Con arte y sonante

Sobre el blog

En un mundo de liquidez casi ilimitada, en el que los bancos centrales dan al botón de imprimir billetes a la misma velocidad que Billy el Niño desenfundaba su revolver, los ahorradores (que hoy en día somos todos) han redescubierto el valor de los activos tangibles y limitados.
O sea, que empiezan y acaban. Metales preciosos, arte contemporáneo, antigüedades, vinos, coches de colección, diamantes. Bienes que a su escasez y potencial económico aportan su carácter material. Bienes con arte y sonantes.

Sobre el autor

Miguel Ángel García Vega

Periodista y modesto coleccionista de arte contemporáneo, Miguel Ángel García Vega lleva más de 15 años escribiendo en EL PAÍS. A veces de finanzas, a veces de sociedad, a veces de arte, pero siempre conectando la vida y los números. Este blog quiere ser una piedra de Rosetta con el que entender el universo de los bienes tangibles, que en ocasiones parece, como el mundo, ancho y ajeno.

Italia prohíbe a Francesco Vezzoli desmontar una iglesia y llevarla al MoMA

Por: | 30 de marzo de 2014

Church Vezolli AFP
Piedra a piedra desmotó la iglesia. El artista italiano Francesco Vezzoli, uno de los nombres más reconocidos (trabaja con la todopoderosa galería Gagosian) del mainstream del arte de nuestros días, tenía una idea. A través de Internet compró una pequeña y bella iglesia construida a finales del siglo XIX. El templo, situado en Montergiordano, en la región de Calabria, al sur de Italia, llevaba décadas desacralizado y el empeño del artista era volverlo a montar a miles de kilómetros de allí, nada menos que en uno de los parterres del MoMA PS1, en la isla de Long Island (Nueva York).

Francesco. Vezzoli
Un operario supervisa el retorno de las piezas de la iglesia de Montegiordano (Calabria, Italia). El artista se había comprometido al devolverlas a su emplazamiento original una vez terminada la exposición en el MoMA. Foto: AFP.

En pocos días la iglesia fue desmantelada y las piedras meticulosamente ordenadas en 11 contenedores dispuestos a ser enviados a Estados Unidos. Pero una operación de este tipo no pasó desapercibida en un pueblo muy pequeño (1.900 habitantes) como es Montegiordano. “¡Se llevan la iglesia!”, exclamaron. La oposición de los lugareños llegó hasta los carabinieri, que encontraron en el puerto de Gioia Tauro (cerca del estrecho de Messina) el templo desmontado y empaquetado para su envío fuera del país. Según una nota que ha difundido la policía “no tenía ningún permiso de exportación”. Ahora las piedras han sido devueltas a su emplazamiento original a la espera de que se reconstruya.

Mapa Vezolli

Situación de Montegiordano, tal y como lo muestra Google Maps. El pueblo tiene unos 1.900 habitantes.

Francesco Vezzoli arguye que adquirió la iglesia a través de la Red y tenía todos los permisos para que la construcción formara parte su proyecto Trinity, en el que explora el arte, la religión y el glamour.
La intención del artista era proyectar sobre esos viejos muros algunos de sus vídeos. Lo que no está claro es si Vezzoli tendrá que afrontar algún cargo penal por su controvertida propuesta artística. Veremos qué ocurre.

Iglesia
La iglesia de Montegiordano en su aspecto original. Foto: AFP.

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La nieta de Picasso desnuda al genio

Por: | 27 de marzo de 2014

Le peintre et son modèle

Muy extraño. Como un océano sin orilla. Sotheby’s mostrará 50 dibujos sobre papel y algunas cerámicas procedentes de la colección privada de Marina Picasso, nieta del genio. Lo raro es que no estarán a la venta, algo inusual en una propuesta de una casa de subastas. La exposición (del 28 al 1 de abril) Picasso et le nu (Picasso y el desnudo) coincidirá con el Salon du Dessin, que se celebra en la capital parisina en unas fechas parecidas (del 26 al 31 de marzo).

Nu debout de profil
'Nu debout de profil' (1920). Grafito y pastel rojo sobre papel. 26,6 x 17,7 centímetros. © Herederos de Picasso. 2014. Un buen ejemplo del retorno al "clasicismo" de Picasso.

