La 'cama deshecha' de Tracey Emin, un icono de los noventa, se vende

Es la cama más famosa del arte contemporáneo. Y también, junto con el tiburón en formaldehido de Damien Hirst, el icono de toda una generación de artistas que empezaron a destacar en el Reino Unido a principios de los años noventa del siglo pasado. My Bed es la obra central del trabajo de Tracey Emin. Un grito interior en una época en la que se protestaba poco. Una pieza que en su día sacudió la mirada del espectador, y que el verano próximo Christie’s subastará por una cifra que oscila entre 800.000 y 1.200.000 libras (de 984.000 a 1.477.000 euros). Unos números que, sin embargo, no convencen a todo el mundo. Su marcharte neoyorkino, David Maupin, apunta que es un precio muy bajo para una “obra histórica”. Tanto, que para él ninguna cifra le haría justicia.

My Bed es el resultado de unos tiempos muy duros. Después de una relación fallida, en 1998, Tracey Emin atravesó una fuerte depresión, que acompañó con borracheras continuadas y relaciones sexuales imposibles de recordar al día siguiente. Esta vía autodestructiva llegó al paroxismo una noche. La resaca era tan intensa que pensó: “Si no bebo agua me moriré”. Lo cuenta en el periódico The Telegraph, Colin Gleadell, periodista y amigo de Emin. Tambaleando recorrió el camino de vuelta desde la cocina y miró sorprendida a la cama: “¡Puaggg!”, pensó. “Es asqueroso. Pero de repente, un segundo después de que me pareciera horrible, se transformó en algo que procedía de mi interior, algo hermoso”. En el fondo no deja ser un ready-made en la más pura tradición del urinario de Marcel Duchamp. Aunque también se puede leer como un autorretrato que no necesita recurrir a su propia imagen.

'My Bed', de Tracey Emin, se vende por un precio estimado que oscila entre 984.000 y 1.477.000 euros. Foto: Christie's.

La cama, desecha, era un testimonio de la locura de aquellos días. Condones usados, botellas vacías de vodka, test de embarazos, compresas con orina y unos pantalones bombachos manchados de sangre. Ese fue el material con el que se armó la obra. Un diario de la autodestrucción.

My Bed fue una de las piezas finalistas en 1999 del famoso Turner Prize. No lo ganaría Tracey Emin (imagen de la izquierda) sino el cineasta Steve McQueen, quien presentó Deadpan. Pero sin duda fue el trabajo que más impactó y casi todos los medios británicos recogieron la provocación, el guante lanzado por la artista. La cama la adquirió el publicista y coleccionista británico Charles Saatchi por 150.000 libras. Una cifra elevada en ese tiempo para una obra de una creadora muy joven. Pues bien, ahora la vende aprovechando el buen momento en el mercado que tienen los Young British Artists (YBAs). De hecho, artistas que pertenecen a esa generación como Jenny Saville, Gary Hume o la propia Emin han alcanzado este año sus precios más elevados en subasta.

Narra Tracey Emin que la venta de My Bed es como “el fin” de una era. Y algo de cierto hay en esas palabras.

 

 

Nota: En una versión anterior de la entrada figuraba la expresión "desecha" en el titular. Se ha cambiado por "deshecha".

China cierra un museo por contener cientos de piezas falsas

China tiene un problema enorme con las falsificaciones de arte. Hace tiempo que ha trascendido de la anécdota a lo preocupante. El último caso es gasolina sobre el fuego. El Museo de Lucheng, situado en la provincia de Liaoning, en el nordeste del país, ha cerrado después de que se conociera que al menos un tercio de las 8.000 obras exhibidas eran falsas.

Entre las falsificaciones más escandalosas, que cita el periódico The Global Times, figura una espada (foto inferior) que según el museo pertenecía a la dinastía Qing y que fue tasada en 120 millones de yuanes (13,5 millones de euros). Los expertos han averiguado que apenas vale unos pocos dólares.

