Un 'vermeer' tatuado en la piel

En una época en la que los grandes museos del mundo son cada vez más celosos con los derechos de imagen de las obras que albergan ha sorprendido, y mucho, la decisión del Rijksmuseum de Ámsterdam. A través de su página web, los internautas podrán descargarse de forma gratuita, y en alta resolución, cualquiera de las miles de imágenes que atesora. Pero hay más. El propio museo anima a los visitantes a que utilicen esas fotos digitales para hacerse camisetas, tazas, bolsos, platos, tatuajes, papel higiénico… Lo nunca visto.

A nadie se le escapa el excelente negocio que para estas instituciones supone toda la parafernalia que rodea al merchandising del arte. Pero parece que el Rijksmuseum no tiene ningún miedo a competir contra sí mismo, y más de 125.000 imágenes (Mondrian, Rembrandt, Vermeer, Van Gogh) llegan al alcance público a través de Rijksstudio, un apartado de su web que gestiona las descargas. La idea, narra The New York Times, es añadir unas 40.000 imágenes al año hasta completar el millón de obras de arte que atesora la colección, que recorre ocho siglos de historia de la expresión artística de la Humanidad.


La ronda de noche, el mítico lienzo de Rembrandt, se puede descargar, por vez primera, de forma gratuita en alta resolución desde la página web del Rijksmuseum.

Lo cuenta, y lo explica, Taco Dibbits, director de las colecciones del Rijksmuseum. “Somos una institución pública. En Internet es muy difícil controlar tus derechos de imagen o cómo se usan. Por eso hemos decidido que sería mejor que la gente utilizara una imagen en alta resolución de La lechera [célebre cuadro de Veermer pintado en 1660, y que sirve de apertura de esta entrada] procedente de nuestro museo a que empleara una muy mala”. Y añade: “Si quieren tener un vermeer en su papel higiénico es preferible que la imagen sea de muy alta calidad a una de baja resolución”.

El pragmatismo del norte de Europa se apoya en el hecho de que el museo holandés ha estado cerrado durante diez años por reformas y han tenido tiempo y presupuesto (un millón de euros pagados por BankGiro) para emprender esa ingente tarea de digitalización. Pero esta iniciativa, no teman, será un grano dentro del granero. Ningún museo del planeta parece dispuesto a perder (o reducir) esta fuente de ingresos. Y menos en el mundo del arte contemporáneo. Un lugar donde hay que lidiar con artistas vivos, herederos, familiares, fundaciones… Y es una pena, pues si algún sentido tiene el arte es, sobre todo, su difusión. El público lo agradecería. Un dato. Desde que el servicio online del Rijksstudio está disponible, o sea en octubre pasado, cerca de 200.000 personas se han descargado imágenes. Poniendo en evidencia que el arte interesa a una enorme minoría.


Los diseñadores holandeses del estudio Droog han utilizado un detalle de esta imagen (un bodegón de flores del pintor del siglo XVII Jan Davidsz de Heem) para crear un tatuaje.

Nota: Todas las fotografías de esta entrada han sido descargadas desde el Rijksmuseum y aparecen en la misma resolución que sirve para traslardarlas a una camiseta, plato, tatuaje, bolso...

 

Anatomía de un expolio

La estrella de la subasta de Maestros Antiguos que celebra Christie’s el próximo 5 de junio en Nueva York es fruto del expolio. Hablamos de una obra de tamaño mediano (78 x 94,5 cm) que fue pintada en 1624 por el maestro Gerrit Van Honthorst (Utrecht, Países Bajos, 1592-1656). Se titula El Dueto (imagen superior). Y, por este óleo, la casa de pujas espera recaudar entre dos y tres millones de dólares (1.547.000-2.321.000 euros). La tela tiene un pedigrí único, y “un intrigante pasado”, narra Nicholas Hall, responsable del departamento internacional de Maestros Antiguos de Christie’s.