La muestra recorre la mirada de Picasso en un asunto central en su obra: el desnudo. De este tema hay estupendos ejemplos. Desde unos pequeños apuntes con tinta que tienen a las prostitutas barcelonesas como motivo central a la obsesión por el tema del pintor y la modelo. De hecho, durante 1963 y 1964 casi no pintará otra cosa. Compulsivamente completa álbum tras álbum reinterpretando la paradoja mítica del artista como creador.

Corps de femme de face

'Corps de femme de face' (1908). Tinta sobre papel. 62,9 x 48 centímetros. Picasso dibuja este boceto cubista de mujer un año después de haber concluido una obra maestra: 'Les Demoiselles d’Avignon'. © Herederos de Picasso. 2014.

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Retrato (preocupante) del coleccionista de arte

Por: | 26 de marzo de 2014

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AXA Art
, la división de la aseguradora francesa especializada en cubrir riesgos asociados al arte, ha preguntado a través del correo electrónico a unos 1.000 coleccionistas de todo el mundo. Quiere averiguar qué coleccionan, dónde, por qué y también cómo. Una información muy valiosa para su negocio.

Los resultados del empeño (Collecting In The Digital Age) dejan una radiografía con motivos para preocuparse. Gana peso el coleccionista-inversor (pocos términos pueden ser tan antitéticos) y, a la vez, quien asegura que colecciona porque le “gusta vivir rodeado de cosas (sic) bellas”. En fin… El trabajo también revela que el prototipo de coleccionista es el de un hombre de entre 40 y 69 años, con estudios superiores y que adquiere mayoritariamente pintura (89%).

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El estudio 'Collecting in the Digital Age' , de Axa Art, traza una imagen del coleccionista de arte que dibuja a un hombre con estudios superiores y de entre 40 y 69 años.

Pero junto a esta imagen tradicional, el informe también aporta otros datos que se mueven entre lo preocupante y, a veces, lo triste. Resultados, de cualquier forma, que sorprenden. He aquí los principales titulares que podemos extraer del trabajo de la aseguradora.

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'Dalí', la exposición más visitada de Europa

Por: | 25 de marzo de 2014

IMG Reina Sofía
Reina Salvador Dalí en Europa. Desde hace seis años, el periódico The Art Newspaper contabiliza los museos y exposiciones más visitadas del mundo y presenta en sociedad los números. El avance del estudio de 2013 —en abril lo publicará de forma completa— muestra que las dos exposiciones de pago más visitadas en Europa tuvieron al genio ampurdanés como protagonista. En París, la muestra Dalí pulverizó el récord de visitas diarias del Centro Pompidou. En concreto, 7.634 personas fueron a disfrutar del universo del pintor surrealista. En total, 790.000 visitantes se pasearon durante cuatro meses por las salas de la institución francesa. En Madrid, en el Museo Reina Sofía, las colas se repitieron y 6.615 personas al día patearon la muestra (en conjunto, 730.000). Una cifra muy alta, pero que no supera el récord, que aún tienen los picasso cedidos en 2008 por el Museo Picasso de París.

Sea como fuere, una sencilla cuenta nos dice que 1.520.000 personas le dedicaron en Madrid y París tiempo, dinero y ocio a Salvador Dalí. Récord, el año pasado, en Europa.

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La muestra 'Dalí', en el Pompidou, superó el récord de visitas diarias del centro parisimo de arte.

En cuanto a las exposiciones gratuitas (a nivel mundial) que lograron mejores cifras, los números más brillantes corresponden a un viejo conocido en esta clasificación que traza el periódico. El Centro Cultural Banco do Brasil, en Rio de Janeiro, tuvo 8.099 visitantes gracias a la exposición Impresionismo: París y modernidad, construida a partir de préstamos del parisino Museo de Orsay.