El volumen de falsificaciones ha llegado a tal extremo que un estudio de 2011 de la consultora especializada en arte Artron estima que al menos 250.000 personas en 20 ciudades chinas se dedican a fabricar y vender objetos artísticos falsos. De hecho, Xiao Ping, un reconocido pintor que trabaja en la validación de arte para el Museo Nanjing, comentaba en The New York Times el pasado otoño que “el 80% de los lotes que venden las casas de subastas pequeñas y medianas chinas son réplicas”.

Además llueve sobre mojado porque el de Lucheng no es, desde luego, una rara avis. El pasado julio, el Museo de Jibaozhai, en la provincia de Hebei, fue clausurado ante la sospecha de que la mayoría de los 40.000 objetos que almacenaba eran falsos. Pero lo inaudito no fue que toda la colección semejara un gran fraude sino el descaro de algunas de las falsificaciones. Por ejemplo, habían intentado hacer pasar —cuenta el periódico The Telegraph— como si fuese un original de la dinastía Qing (1644-1912) una cerámica decorada con dibujos animados (imagen de la izquierda). También colocaron como auténtica una vasija policromada del periodo Tang (618-907) de porcelana (foto de la derecha), a pesar de que esa técnica de incorporar diferentes colores no sería descubierta hasta cientos de años después, durante la dinastía Ming (1368-1644).

¿Rembrandt o no Rembrandt? Una respuesta millonaria

¿Se puede comprar un rembrandt o un caravaggio por 15.000 euros? La lógica dicta que es imposible. Aunque dos coleccionistas sostienen lo contrario. ¿Se equivocan? Las obras de arte no siempre son lo que parecen. Las atribuciones de los artistas se mueven y cambian como las líneas discontinuas en una carretera.

Eso es lo que ha pensado un importante coleccionista estadounidense, que ha tenido una fe desmedida en que los expertos y sus ojos se equivocaban. La semana pasada, la sala de subastas Lempertz, en Colonia (Alemania), remató un óleo sobre lienzo de mediano formato (103,5 x 86 centímetros) fechado alrededor de 1600 con el título Lasset die Kinder zur mir kommen (Dejad que los niños se acerquen a mí). Detrás de estas palabras existe una historia bien conocida. El evangelista San Mateo (19,13-15) narra que unas personas llevaron unos niños frente a Cristo para que les impusiera las manos y rezara por ellos. Los discípulos los reprendieron por molestar, pero Jesús intervino: “Dejad a los niños; y no les impidáis que se acerquen a mí, porque el Reino de los Cielos pertenece a los que son como ellos”.


'Anciano sentando en un sillón' (detalle) fue atribuida originalmente a Rembrandt, pero esta autoría se rechazó en 1969. Esta semana, el profesor Ernst van de Wetering, considerado uno de los principales expertos en el mundo del genio barroco, afirma que esta obra se encuentra entre los trabajos más importantes del pintor. El cuadro pertenece a la National Gallery de Londres.

Esta es la escena que cuenta el óleo subastado por Lempertz. La casa de pujas, tras varios estudios e informes de peritos internacionales, atribuyó la tela a algún seguidor de Rembrandt, el genio holandés del XVII. Pero no dio más trascendencia al lienzo y fijó un precio de salida en 15.000 euros. Sin embargo, en una puja feroz, que consumió más de seis minutos —un tiempo enorme en una sala de subastas—, la obra se remató por la increíble cifra de 1.525.000 euros. Nada menos que cien veces más que su valor de partida. Este astronómico resultado supone que el coleccionista cree que el óleo procede de Rembrandt. De su mano y pincel. Al menos gran parte. Si fuera así habría comprado una de las mayores gangas en muchos años. De hecho, la última tela de este tamaño del maestro barroco que se remató en subasta se adjudicó por 33 millones de dólares (unos 24 millones de euros), pero hoy en día, tal y como está el mercado, esa cantidad se quedaría pequeña.

El ‘van gogh’ de Hacienda es falso

Falso como un billete de 6 euros. El supuesto ‘van gogh’ que hace dos semanas (cuando transcendió la noticia) descubrió la Agencia Tributaria al decomisar una caja de seguridad ha resultado ser “una de las peores falsificaciones o, lo que es peor, copias, que nunca he visto. Lo ha debido pintar un aficionado basándose en la imagen de un calendario que reproduce el original”. Así lo asegura, en declaraciones al periódico austriaco Die Presse, que también recoge la revista digital artnet.com, Alfred Weidinger, subdirector del museo de arte vienés Belvedere.