El cuadro muestra a un joven con bigote y a una mujer que, a la luz de una candela, entonan una canción. Los labios, entreabiertos, revelan que ya han empezado con las primeras notas y la escena parece surgir, súbitamente, desde la oscuridad. La vela es la única iluminación. Y la luz se derrama sobre la cara del hombre, mostrando unos ropajes caros y, a la vez, descubriendo el rostro y el pecho, desnudo, de ella. La habilidad con la que el pintor holandés era capaz de capturar estos nocturnos (absolutamente impregnados de Caravaggio) le valió en su tiempo el sobrenombre de Gherardo delle Notti (Gerardo de la noche). Bajo una mirada actual esta escena bien se puede leer como una metáfora de la seducción. Aunque el erotismo que desprende también remite a las imágenes de cortesanas (tan populares en Utrech en aquellos días). Pues bien lo podría ser ella, y él representar su cliente.


Judith decapitando a Holofernes, obra maestra de Caravaggio de quien Gerrit van Honthorst aprendió el uso del claroscuro.

Esto ocurría en el siglo XVII. Poco imaginaba el maestro holandés la agitada vida que le aguardaba a esa tela, una de las más vibrantes de su producción. Tras varios cambios de mano, El Dueto se encontraba en el siglo XIX en la legendaria colección Stroganov, en San Petersburgo (Rusia), que contenía obras irremplazables de maestros antiguos españoles, franceses, alemanes y flamencos junto con una abundante representación de Rubens, Rembrandt y Van Dyck.

El Baile de boda (38 x 57 cm), obra de Pieter Brueghel II, buscará remate entre dos y tres millones de dólares el próximo 5 de junio en la sala Christie’s.

En aquel tiempo, el conde Alexander Strogonov (1733-1811) había amasado una increíble colección y para albergarla construyó una galería en el palacio que lleva su nombre. Este diplomático ruso fue asesor artístico de Catalina la Grande y presidente de la Academia Imperial de las Artes. A su muerte, había dejado tras de sí una colección única. Nuestro Dueto había llegado allí en 1793. Y en el catálogo figuraba con el nombre de La Lección de canto.

¿Sueñan los artistas con paraísos fiscales?

Georg Baselitz pasea ante una de las pinturas de 'La señora Lenin y el ruiseñor'./Luis Alberto García.

Hace unos pocos días, la policía entraba por sorpresa en la villa que el artista alemán Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Sajonia, 1938) tiene en Ammersee, un lago cercano a Munich, que es conocido, sobre todo, por albergar una nutrida colonia de millonarios. Buscaba pruebas de un presunto delito fiscal cometido por uno de los grandes pintores europeos de nuestro tiempo. Las fuerzas de seguridad requisaron varias cajas de documentación.

El creador germano (que figura entre los artistas más ricos del Viejo Continente) estaba en el punto de mira de los investigadores desde que su nombre apareció en un CD que contenía datos de cuentas secretas abiertas, entre otras instituciones, en el banco suizo UBS, y que el estado alemán de Renania del Norte-Westfalia compró el verano pasado. Todo dentro de esta corriente de lucha contra la evasión fiscal que estos días recorre la Unión Europea, y que Alemania se ha tomado muy en serio. Por ejemplo, Uli Hoeness, presidente del club de fútbol Bayern de Munich, admitía, ante las evidentes pruebas en manos de la investigación, en abril pasado, que había evadido impuestos. Por el contrario, Baselitz niega la mayor. Ni siquiera prestó atención a las advertencias del propio UBS cuando pidió a sus clientes “resolver activamente sus problemas fiscales” si fuera necesario. En un lenguaje para muchos entre cínico y sonrojante.

George Baselitz, uno de los artistas más ricos de Europa, está siendo investigado por presunta evasión fiscal por la Hacienda alemana. En la imagen, trabajando en su estudio de Ammersee, cerca de Munich (Alemania).

El arte contemporáneo, ¿a punto de explotar?

La Plaza del Duomo (1968) de Gerhard Richter es la obra más cara de una artista vivo adjudicada nunca en una subasta. Se acaba de rematar por 28,85 millones de euros.