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Un ‘tiburón’ de Wall Street vende su colección de arte

Por: | 23 de marzo de 2014

Sender retrato

Hasta hace poco, Adam Sender era uno de los tiburones de más éxito de Wall Street. Gestor de fondos de alto riesgo, había aprendido el negocio de Steve A. Cohen. Un mago en eso de ganar dinero (el año pasado ingresó unos 2.300 millones de dólares, según la revista Forbes). Sin embargo, Cohen ha conocido tiempos mejores. Cabeza visible del poderoso hedge fund SAC Capital Advisors, en 2013 la firma tuvo que pagar 1.800 millones de dólares (1.290 millones de euros) para sortear los cargos de uso de información privilegiada. Aunque él nunca fue encausado, los investigadores federales le han seguido muy de cerca.

Pero regresemos a Adam Sender. Desde 1998 ha sido una presencia continuada en el coleccionismo internacional y en la vida artística neoyorkina. Asesorado por varios marchantes fue reuniendo una colección de unas 800 obras de 139 artistas que representan la corriente principal del arte de nuestros días. La lectura de esos nombres es como recitar en voz alta un catálogo de una gran casa de subastas. Tiene trabajos representativos de Cindy Sherman, Ed Ruscha, Charles Ray, Raymond Pettibon, Richard Prince, Mike Kelly, Martin Kippenberg, Elizabeth Peyton, Dan Flavin, John Baldessari y Barbara Kruger, por citar algunos nombres.

Cindy Sherman
'Untitled # 93', fotografía de Cindy Sherman perteneciente a la colección Sender. Sotheby's ha estimado un precio inicial de dos millones de dólares (1,43 millones de euros).

Sin embargo, la vida le ha lanzado una bola curva al otrora exitoso inversor. Sender ha tenido que cerrar este año Exis Capital Management, el fondo que creó en 1998 nada más dejar de trabajar con Steve A. Cohen. Además afronta un divorcio tras 11 años de matrimonio. A los 45 años parece que mira la vida de otra forma. “Crecí siendo judío pero cada vez me siento más cerca de la filosofía budista”, comentaba el financiero al periódico The New York Times. “Todas las cosas deben suceder”.

Entre esas cosas que ocurren está la venta de 400 obras esenciales de su colección. La casa de subastas Sotheby’s las llevará al mercado a lo largo de los próximos 18 meses en Londres y Nueva York, y se espera conseguir más de 70 millones de dólares (50,31 millones de euros). Los primeros cien lotes se rematarán en la ciudad neoyorkina el 14 y 15 de mayo. Son piezas que “representan el arte de nuestra generación”, sostiene Alexander Rotter, responsable de Sotheby’s.

Sender Kippemberg
En la serie 'Querido pintor, Pintar para mi', el artista Martin Kippenberg contrata a un pintor de carteles de cine para que ejecute las obras.

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La crisis obliga al gigante energético E.ON a vender un ‘pollock’

Por: | 22 de marzo de 2014

Jackson Pollock

La crisis hace pocos distingos. E.ON, el gigante energético germano, se ve obligado a vender la que tal vez es la mejor obra de una colección que alberga unas 1.800 piezas. La tela de Jackson Pollock Number 5 (Elegant Lady) se subastará en Nueva York el próximo 13 de mayo. La sala de pujas Christie’s piensa que el cuadro puede rematarse por una cantidad que oscilaría entre 15 y 20 millones de dólares (10,78 y 14,37 millones de euros). Una buena suma si pensamos que la pieza la compró Veba AG (compañía que acabaría fusionándose con E.ON) en 1980 por unos 500.000 dólares.

Considerada como una de las mejores colecciones de arte perteneciente a una corporación alemana, E.ON necesita fondos para poder seguir con su programa cultural. Pues el momento es complicado. En los últimos tres años ha reducido su plantilla casi un 25% y ahora trabajan en la mayor utility de Alemania unos 62.000 empleados.

Pero volvamos al lienzo. La tela muestra un dripping distinto de Jackson Pollock. Es más figurativo, por decirlo así, y evidencia que el artista avanzaba en su trabajo hacia otros caminos. Exhibida por primera vez durante 1956 en la galería neoyorkina de Martha Jackson, desde 2001 colgaba en el Museum Kunstplace de la ciudad de Düsseldorf. Muy cerca de las oficinas centrales de E.ON.

