducción de la Magdalena de Henner, de pelo rojo y túnica azul. El dormitorio estaba esmaltado en gris y rosa pálido: la foto de Herbie estaba sobre el tocador de Hazel y el retrato de Hazel sobre la cómoda de Herbie.
Ella cocinaba, y lo hacía muy bien, iba a la compra y charlaba con los chicos del reparto y la lavandera negra. Adoraba el piso, adoraba su vida y adoraba a Herbie.
Ahora se daba cuenta de lo cansada que estaba de su vida. Dejar de lado su papel de mujer alegre era una delicia, un juego nuevo, una fiesta. Si le dolía la cabeza o si le molestaban los empeines, se quejaba lastimera, como un niño pequeño. Si estaba sosegada y tranquila, permanecía en silencio. Si acudían lágrimas a sus ojos, las dejaba correr.
El problema era que Herbie no se divertía tanto.
—¡Por el amor de Dios! —le decía entonces—. Otra vez amargada. Perfecto: quédate ahí sentada y amárgate todo lo que quieras. Yo me largo.
Salía dando un portazo y volvía a casa tarde y borracho.
Lo que estaba pasando con su matrimonio la dejaba absolutamente perpleja. Al principio eran amantes y ahora, sin apenas transición, se habían convertido en enemigos. No era capaz de entenderlo.
Empezó a beber sola, poco a poco, pequeños tragos a lo largo del día. Solo cuando bebía en compañía de Herbie, el alcohol la ponía nerviosa y agresiva. Cuando lo hacía sola, la bebida hacía que las cosas fueran menos dolorosas. Vivía en una especie de neblina y su vida adquirió la apariencia de un sueño: ya nada la asombraba.
Una noche volvió de la casa de la señora Martin y se encontró con Herbie en el dormitorio.
—Me largo —dijo—. Estoy hasta las narices de todo. He encontrado trabajo en Detroit.
Ella le siguió hasta la puerta. En su cabeza comenzó a sonar una canción, una canción que la señora Martin ponía una y otra vez en su tocadiscos y que a ella no le gustaba.
* De noche y de día, siempre jugando. ¿No es divertido?
Fragmentos extraídos del relato Una rubia imponente de Dorothy Parker. Ilustraciones de Elisa Arguilé. Traducción de Jorge Cano. Todas las imágenes son cortesía de Nórdica Libros.
Las cuatro de Syldavia, es decir, las traductoras literarias Julia Osuna Aguilar, Laura Salas Rodríguez, Regina López Muñoz y Esther Cruz Santaella, tienen una misión: poner su experiencia -"calidad, puntualidad y mimo"- al servicio de la traducción de cómics al español.
"Siempre estamos tramando cosas para hacernos ver. Todas nosotras vivimos en Málaga, excepto Laura que vive en Grecia, y es difícil llegar a los editores. Por eso decidimos crear un colectivo dedicado exclusivamente a la traducción de cómics", explica por teléfono Osuna.
Hubiera bastado con una presentación convencional: una web, con sus respectivos currículos y sus servicios, pero dado que su especialidad es la novela gráfica, ¿por qué no jugar y adoptar su lenguaje? "Nos convertimos en agentes dobles al servicio de varios idiomas y culturas, por eso le pedimos a la ilustradora Sonia Pulido una estética muy Guerra Fría. Al fin y al cabo, el trabajo de traductor es bastante detectivesco".
Sins Entido, Impedimenta, Periférica o Gallo Nero son algunas de las editoriales en las que estas traductoras firmaron sus misiones pre-Syldavia y merece la pena echar un vistazo a su web, donde comentan algunas de ellas:
* La G.N.B.C.C. La hermandad de historietistas del Gran Norte de Seth
"El gusto de Seth por el metacómic lleva a estudiar la historia del cómic y sus diversas formas a lo largo de los años. Las cartelas apretadas del autor dificultan la inclusión de la traducción, por eso hay que ajustar el texto al máximo sin perder nada por el camino, nada de esta bonita evocación del espíritu de la historieta antigua".