El pequeño (35 x 32 centímetros) panel que una información de El Mundo atribuía, presumiblemente, a Vincent van Gogh generó, desde el principio, muchas dudas en la comunidad artística. Ciprés, cielo y campo (1889) es una falsificación malísima. Lo sostiene Alfred Weidinger quien, además, apunta que el cuadro original forma parte de la colección del Metropolitan de Nueva York. Y no es el único que navega en esa dirección. Según la información que publica Die Presse, Weidinger habría hablado con un colega del Museo Van Gogh de Amsterdam (máxima autoridad en el pintor) quien estaba igual de impactado que él por la aparente mala calidad de la obra.

Los expertos recuerdan que Vincent van Gogh es el pintor más falsificado del mundo.

La información publicada por la prensa española sostenía que además de “la firma en trazos trémulos genuina del pintor enloquecido”, en el reverso del pequeño panel figuraban tres sellos que daban credibilidad a la pieza. El más antiguo, que corresponde al Rijksmuseum, data del 8 de abril de 1944; el siguiente, del Museum der Schöne Künste (Museo de Bellas Artes) de Berlín, no tiene fecha; y el más próximo en el tiempo es del Kusnsthistorisches Institut der Universität Wien (Instituto de Historia del Arte de la Universidad de Viena), que apunta al 10 de abril de 1974. Pues bien, Weidinger señala que, al menos, este último lacre revela que la pintura es falsa.

Esta historia nos recuerda que Vincent van Gogh es el pintor más falsificado del mundo y que las atribuciones hay que hacerlas con tranquilidad y mirada de experto.

Foto apertura: El Mundo.

Óscar Murillo, el 'chico maravilla' del arte, genera dudas

Es el artista del momento. El pintor del ahora. El mercado del arte lo idolatra. Con pocos creadores se ha podido ganar tanto dinero. En solo dos años algunas de sus obras se han revalorizado un 5.600%, y únicamente tiene 28 años. El colombiano Óscar Murillo se ha convertido en el chico maravilla del arte. Sus pinturas se venden por encima de los 400.000 dólares (292.000 euros), cuando en 2011 apenas llegaban a los 7.000 dólares (5.100 euros). Hay lista de espera para sus cuadros y en el último año casi la totalidad de sus obras que han salido a subasta se han revendido. La semana pasada, la casa de pujas Phillips colocaba (imagen inferior) un óleo, sin título, fechado en 2012, de 218 x 167 centímetros, por 389.000 dólares (277.000 euros). La tela partía en 100.000 dólares y más de media docena de coleccionistas porfiaron ferozmente por ella durante varios minutos. El éxito (comercial) no puede ser mayor.

Pero en las alturas es donde surge el riesgo del vértigo. Sobre todo si se comenten errores. La última exposición de Óscar Murillo es una advertencia.

El artista colombiano ha fichado por David Zwirner, una de las galerías más pujantes del mundo, que representa, entre otros creadores, a maestros del arte de posguerra como Dan Flavin o Donald Judd. Para su estreno en la galería neoyorkina Murillo ha optado por una instalación, en vez de exponer lienzos y papeles nuevos. Una propuesta que puede tener sentido como estrategia de marketing ya que infinidad de coleccionistas (muchos, por cierto, asiáticos) están deseosos de adquirir sus telas. Algo así como: “Ahora que las quieren, ahora no las tenemos… pero hay una lista de espera en la que se pueden apuntar”.

Óscar Murillo prepara una serie de telas en la Fundación Rubell. Foto: cortesía Rubell Familly.

La luz mediterránea de Sorolla ilumina Londres

Después de unos días donde las subastas solo emiten noticias de cifras millonarias y récords, llega el tiempo de un arte más reposado y tranquilo. Joaquín Sorolla (1863-1923) ilumina la puja de pintura del siglo XIX del próximo 22 de mayo en la sala Sotheby’s de Londres. Lo hace con tres telas distintas. 