“Es repugnante que una pintura mía se venda por 15 millones de euros”. La frase reverbera en las paredes acristaladas y sobre los muros de hormigón de la racionalista National Galerie de Berlín. Quienes escuchan, callan. Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) es un mito en vida de la pintura contemporánea. Tiene 80 años y una de las carreras más sólidas del mundo de arte. Al igual que Bob Dylan, que tuvo una etapa acústica y otra eléctrica, la trayectoria del creador alemán ha dejado dos grandes momentos: el realista y el abstracto. En los dos ha innovado. En los dos ha creado escuela.

 

Pero Gerhard Richter, que continúa manteniendo su célebre genio, se pelea con el insensible mercado del arte. Los 37,1 millones de dólares (28,85 millones de euros) que acaba de pagar en Sotheby’s el financiero neoyorkino Donald Bryant por el lienzo realista La Plaza del Duomo de Milán, pintado en 1968, le han convertido en el artista vivo más caro del mundo. Y también en uno de los más enfadados. Quienes le conocen saben que ver sus obras rematadas por esas cifras le produce una sincera aversión. “El arte es ajeno al mercado”, repite, como una letanía.

Dustheads se ha convertido en la obra más cara de Basquiat vendida en subasta al rematarse por 38 millones de euros la semana pasada en Christie's Nueva York. © 2013 The Estate of Jean-Michel Basquiat/ADPAP, París/Ars, Nueva York.

Sin embargo, el mercado ignora todas las opiniones. Incluso las de un maestro como Gerhard Richter. Tiene sus propias leyes de atracción. Su propia gravedad. Los precios que suben no siempre bajan. Aun así, nadie esperaba lo ocurrido en los últimos días. En la subasta del pasado 15 de mayo, Christie’s recaudaba 495 millones de dólares (385 millones de euros). Nunca antes, en la historia, se había alcanzado semejante cifra en un solo día y en una sola sesión. Incluso el todopoderoso Larry Gagosian, el marchante más rico del mundo, se frota los ojos. “Es asombroso que Christie’s haya vendido arte por valor de 500 millones de dólares”. Y hace una comparación reveladora en un país como Estados Unidos. “Pocas películas recaudan esa cifra a lo largo de toda su vida comercial. Y la venta duró casi lo que dura una proyección. Es una muestra del poder del mercado”. ¿Pero no será también el comienzo de la burbuja? ¿Está el mercado del arte a punto de explotar?

El talento pop de Elizabeth Peyton

Klara. 2012. Óleo sobre aluminio. 36 x 43,5 cm. Colección privada.

Elizabeth Peyton (Connecticut, Estados Unidos, 1965) quizá sea, junto con Julie Mehrethu, la pintora viva contemporánea más influyente del mundo. Su trabajo –imprescindible– tiene un riesgo. Centrarse en lo obvio y perderse lo fundamental. Lo obvio, muchas veces, son los personajes que representa en sus cuadros. Iconos de la música pop y rock, estrellas de cine, cantantes, reyes, príncipes, diseñadores. Piensen en Kurt Cobain, Peter Doherty, Keith Richards, Jarvi Cocker (cantante de Pulp), Leonardo DiCaprio, Marc Jacobs… Imágenes que traslada a la tela o al papel (acuarela y grafito) procedentes de revistas como Rolling Stone, Hello! o Vogue. Para alimentar esa parte de papel cuché, las crónicas narran que una vez estuvo casada con el siempre singular artista Rirkrit Tiravanija y que fue pareja de Jake Chapman (uno de los miembros del movimiento Young British Artist (YBA) promovido por el publicista británico Charles Saatchi).