* Escenas de un matrimonio inminente de Adrian Tomine
"Tono menor, desenfadado, que encierra la dificultad de tener que ser natural sin ser forzado, que debe resistir el paso del tiempo fresco y lozano como el primer día... Igual que ese amor que se pone a prueba, con humor, eso sí, durante la descabellada aventura de contraer matrimonio".
* El proceso de Chantall Montellier y David Zane Mairowitz
"Es un kafka pero está en inglés. Es un kafka pero está en dibujos. Lo mejor para emprender su traducción: leer la obra entera para aclarar pasajes en los que sin su ayuda se nos pueden escapar cosas. La atmósfera asfixiante, la esencia de lo kafkiano retraducido en imágenes".
Además de visibilidad, Las cuatro de Syldavia buscan "reivindicar la traducción de viñetas, hoy por hoy un tanto denostada en España" en un momento en que los editores apuestan cada vez más por el género. Según Osuna: "Ahora que el cómic tiene cada vez más lectores nos gustaría que las editoriales invirtiesen en una traducción profesional y que los lectores empezasen a valorar la autoría de quienes traducimos esas historias".
Nicholas Felton es diseñador gráfico y se pasa el día pensando en datos, mapas y rutinas. Todo empezó -supone- cuando era pequeño: uno de sus libros preferidos llevaba por título Comparisons y tenía cientos de páginas repletas de gráficos, tablas y listas sobre los coches más rápidos, las cascadas más altas o los animales más grandes. Ejerció una gran influencia sobre él, reconoce. "Aunque quizás sea todo genético porque mi hermana es contable", escribe por correo electrónico desde Nueva York.
Esa pasión/obsesión lo llevó a recopilar Lo mejor del 2004, una especie de informe en el que registró desde el número de postales que había enviado hasta las millas viajadas. Todo lo que recordaba, había apuntado o estaba almacenado en la memoria de su ordenador. Y ya no pudo parar. En 2005 creó su primer Annual Report. "Al principio solo se trataba de repasar todo lo que había acumulado durante el año: los libros que había leído, las fotos que había hecho o la música que había escuchado". Pensó que un documento tan personal solo le interesaría, siendo optimista, a familiares y amigos. Pero se llevó una sorpresa. "He seguido con el proyecto por mi propia curiosidad, pero también por el interés que la gente ha mostrado, por eso sigo buscando nuevas formas de explorar lo realizado durante un año".
¿Cómo se explica que a personas totalmente desconocidas les interese saber que en 2010 fotografió 38 variedades de animales o leyó seis libros sobre destinos que no había visitado? "Creo que el proyecto debe su popularidad a que tiene un claro componente voyeurista. Creo que a muchos les intriga saber cuánto pueden llegar a conocer de la vida de un desconocido, y eso es precisamente lo que les engancha y les hace empezar a pensar en su propio comportamiento. Al reflexionar sobre lo que yo viajé o con quién pasé a mayor parte de mi tiempo ellos mismos se plantean las mismas preguntas, analizan su propia vida. Además, creo que mis Annual Reports ayudan a contestar una respuesta más amplia sobre el valor de los datos. Cada vez podemos recabar más información y estos informes son un ejemplo de cómo los datos personales no solo tienen un valor comercial sino también emocional, cómico y narrativo".
Felton acaba de publicar el informe correspondiente a 2012, que contiene mucha más información que los anteriores. "Las publicaciones han evolucionado bastante, sobre todo porque cada vez soy capaz de recoger más datos. Para el primero utilicé unas cuantas listas y en este último he necesitado casi 50 megas. Cada vez me sirvo más de la tecnología y menos de la memoria para hacerlos y, también, cada vez les dedico más tiempo".