Camino de la pesca (Valencia), de 1908, es una composición sencilla, sin mucho ruido técnico. El óleo (111 x 91 centímetros) capta uno de esos momentos de trabajo marinero diario que tanto atraían al artista. Concebido del natural en la playa de la Malvarrosa de Valencia muestra la salida a la mar de una barca de pesca. Es la mañana, tal vez el alba, y una única persona maneja el pequeño esquife, que se afana por mantener el equilibrio. El pincel carga mucho material al inicio de la pieza, en la mar que vemos en primer plano, para ir volviéndose más ligero a medida que Sorolla tiene que resolver la vela o la luz, que cae en diagonal sobre el mástil. 1908 es un gran año para el pintor. Su exposición individual en Londres ha sido un éxito al que le acompaña, antes, el obtenido en Alemania (1907) y París (1906). Con una enorme seguridad en el oficio elabora este Camino de la pesca. Así lo entiende Sotheby’s, que le adjudica una buena estimación: entre 1,2 y 1,8 millones de libras (de 1.450.000 a 2.180.000 euros). Su actual propietario la adquirió en 1970 en la Sala Parés (Barcelona).

Otro de los lienzos que busca comprador es Recogiendo la vela. Playa de Valencia (91 x 110 centímetros). La tela está fechada, también, en 1908. Un pescador arrastra el velamen de una barcaza. El rostro enrojecido del marinero evidencia su tiempo en el mar y el artista se centra, sobre todo, en él. Ahí es donde empasta más. Al fondo, la playa domina casi toda la escena. El cuadro, por decirlo así, es menos Sorolla. Los coleccionistas prefieren sus imágenes de mar más complejas. Por eso baja la estimación frente a Camino de pesca. Sotheby’s pide entre 600.000 y 800.000 libras (725.000-970.000 euros).

Un 'mondrian' que quiere ser el más caro del mundo

Es sencillo contemplar un ‘mondrian’ en la naturaleza. Solo hay que subirse a un avión y sobrevolar las tierras de labor de cualquier país. Abajo aparecerá un damero de colores, y las lindes de los campos actuarán como improvisadas líneas de color.

Esta imagen tan sencilla es muy útil a la hora de mirar una pieza de Piet Mondrian (1872-1944). El artista lleva tiempo ganando aprecio entre los pudientes coleccionistas que pueden acceder a uno de los padres del arte abstracto. Sotheby’s lo sabe. Y el próximo 23 de junio, en su subasta de Londres de arte Impresionista y Moderno, lleva a la venta una verdadera joya. El óleo de 1927 Composition With Red, Blue and Grey (Composición con rojo, azul y gris) puede convertirse en el mondrian más caro vendido nunca. Se espera que alcance entre 14 y 18 millones de libras (de 17,1 a 22 millones de euros). Hasta ahora, el récord del artista estaba en 21,5 millones de euros. Esta fue la cantidad que pagó en 2009 el Guggenheim Abu Dabi por la tela de 1922 Composition With Blue, Red, Yellow and Black (Composición con azul, rojo, amarillo y negro). La obra procedía de la colección del modisto Yves Saint Laurent y de su compañero, Pierre Bergé.

El cuadro que ahora sale a subasta no había aparecido en el mercado desde 1950 y se sabe que su primer propietario fue Harry Holtzman, un artista que ayudó a fundar el American Abstract Artist Group, una organización de prestigio que impulsó los principios del modernismo europeo. Holtzman fue amigo de Mondrian durante años.

Por ahora, Sotheby’s no ha informado de quién es su actual propietario, pero sí de sus bondades. “Es una pintura icónica. Un clásico blue chip de Mondrian con todo lo que puedas desear”, apunta Helena Newman, codirector de arte Impresionista y Moderno de Sotheby’s. “Pertenece a su mejor periodo, los años veinte, una época en la que desarrolló su estilo único, que está bellamente condensado en este lienzo”.

'Three Studies for Portrait of George Dyer (on Light Ground)' espera hallar comprador por un precio que oscila entre 18,1 y 25,4 millones de euros. Foto: Sotheby's.