Exponer en el Hotel Chelsea
Pero todo esto es bastante accesorio, pues, aunque ayuda a situar su trabajo, lo muestra de una forma incompleta. Lo fundamental de las pinturas de Peyton es que a partir de una escala muy pequeña (sus telas rara vez superan los 70 centímetros) y de unos trazos (en apariencia) sencillos revela los detalles más íntimos de los personajes y motivos a los que se enfrenta. Ya se percibía ese talento hace más de veinte años, cuando su galerista (aún lo es), Gavin Brown, mostró su trabajo por primera vez. Lo hizo en la habitación 828 del tétrico Chelsea Hotel (Nueva York), por donde en su día pasaron Sid Vicious, Leonard Cohen o Patti Smith. El lugar donde Jack Kerouac escribió En el camino. En este caso, los visitantes debían pedir la llave en el mostrador del hotel e ir a la habitación para poder ver las obras. Esa intimidad resultaba un excelente acompañamiento para sus pinturas.

Irises and Klara, Commerce St. 2012. Óleo sobre tabla. 61 x 45,5 cm. Colección de Emmanuel Roman con el compromiso de ser donado a la Tate Gallery.

Ahora, 20 años después, Elizabeth Peyton expone (19 abril al 15 de junio) su último trabajo en la galería neoyorkina Michael Werner. Muchas cosas han cambiado desde los tiempos del Chelsea Hotel. Ella misma se ha convertido en famosa. Sus cuadros forman parte de los grandes museos del planeta. Sus obras tienen lista de espera. Y los coleccionistas están dispuestos a pagar 400.000 dólares (305.000 euros), o más, por esos pequeños óleos. Esta es la pintora que hoy nos concede una breve (da muy pocas) entrevista para hablar de su trabajo. Escuchémosla.

Flowers, Berlin. 2010. Óleo sobre cartón. 25,5 x 20,5 cm. Colección de Harm Múeller-Spreer.

Pregunta. ¿Porqué sus pinturas son tan pequeñas? ¿Hay alguna razón en especial?
Respuesta. Es el tamaño en el que me siento cómoda. Una obra con fuerza tiene que tener economía en todos los sentidos. Tienen todo lo que necesitan y nada más. Me gusta la intimidad de ese formato. Últimamente he estado trabajando en algunas pinturas algo más grandes. Bueno, ¡unas pocas pulgadas en ambas direcciones!

P. ¿Prefiere pintar de la realidad?
R. Me gusta todo lo que hago. Trabajar con fotografías, directamente del natural o utilizando la memoria. Todos permiten resultados muy especiales. Trabajar desde la próximidad de la vida tiene un sentido más inmediato, emocionante, como en caída libre, porque todo pasa ahí mismo y ahora. Las fotografías poseen un tipo de saturación en el color y una sensación de deterioro, que no se ve en la vida real, que también me gusta mucho. 

P. ¿Cuánto tiempo trabaja en una pintura?
R. Depende. Pueden ser años o unas pocas semanas.

P. ¿En qué manera sus pinturas se basan en dibujos previos?
R. No mucho. Son cosas distintas. El único medio en el que a veces trabajo “después” es cuando hago grabados.

Se venden los latidos de Neil Armstrong

En Estados Unidos, la memorabilia es una pasión nacional. Cuando, además, los objetos están relacionados con la carrera espacial, el interés está garantizado. Pocas industrias generan un sentimiento tan patriótico como la aeroespacial. Por eso, es casi seguro que encontrará comprador un registro tan singular como es el electrocardiograma del comandante del Apollo 11, Neil Armstrong, tomado cuando pisó por primera vez la Luna. Ya saben, el de la icónica frase: “Un pequeño paso para un hombre, un gran salto para la Humanidad”. Era el 20 julio de 1969. Después se le uniría Buzz Aldrin en ese paseo lunar.

Electrocardiograma de Neil Armstrong tomado en su paseo lunar el 20 de julio de 1969. Sale a subasta por una puja mínima de 100 dólares.

Tanto Aldrin como Armstrong (con su electrocardiograma) forman parte de una más que interesante oferta de memorabilia espacial que ofrece la casa de subastas americana RR Auction. La puja, que es exclusivamente online, da la oportunidad entre el 16 y el 23 de mayo de hacerse con más de 300 objetos (cuyos precios de salida oscilan entre 20 y 10.000 dólares) relacionados con el espacio y el mundo de la aviación. En concreto, la sala pone a la venta 85 artículos alrededor del Apollo 11, quizá la misión lunar más famosa de la historia, al ser la primera tripulada que llegó a la Luna.