Está convencido de que el proyecto sirve para que otros reflexionen sobre sus vidas pero, asegura, la que ha cambiado radicalmente es la suya. "Los Annual Reports han ejercido una gran influencia sobre mi vida. Gracias a ellos he hecho nuevos amigos, construido una carrera profesional y conocido a mi novia. A final de año, cuando repaso los números, suelo marcarme objetivos como leer más o correr más, pero nunca he tratado de alterar drásticamente mi comportamiento. Aunque sí que me he vuelto más consciente, ahora estoy más alerta".
Todas las imágenes son cortesía de Nicholas Felton.
Ilustración para el libro Um Dia, Um Guarda-Chuva de Valerio Vidali, ganador de Ilustrarte 2012.
Hans Christian Andersen nunca ilustró sus cuentos. Pero era un buen dibujante. Durante sus viajes por su Dinamarca natal, por la República Checa, por España, Alemania o Hungría, plasmaba paisajes, estampas domésticas, o retrataba a personas que se cruzaban en su camino en pequeñas hojas que guardaba en sus bolsillos. En cambio, cuando contaba sus cuentos en voz alta, le gustaba acompañar el relato con figuras de papel que poco a poco iba desplegando frente a una audiencia casi siempre boquiabierta.
Hoy es el Día Internacional del Libro Infantil, que se conmemora desde 1967 coincidiendo con la fecha de nacimiento del autor de El patito feo, Las zapatillas rojas, La pequeña cerillera o El soldadito de plomo. Los de Andersen son cuentos clásicos que han descansado sobre las mesillas de noche de generaciones y generaciones de niños, y ahora en la exposición Lecturas de cabecera. Ilustrarte 2012 de la Casa del Lector de Madrid padres e hijos pueden encontrar un relevo y/o complemento a las historias eternas del danés.
Ilustración para el libro Favole de Simone Rea, Mención Especial en Ilustrarte 2012.
"Las lecturas de cabecera son el faro que señala el camino de nuestros sueños nocturnos. Antes de dormir, en la difusa y somnolienta frontera entre la vida y nuestros anhelos, nos alimentamos de historias para seguir vivos. Las historias universales e intemporales cabalgan a sus anchas por el espacio infinito de nuestra mente. Y gracias a ellas nos vence el sueño, pero nunca del todo la realidad".
Las últimas líneas leídas al final del día se mezclan con el sueño. Los comisarios de la muestra, Eduardo Filipe y Ju Godinho, se han tomado esta premisa al pie de la letra: nada más entrar, nos encontramos con una enorme cama, antesala de otro espacio lleno de mesillas de noche que atesoran los trabajos de 50 ilustradores que formaron parte de la Bienal de Internacional de Ilustración para la infancia celebrada el año pasado en Lisboa.
Al espectador se le pide -por una vez- que toque, que abra y cierre los cajones, para contemplar las ilustraciones de autores como Valerio Vidali, Simone Rea, Nina Wehrle y Evelyne Laube, Pablo Amargo, Daniel Bueno o Beatriz Martín Terceño, entre otros.
Andersen solo utilizó las palabras para narrar sus historias, pero la selección de obras de Lecturas de cabecera. Ilustrarte 2012 -una buena ocasión para echar un vistazo al estado actual de la ilustración contemporánea internacional- pretende demostrar que a veces estas sobran.
Ilustración para el libro Die Grosse Flut, de Nina Wehrle y Evelyne Laube, Mención Especial en Ilustrarte 2012.
Ilustración para el libro A janela de esquina do meu primo, de Daniel Bueno.
Alicia en el país de las maravillas - Una merienda de locos, de Beatriz Martín Terceño.
Monsieur Poleo de Emmanuelle Bastien.
Ilustración para el libro Casualidad, de Pablo Amargo.
Lecturas de cabecera. Ilustrarte 2012 puede visitarse en la Casa del Lector de Madrid hasta el próximo 29 de septiembre.