También habrá que estar atentos a la subasta de arte contemporáneo del 30 de junio en Sotheby’s donde aparece otro tríptico de Bacon. En los últimos tiempos parece que fuera ilimitada la producción de este tipo de piezas. Pero no es así, y menos de esta calidad. Es una obra de pequeño tamaño (35,6 x 30,4 centímetros cada panel), pintada en 1964, pero la imagen es poderosa. Basada en una foto de John Deakin, Three Studies for Portrait of George Dyer (on Light Ground) muestra el rostro distorsionado, a lo bacon, de su amante.

Tres estudios para el retrato de George Dyer tiene un precio estimado que oscila entre 18,1 y 25,4 millones de euros.

Imagen de apertura: 'Composition With Red, Blue and Grey', de 1927, de Mondrian, junto a un retrato del artista. Cortesía: Daily Telegraph.

Takashi Murakami estrena ‘Jellyfish Eyes’, su primera película

 
Takashi Murakami es un artista que adora el mercado del arte y el mercado del arte le adora a él. En 2008 fue capaz de vender en subasta una escultura (My Lonesome Cowboy) de inspiración hentai de un hombre eyaculando por más de 15 millones de dólares (unos 11 millones de euros). Su propuesta de unir alta y baja cultura (sobre todo a partir de una relectura del mundo anime y manga) entorno a la pintura superflat (superplana) ha encontrado acogida entre infinidad de coleccionistas, que se disputan obras tasadas en seis ceros. La crítica, en general, utiliza ese mismo concepto, superplano, para calificar su trabajo.

Escena de la película de animación de Takashi Murakami 'Jellyfish Eyes'.

Para Murakami todo es susceptible de convertirse en expresión artística. Desde los bolsos que diseñó para la marca de lujo Louis Vuitton a camisetas, bolígrafos o toallas con las que ir a la playa. Todo sirve. Desde la pintura al vídeo de animación. Por eso era cuestión de tiempo que Murakami entrara en el cine. Un territorio en el que muchos artistas plásticos contemporáneos como Steve McQueen, Julian Schnabel, Andy Warhol o Matthew Barney hace tiempo que velan, con resultados muy distintos, armas.

¿Puede costar 600 euros un 'picasso'?

Durante su vida Pablo Picasso produjo unas 50.000 obras entre pinturas, dibujos, esculturas, grabados, cerámicas, ilustraciones para libros, tapices y alfombras. Un volumen ingente, al alcance de su creatividad infinita. Desde luego, la gran mayoría de estas piezas son imposibles de adquirir para cualquier coleccionista o apasionado del arte. Sin embargo, hay excepciones. Sotheby’s (al igual que Christie’s) vende este miércoles cerámicas del genio malagueño que se pueden comprar, algunas de ellas, por algo más de 600 euros. Muchas de las obras más asequibles son tiradas largas, unos 500 ejemplares, pero revelan que también resulta posible coleccionar de otra forma, lejos de las cifras estratosféricas que plantea el mercado del arte estos días.

Brigitte Bardot observa a Picasso trabajar en un cerámica durante el Festival de Cine de Cannes de 1956. © Getty Images © Succession Picasso/DACS, London 2012.

La cerámica fue una pasión del maestro. En 1946, en Vallauris, una ciudad residencial de la Riviera Francesa, descubrió una alfarería, Madoura, dirigida por el matrimonio Georges y Suzanne Ramié. La villa tenía fama de contar con buenos alfareros pero trabajaban con técnicas antiguas, por ejemplo, en el vidriado de las piezas o en las cocciones del barro. Picasso lo revolucionó todo. Entabló amistad con los Ramié y comenzó a aplicar técnicas aprendidas en la pintura o el grabado sobre las arcillas con resultados que los artesanos del lugar no habían visto antes. Instalado en un espacio del taller cedido por Georges y Suzanne, durante 1947 dio forma a sus primeras cerámicas. Hasta su muerte, en 1973, completaría en Madoura 633 diseños a partir de los cuales se crearían miles de piezas en edición (Éditions Picasso) de la mano de los trabajadores de la alfarería.

De hecho, la proximidad con Picasso era tan estrecha que incluso Suzanne Ramié le presentó esos días a una prima suya, Jacqueline Roque, que trabajaba como vendedora en Madoura, y quien será el último gran amor del genio. Se casará casi en secreto (dos únicos testigos y una señora de la limpieza por toda parroquia) con ella el 2 de marzo de 1961 en el Ayuntamiento de Vallauris. Cuando se conocieron Jacqueline tenía 27 años; el pintor, 72.