Joystick, perteneciente al Apollo 11, que compartían los astronautas Aldrin y Collins, y que incluso conserva su cinta adhesiva original. Precio de salida: 10.000 dólares.

Entre los objetos subastados hay aparatos tan singulares como el joystick con el que Aldrin y Collins dirigían los movimientos del módulo del Apollo 11, pero también gravitómetros, horizontes artificiales, reglas de cálculo, trozos de fuselaje, prototipos de trajes espaciales, planes de vuelo, tiques de aparcamiento en Cabo Cañaveral (Florida) de los astronautas, fotos dedicadas, monedas, sellos, dibujos… Todo un universo que no se remite únicamente al Apollo 11 sino, también, a otros proyectos como el Mercury o el Gemini. Incluso hay objetos que nos trasladan a un tiempo más actual. Pues proceden del Challenger, el Columbia o el telescopio Hubble. Una subasta para volar muy lejos.

 

¿Qué colecciona, Mr. Foster?

El arquitecto británico Norman Foster se estrena como comisario artístico en una ambiciosa exposición que revela sus gustos personales en arte contemporáneo. Fotografía: Niegel Young/Foster & Partners. Cortesía: Ivorypress.

Norman Foster (Manchester, 1935) dibuja. Todo el tiempo. Todo el rato. Compulsivamente. En el coche. En el avión. En el estudio. Mientras atiende a una reunión. El mundo, para él, es un esbozo a lápiz (del que nunca se separa) sobre un trozo de papel. Sus proyectos, desde los más grandes a los más personales, empiezan ahí. En su libreta. Tiene decenas. Algunas se han transformado en libros. Otras, aguardan su publicación. Pero junto a su mirada de arquitecto (uno de los más trascendentes del siglo XX) también posee una faceta menos conocida: la de coleccionista de arte contemporáneo. Una pasión que comparte con su mujer, Elena. Ella, además, le ha dado forma de galería, Ivorypress. Él, de exposición. Moving. Norman Foster on Art  (Carré d'Art de Nimes, del 3 de mayo al 15 de septiembre) es un viaje por una carretera de doble sentido. Es la primera vez que el arquitecto británico comisaría una exposición de arte contemporáneo y lo hace en un edificio que él mismo proyectó hace 20 años.

Estamos frente a una muestra muy singular, pues la mayoría de los artistas que aparecen forman parte de la colección personal de Norman Foster y su familia. Son creadores y obras (algunas) con las que conviven casi a diario. Y evidencia la cercanía que el matrimonio tiene con las piezas, pero también con determinados artistas (por ejemplo, Olafur Eliasson o Ai Weiwei).

El museo imaginado por Norman Foster (en la  fotografía en un momento del montaje) es un viaje por el arte contemporáneo a través de creadores como Richard Serra, Juan Muñoz o Andreas Gursky. Fotografía: Niegel Young/Foster & Partners. Cortesía: Ivorypress.

De Mark Rothko a Miguel Ángel Ríos
La lista es extensa. Ambiciosa. Nombres que ponen título a algunos de los capítulos más importantes de la historia del arte. Marcel Duchamp, Alexander Calder, Dan Flavin, David Hockney, Donal Judd, Henry Moore, Gerhard Richter, Mark Rothko, Richard Serra, Alberto Giacometti, Juan Muñoz y, además, la pintura tremendamente contemporánea de un pintor del siglo XVIII como es William Turner. Pero también otros que están por imprimir, o no, su nombre en ese exclusivo libro. Olafur Eliasson, Miquel Barceló, Juan Asensio, Andreas Gursky, Callum Innes, Sol Lewitt, Miguel Ángel Ríos, Bridget Riley. Y, junto a ellos, algunos de los artistas que forman parte de la galería que dirige Elena Foster (Luisa Lambri, Íñigo Manglano-Ovalle, David Maisel, Los Carpinteros, Michal Rovner, Not Vital o Ai Weiwei). 