Jorge González y el diseñador Fran Martín lo habían hablado. "La situación del cómic en España es caótica. Todo está en un bucle desastroso y, al final, el trabajo creativo se queda con muy poco", relata Martín. González, veterano ilustrador, estaba convencido de que "si lograba conectar con los 1.000, 2.000 o 3.000 tipos que compraban sus libros podría hacer cosas maravillosas". Una conversación similar debieron de tener Horacio Altuna y Hernán Casciari antes de ponerse a trabajar en Cuadernos secretos, un libro de bocetos inéditos del ilustrador argentino publicado en 2011. Fue un experimento: Orsai, la editorial de Casciari, lo editaría a un precio de 14 euros y Altuna se quedaría con el 50%. Vendieron 2.000 ejemplares en dos meses.
Así que, como cuenta Casciari en el blog de Orsai, hace unos meses estaban los cuatro en su casa admirando el libro Chère Patagonie, el último que González había editado en Francia, y trataban de encontrar una respuesta a la siguiente pregunta: "¿Por qué los lectores franceses tienen a su disposición montones de libros en tapa dura, ilustrados, con el lujo brillando del lomo a la contraportada? ¿Por qué nosotros no?". La encontraron: "Porque ellos adoran los libros". Pero les dejó insatisfechos: "Nosotros también tenemos ese mismo amor, decíamos en esa charla, y sin embargo nadie apuesta con fuerza por la belleza, o por las temáticas arriesgadas. Da la impresión de que las editoriales francesas estuvieran en el primer noviazgo con los libros que editan —les dije—, mientras que las nuestras mantienen un matrimonio sin amor con sus catálogos".
Entonces González propuso: "Seamos novios". Y así comenzó el Proyecto Embudo, una colección de libros ilustrados que se estrenó la semana pasada con El amor es un perro verde de Tute, Libreta de viaje de Alberto Montt y El gran surubí de Pedro Mairal y Jorge González.
"La idea es publicar tres libros de tres tipos brutales cada dos meses", explica Martín, quien añade que el lema del Proyecto Embudo es "dar oxígeno al ilustrador, ayudarle a hacer realidad el libro que tiene en la cabeza" y sus reglas son las siguientes:
1. Podrán participar en él los autores elegidos por los cuatro fundadores (aunque aceptan recomendaciones).
2. Cada libro de la colección será un objeto trascendente, mimado y cuidado.
3. Las obras se pondrán en preventa durante un mes y medio o hasta agotar el stock. Solo se venderán desde la web y se enviarán por correo o a través la red de distribuidores de Orsai.
4. Los autores se llevarán el cincuenta por ciento del precio de venta del libro (gastos de logística aparte) y conservarán los derechos de la obra.
5. El libro será lo que el autor quiera que sea. La editorial se limitará a dar consejo y logística.
¿La reacción de los autores? "Al contárselo todos querían un noviazgo de los serios", bromea Martín.
Martín es el responsable de las versiones para iPad y iPhone de la revista Orsai y de las aplicaciones de Nórdica Libros y ahora ultima las ediciones digitales de este "primer triunvirato", que pronto estarán disponibles en la web y que en adelante saldrán a la venta a un precio de 4 o 5 euros un mes antes de la edición en papel. "Estamos convencidos de que un canal no anula al otro. Orsai es un buen ejemplo, la edición digital no ha canibalizado a la de papel, simplemente ha abierto mercado y llegado a sitios donde no llegaríamos de otro modo".
¿Y para cuándo el segundo triunvirato del embudo? Para abril, con libros firmados por Javier Zabala, Eduardo Salles y Gusti.
Toda la información sobre Proyecto Embudo puede encontrarse aquí. Para estar al día de todas las novedades conviene seguir la cuenta de Twitter de @orsaipad.
Una tarde cualquiera *
Yo, José Hierro, un hombre como hay muchos, tendido esta tarde en mi cama, volví a soñar. (Los niños, en la calle, corrían).
Mi madre me dio el hilo y la aguja, diciéndome: "Enhébramela, hijo;
veo poco".