 

Fue Ulrich Hartmann, alto ejecutivo en su día de Veba, quien se la compró al marchante Alfred Schmella. En la práctica, hablamos de la obra con la que se inició la colección de arte de la eléctrica. A su vez, Schmella la había adquirido, durante 1970, en la galería neoyorkina Knoedler. Pero el cuadro tiene más historia. Pollock se lo cambió a la galerista Martha Jackson en 1954 por el descapotable con el que dos años más tarde perdería la vida en un accidente de tráfico.

Antes de ser vendida en Nueva York, la sala Christie’s le ha preparado un pequeño road show a la pintura que la llevará a Hong Kong y Londres.

El ADN puede resolver el robo, hace 17 años, de un ‘gustav klimt’

Por: | 20 de marzo de 2014

Stolen Work

Una huella dactilar parcialmente conservada y su rastro de ADN podrían ayudar a recuperar un cuadro de Gustav Klimt robado hace 17 años en Italia.

La pintura, Retrato de una mujer (1916-1917), es una de las obras (imagen de apertura) más buscadas por los carabinieri. Se encuentra en los primeros puestos de su lista. La pieza fue robada de la galería de arte moderno Ricci Oddi, en la ciudad transalpina de Piacenza, en febrero de 1997, y desde entonces nada se conoce de su paradero. El robo fue de película. Bajo la claraboya de la sala apareció el marco vacío. La obra había sido desmontada. Por lo que se sospecha que los ladrones pudieron llevarse el cuadro por el techo.

La institución estaba cerca de cerrar para ser remodelada y el Retrato de una mujer, que había formado parte de la colección desde 1925, iba a ser el centro de una muestra temporal  en el ayuntamiento de la ciudad. El guarda que advirtió la desaparición de la obra se tomó su tiempo en dar la alarma. Pues sabía que el marco iba a ser enviado fuera para ser restaurado y por lo tanto la tela dejaría de exhibirse.

Pasados los años, precisamente el marco puede ser la clave para encontrar a los ladrones. Las nuevas técnicas de análisis de ADN han permitido detectar una huella dactilar parcial sobre la madera. En estos momentos, los carabinieri la cotejan con su lista de sospechosos. El caso puede estar cerca de resolverse.

Pero el arte ha dado para más en los últimos días, y nos deja temas importantes:

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“El arte bueno es caro”. Michael Findlay, director de la galería Acquavella

Por: | 14 de marzo de 2014

Michael Findlay EFE

“Era el mejor de los tiempos, era el peor de los tiempos [...]”. El arranque de la novela Historia de dos ciudades, de Charles Dickens, sería un buen resumen de la vida de Michael Findlay (Escocia, 1945). El director de la galería de Nueva York Acquavella acumula trienios de arte en la mirada. Su espacio, centrado en impresionismo, arte moderno europeo y escultura norteamericana de posguerra, representa a artistas como James Rosenquist, Wayne Thiebaud o Lucian Freud. Antiguo alto ejecutivo de Christie’s inició su carrera de marchante hace cincuenta años, cuando la sociedad, y el arte, vivían otros tiempos. Una época en la que “el precio de una obra era irrelevante para la mayoría de las personas”, asegura. “Pero hoy en día vivimos en una cultura mercantilizada, y esto afecta a los motivos y al modo en que se colecciona arte”.

Philistines

El pasado miércoles Michael Findlay presentó en el CaixaForum de Barcelona, en el ciclo que organiza la Fundación Arte y Mecenazgo, una más que recomendable conferencia: “El mercado del arte frente al coleccionista. El conocimiento artístico en nuestra época de mercantilización”. En ella viajó por su memoria, sus recuerdos y trazó, brillantemente, el retrato de algunos coleccionistas (Norton Simon, Josep Hirshhorn, Burton y Emily Tremaine, Billy Wilder, Víctor y Sally Ganz, Eli Broad…) que ha conocido durante estas décadas. A la vez dejó frases (“el arte bueno es caro. Está bien que lo sea. El arte bueno es escaso. La mayoría se encuentra en los museos. Pero eso no significa que el arte caro sea excelente. Es una falacia”); impresiones (“la aventura de coleccionar arte contemporáneo se ha convertido en el mercado del arte, y este mercado predica la premisa falaz de que todas las generaciones producen arte excelente que va incrementando su valor”) y pinceladas (“no diré que el arte difícil sea bueno, porque el arte es difícil siempre, pero existe un tipo de arte que realmente exige una enorme cantidad de experiencia”) que generan eco durante tiempo.