Esta es la vibrante muestra, mezcla de imaginación y realidad, que Norman Foster ha dibujado para su estreno como comisario y su presentación como coleccionista. Ahora es tiempo de viajar por algunas de sus mejores piezas.

 

Leonardo DiCaprio sale a subasta

Leonardo DiCaprio, Loic Gouzer (especialista de Christie's), Justin Winters, directora ejecutiva de la Fundación Leonardo DiCaprio y el pintor Walton Ford fotografiados en su estudio. Al fondo, la obra Anthroponosis, que el artista ha donado para la subasta.  Fotografía: Martin Schoeller.

Uno nunca sabe si es por motivos fiscales, de imagen pública o bien por verdadera implicación y conciencia social, pero el caso es que infinidad de deportistas, músicos, artistas o actores crean sus propias fundaciones para fines tan variados como las posibilidades que ofrece el zoo de cristal que representa la condición humana. Sea como fuere, desde 1998, la megaestrella de Hollywood Leonardo DiCaprio tiene su propia fundación (Leonardo DiCaprio Foundation) dedicada a la protección del medioambiente y la fauna salvaje. Cuenta el artista que “desde niño estaba obsesionado con los animales que el hombre había llevado hasta la extinción, como el lobo marsupial, la paloma migratoria, el moa [similar a un emú] y el cuaga [una especie de cebra hoy desaparecida]. Me acuerdo de ver sus fotografías y pensar: “No importa dónde vaya ni lo lejos que viaje, nunca veré a esos animales en la naturaleza”.

Así que nada mejor que unir esas buenas intenciones a esas máquinas de generar dinero que son las grandes casas de subasta (Sotheby’s y Christie’s registraron las mayores ventas de su historia el año pasado) y descolgar el teléfono y llamar a 33 artistas top internacionales cuyas obras, en su gran mayoría, se venden de media por lo que hoy en día, en este país, cuesta una casa. ¿El motivo de la llamada? Recaudar fondos para la fundación. ¿El lugar elegido? La sala de Christie’s en Nueva York. ¿El día? El próximo 13 mayo. ¿El nombre de la subasta? The 11th Hour. Ni que decir tiene que a la convocatoria del actor han respondido todos los creadores a una. Y no con obra, como se ve en otras propuestas de fundaciones benéficas, precisamente menor. Al contrario. Tal es el poder de reunión de Hollywood y Christie’s. Eso sí, en todas las piezas la naturaleza es el eje conductor.

El actor Leonardo DiCaprio junto al artista Walton Ford en su estudio. Fotografía: Martin Schoeller.

La lista de artistas construiría por sí sola todo un museo de arte contemporáneo. Al menos, una forma de entender un cierto tipo de museo de arte contemporáneo. Refleja la corriente principal y los nombres más reconocidos de nuestro tiempo. Ya saben. Si no están todos lo que son, sí son todos los que están. Kai Althoff, Banksy, Peter Beard, Carol Bove, Joe Bradley, Cecily Brown, Dan Colen, George Condo, John Currin, Zeng Fanzhi, Urs Fischer, Walton Ford, Mark Grotjahn, Andreas Gursky, Sergej Jensen, Anish Kapoor, Bharti Kher, Sherrie Levine, Robert Longo, Adam McEwen, Takashi Murakami, Cady Noland, Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Richard Prince, Rob Pruitt, Neo Rauch, Robert Rauschenberg, Ugo Rondinone, Sterling Ruby, Ed Ruscha, Mark Ryden, Julian Schnabel y Rudolf Stingel.

Y, claro, con estos artistas donando obra, los números que manejan los responsables de la subasta son muy potentes. De adjudicarse todos los lotes en su horquilla actual máxima se recaudarían 18.100.000 dólares (13.800.000 euros) para la protección animal. Buenas cifras para una excelente causa.