Tenía
fiebre. Pensé: —Si un grito me ensordeciera, un rayo me cegara... (Los
niños cantaban). Lentamente me fue invadiendo un frío sentimiento, una
súbita desgana de estar vivo.
Yo, José Hierro, un hombre que se da por vencido sin luchar. (A la espalda llevaba un cesto, henchido de los más prodigiosos secretos.Y cumplido, el futuro, aguardándome como a la hoz el trigo.) Mudo, esta tarde, oyendo caer la lluvia, he visto desvanecerse todo, quedar todo vacío. Una desgana súbita devivir. ("Toma, hijo, enhébrame la aguja", dice mi madre). [...]
Junto al mar
Si muero, que me pongan desnudo, desnudo junto al mar. Serán las aguas grises mi escudo y no habrá que luchar.
Si muero que me dejen a solas. El mar es mi jardín. No puede, quien amaba las olas, desear otro fin.
Oiré la melodía del viento, la misteriosa voz. Será por fin vencido el momento que siega como hoz.
Que siega pesadumbres.Y cuando la noche empiece a arder, soñando, sollozando, cantando, yo volveré a nacer.
Cae el sol
Perdóname. No volverá a ocurrir. Ahora quisiera meditar, recogerme, olvidar: ser hoja de olvido y soledad. Hubiera sido necesario el viento que esparce las escamas del otoño con rumor y color. Hubiera sido necesario el viento.
Hablo con humildad, con la desilusión, la gratitud de quien vivió de la limosna de la vida. Con la tristeza de quien busca una pobre verdad en que apoyarse y descansar. La limosna fue hermosa —seres, sueños, sucesos, amor—, don gratuito, porque nada merecí.
¡Y la verdad! ¡Y la verdad! Buscada a golpes, en los seres, hiriéndolos e hiriéndome; hurgada en las palabras; cavada en lo profundo de los hechos —mínimos, gigantescos, qué más da: después de todo, nadie sabe qué es lo pequeño y qué lo enorme; grande puede llamarse a una cereza ("hoy se caen solas las cerezas", me dijeron un día, y yo sé por qué fue), pequeño puede ser un monte, el universo y el amor. [...]
En son de despedida
No vine sólo por decirte (aunque también) que no volveré nunca, y que nunca podré olvidarte.
Emprendo la tarea (imposible, si es que algo hay imposible) de racionalizar, interpretar, reconstruir y desandar aquellas fábulas y hechizos que gracias a ti fueron realidad.
Recupero los pasos iniciados a la orilla del río y que desembocaban en "Kiss Bar" (aunque no estoy seguro dónde estaba el principio y dónde el fin).
Estoy cansado, muy cansado. Don Antonio Machado dijo hace más de medio siglo "Soy viejo porque tengo más de sesenta años, que es mucha edad para un español". (Sin comentarios.)
He vivido días radiantes gracias a ti. Entre mis dedos se escurrían cristalinas las horas, agua pura. Benditas sean. Fue un tercer grado carcelario: regresas a la cárcel por la noche, por el día —espejismo— te sientes libre, libre, libre. Nadie pudo, ni puede, ni podrá por los siglos de los siglos arrebatarme tanta felicidad.
Yo no he venido —te lo dije— para decirte adiós. Sé que no me echarás de menos, y eso que yo soñaba ser todo para ti como tú lo eres todo para mí, ¡ay vanidad de vanidades y todo vanidad!
No te importuno más (ni siquiera sé si me escuchas). Bebo el último whisky en el "Kiss Bar", la última margarita en "Santa Fe", rodeo luego la ciudad y su muralla de agua en la que ya no queda nada que fue mío. Desisto de adentrarme en su recinto, no tengo fuerzas para celebrar la melancólica liturgia de la separación. Sólo deseo ya dormir, dormir, tal vez soñar...
Hierro ilustrado, antología gráfica y poética de José Hierro, está editado por Nórdica Libros. Todas las imágenes son cortesía de la editorial.
* Feliz Día de la Poesía Ilustrada.
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