Pero regresemos a la historia central, y al presente. “Coleccionar arte es como emprender un viaje. Uno puede escoger discurrir por autovías muy transitadas y de peaje; o sea, caras, o bien conducir a través de carreteras secundarias, que tienen poco tráfico y apenas cuestan. Ambas resultan igual de válidas y satisfactorias para quien lleva dentro el veneno de coleccionar”, reflexiona Marcos Martín Blanco, uno de los principales coleccionistas de arte contemporáneo de España. En su caso, por recursos, ha optado por la primera vía. Su fundación MER (Marcos, Elena y Rafael, los nombres con los que se construyen las iniciales de su mujer e hijo además del suyo propio) da cobijo en Segovia a más de 800 obras de artistas que van desde Basquiat a Miquel Barceló. Grandes nombres con piezas importantes. “Museables”, como las denomina Martín Blanco.

“Coleccionar arte es como emprender una viaje. Uno puedo escoger discurrir por autovías muy transitadas y de peaje; o sea, caras, o bien conducir por carreteras secundarias", asegura el coleccionista Marcos Martín Blanco.

Otros coleccionistas, como el abogado especializado en Derecho de la Competencia Francisco Cantos, mezclan las dos vías a la hora de comprar. Por un lado, una receta de “caminos transitados, o sea, artistas ya cotizados; y, por otro, apuesto por noveles. Creadores desconocidos que apoyas al principio de sus carreras y que suelen tener precios razonables”, observa este entusiasta del arte. Y añade: “Estos últimos son los que más me gusta comprar. Porque cuando adquieres una obra suya les estás ayudando, además, a construir sus carreras”.

Basquiat subasta su 'Guernica'

Es, tal vez, la mejor obra de Jean-Michel Basquiat. Es, quizá, su ‘Guernica’. Su pieza maestra. Y es probable que también se convierta en la más cara vendida nunca en subasta del malogrado artista. Undiscovered Genius Of The Mississippi Delta. O sea, Genio por descubrir del Delta del Misisipi podría hacer historia cuando se remate el próximo 14 de mayo en Sotheby’s Nueva York.

Fíjense (con un doble click sobre la imagen se amplía) en el enorme lienzo (124,5 x 471,2 centímetros) construido con cinco paneles y fechado en 1983. Como en un aleph habita en él todo el universo de Basquiat. Incluso hay un autorretrato del artista bajo el lema: “fig 23”. Aquí se hallan todos sus símbolos y claves. La grafía tan personal, la alternancia de mayúsculas y minúsculas, las palabras en castellano, los arrepentimientos (El RATON) y esa mirada hacia la negritud y el abismo de los esclavos. Tres veces repite el nombre del escritor “Mark Twain” bajo las ubres de una vaca. No están muy lejos en su imaginario las plantaciones de algodón y esa época infame. Por eso, al igual que en un mantra, garabatea una y otra vez: “Mississippi”.

Detalle del panel 'Undiscovered Genius Of The Mississippi Delta', de Basquiat, en el que con su reconocible grafía enfrenta temas como la esclavitud o la identidad personal.

Y es que en esta tela se puede intuir la historia de la esclavitud en el sur de Estados Unidos, la espeluznante subasta de seres humanos ("Negroes", "Negroes", "Negroes" traza en rojo en uno de los extremos del panel) y las asoladoras plantaciones de algodón.  Pero a la vez reside la ambicion y la ironía de ser un gran artista. Lo deja escrito en el primer panel: “Undiscovered Genius Of The Mississippi Delta”. Aunque una sobredosis de heronía desbaratará su anhelo en 1988.

Lejos del destino de Basquiat, el cuadro deja más interpretaciones. Algunas obsesivas. No es casualidad que se lea en una banda horizontal, en la zona alta de la tela, la frase: “In the Deep South 1912-1936-1951”. Ese profundo sur y esas fechas nos hablan, otra vez, de Mark Twain, de las tierras del algodón y del recuerdo del comercio de seres humanos.