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El Banco Central Europeo busca artistas para su nueva sede

Por: | 12 de marzo de 2014

Banco Central Europeo Nueva Sede

El Banco Central Europeo (BCE) lanza su primer concurso de arte. Busca obras, de gran escala, para su nueva sede (que se terminará de construir este año) en Fráncfort (Alemania). Para ello ha escogido un lema: “Estabilidad e independencia”. Una síntesis —asegura la institución— de sus dos elementos fundamentales. Sobre este concepto tendrán que trabajar los artistas teniendo en cuenta, además, el principio rector de la Unión Europa: “Unidos en la diversidad”.

El banco de bancos ha identificado tres emplazamientos (ver imágenes) para otras tantas obras. Fuera de la entrada principal, o sea, en el antiguo mercado mayorista (grossmarkthalle); en la planta baja, concretamente en el ala este del atrio que conforma la doble torre de oficinas, y en el vestíbulo de la zona de conferencias.

Banco Central Europeo 3
Imagen virtual de la entrada del futuro Banco Central Europeo (BCE) en Fráncfort (Alemania). Foto: cortesía del estudio Coop Himmelb y © ISOCHROM.com.

El concurso tendrá dos fases. En la primera —acorde con la información del BCE— un comité de selección formado por expertos en arte de reconocido prestigio internacional elaborará, para cada emplazamiento, una lista de artistas procedentes de los estados miembros que cumplan unos requisitos determinados. Por ejemplo, deben tener cualificación profesional y haber trabajado en proyectos artísticos similares en los diez últimos años. El objetivo que busca la organización es que al menos un creador de cada Estado miembro participe en esta fase inicial.

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El mercado del arte quiere tomar los museos

Por: | 09 de marzo de 2014

AR14 - AMBIENTE P.MESEGAR - 044

Estos días, la ley de Gravitación Universal tira con enorme fuerza del mercado del arte. Nunca, en las últimas décadas, el mercado había copado tanto espacio. Cada dos semanas, más o menos, se celebra una feria en el mundo. Londres, París, Turín, Lima, Nueva York, Hong Kong, México, Los Ángeles, Miami, Basilea… Casi no hay nación del planeta que no tenga su propuesta. Buena, mala o regular. Da igual. A esta avalancha habría que añadirle las subastas mensuales de las grandes casas de pujas. Christie’s, Phillips, Sotheby’s, Bonhams… ¿Entonces? ¿Cuándo el dinero lo copa todo, dónde se puede ver arte sin ese lastre? ¿Qué espacios de “resistencia” como le gusta decir a Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía quedan? Más aún cuando hay artistas que, sin ningún reparo, producen obras pensando exclusivamente en ferias o bienales. Pensando en lo “gusta” y lo que se “vende”; lo que encuentra fácil acomodo o rema a favor de la corriente.

Hemos buscado palabras y respuestas. Hemos empuñado la grabadora. Y hemos hablado con dos voces —que no suenan como otras mil— en el arte contemporáneo. Son Bartomeu Marí, responsable del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), y João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía. Prestemos atención.

Bartomeu

"El mercado, las casas de subastas y las grandes galerías usurpan nuestros instrumentos", afirma Bartomeu Marí, director del Macba.

“Una de las principales preocupaciones en el sector museístico es la independencia de las instituciones con respecto al mercado. Nunca esta cuestión había tenido tanto relieve”, reflexiona Bartomeu Marí, y añade con preocupación: “El mercado, las casas de subastas, las grandes galerías nos imitan y, en muchos casos, usurpan nuestros instrumentos (el conocimiento) y nuestras formas (catálogos razonados, conferencias, cursos) además de las exposiciones. Las necesidades de financiación de las instituciones públicas nos hacen vulnerables a influencias ajenas o injerencias indeseables”.

Macba exterior
Los museos estatales no pueden competir con los grandes coleccionistas privados por la falta de presupuesto público. Vista exterior del Macba. Foto: Marcel-Lí Saénz.

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